Pantalla Adicta

Imagen vía @NYFF A finales del año pasado, Paul Thomas Anderson fue invitado a realizar una masterclass en el Festival de New York . Durante la charla, además de repasar sus influencias, el director compartió diez lecciones de cine, las cuales comparto hoy. 1. Cualquier cosa puede inspirarte Cuando Anderson comenzó a trabajar en Inherent Vice , se inspiró en un programa de televisión que veía cuando niño: Police Squad! ( Jim Abrahams , David y Jerry Zucker , 1982). El recuerdo de lo visto y cómo lo disfrutaba fue lo que le ayudó a crear el ambiente de su película y le mantuvo de buen humor durante los momentos más difíciles 2. No hay reglas A Anderson le sorprendió descubrir que podía hacer lo que quisiera en sus películas, y que eso estaba bien. Esa filosofía es la que aplica en su cine, y la que le ha permitido hacer películas que no dejan a nadie indiferente. 3. Lo importante es crear un ambiente Es importante crear un ambiente porque forma parte de la hist...

En su libro " Reflections of the Shadow: Creating Memorable Heroes and Villains for Film and TV ", Jeffrey Hirschberg  (director y guionista) resume los 11 elementos que tienen en común los buenos guiones con los que se ha encontrado durante su carrera. He aquí una versión más corta de esa lista, que el autor publicó en Movie Outline y que he adaptado para compartir con vosotros. 1. Asume que el público tiene Trastorno de Déficit de Atención  El público retiene poca información. Sea por factores externos o no, cada vez prestamos menos atención a las cosas, y se puede afirmar que la atención (o la falta de ella) está directamente relacionada con la habilidad de establecer una conexión emocional. Por ello, debemos establecer esa conexión rápidamente. Debemos enganchar desde el primer momento. 2. Dedica la mayoría de tu tiempo a las primeras diez páginas de tu guión Gladiator ( Ridley Scott , 2000) engancha inmediatamente, cuando nos presentan al héroe. Si c...

En 1993, Akira Kurosawa concedió una entrevista de dos horas a  Nagisa Oshima . Durante la entrevista ( Waga eiga jinsei ), el director repasó su carrera y dio los siguientes tres consejos muy interesantes, que cualquier aspirante a cineasta debería tener en cuenta: Escribe El consejo más importante que daba Kurosawa a los aspirantes a director era: escribe guiones. Haciéndolo, aprenderás sobre estructura y otros elementos necesarios para entender el cine. Es un trabajo duro, pero si realmente quieres hacer cine, deberías empezar por escribir. Termina lo que empieces Escribir es una tarea tediosa, que lleva tiempo. Escribe dos o tres páginas al día, aún cuando sientas que no puedes avanzar. Tiene que convertirse en una rutina. No quieras llegar al final antes de tiempo, ni abandones cuando veas que es más duro de lo que esperabas: abandonar se convertirá en un hábito. Completa el guión como sea. Lee Si no tienes una base, no podrás construir nada. Kurosawa d...

Me resultó muy curioso que Francis Ford Coppola se negara a dictar una masterclass durante el Festival de Marruecos de 2010: es un director con muchísima experiencia y con un par de clásicos a sus espaldas.  Resulta que Coppola aún se considera un aprendiz del cine, y por ello no se ve apto para dictar clases. Pero eso no significa que se niegue a dar consejos a los aspirantes a cineastas. Hoy os traigo 10 consejos que he extraído de una entrevista que concedió durante ese festival. 1. Nunca se termina de aprender El cine es producto de la experimentación, y es un arte joven comparada con las demás. Coppola dice que, después de tantos años haciendo cine, aún continúa aprendiendo en el set. 2. Arriésgate El riesgo es una parte importante del arte. A pesar de que la industria ahora no arriesga, que los productores se niegan a permitir al cineasta experimentar, si no lo hacemos estancaremos ese arte. Hay que hacer lo que uno quiere hacer, correr riesgos para inno...

Eyes on Cinema es un canal de YouTube que se dedica a recopilar entrevistas en las que los directores desvelan sus técnicas o dan más detalles sobre sus películas. Hoy os traigo cinco claves del cine de Frank Capra , extraídas de una de esas entrevistas (la cual podéis ver al final del post). Una película, un hombre Capra puso como condición para su primera película que él sería quien se haría cargo de todo: escribir el guión, dirigir y editar. Y siempre lo hizo así porque creía que le permitía experimentar, cometer errores, solucionar problemas y mejorar. No creía en los ensayos Reunía a los actores por la mañana, les hacía leer sus líneas y corregía el tono. Posteriormente, mientras se montaba el escenario, les explicaba la escena y cómo esperaba que se desarrollara. Les hacía "ensayar" frente a la cámara y se quedaba con esa toma; porque creía que era la más cruda, la más real. Buscaba la naturalidad de la escena en todo momento Creía que la forma en...

En 2007, el guionista John August ( Charlie's Angels I y II. Big Fish , Charlie and the Chocolate Factory , Corpse Bride , Dark Shadows y Frankenweenie , entre otras) redactó 11 consejos para escribir una escena. El original puede descargarse aquí , y esta es mi traducción. 1. Pregúntate: ¿Qué debe ocurrir en esta escena? Muchos libros te recomendarán que te centres en lo que los personajes quieren. No debería ser así. Los personajes no son responsables de lo que ocurra en la historia, tú lo eres. Si permitiéramos que los personajes controlaran sus escenas, muchos elegirían evitar el conflicto, y las películas resultarían aburridas. La pregunta no es "¿Qué podría pasar?" o "¿Qué debería pasar?", sino "¿Qué necesitamos que ocurra?". Si has escrito un esquema, es hora de echarle un vistazo. 2. Pregúntate: ¿Qué ocurriría si esta escena se omitiera? Imagina que esta escena fuera omitida accidentalmente del corte final. ¿Tendría sent...

vía Wikimedia Commons El aspect ratio (radio o relación de aspecto) es la relación proporcional entre el ancho y la altura de la imagen. Los más comunes en el cine actual son 1.85:1 y 2.39:1, y en vídeo 4:3 (1.33:1) y 16:9 (1.77:1). La relación de aspecto se define con la cámara y la apertura del proyector. Cuatro tercios (4:3): el ratio de la Academia Este ratio fue el primero en utilizarse para las proyecciones cinematográficas. Cada fotograma ocupaba todo el espacio de negativo entre las dos líneas de perforaciones (ocupando lo que serían cuatro perforaciones).  Con la llegada del sonido, éste se grababa justo al lado de una de las tiras de perforaciones, por lo que la imagen pasó a ser un poco más alta de lo que era antes. Esto “incomodaba” a la audiencia (acostumbrada al viejo formato) y resultaba un problema para la proyección en algunas salas. Los estudios intentaron ajustar la imagen al formato anterior (de 1.33:1), y en 1930 acordaron una apertura de...

Cuando un grande decide aconsejarte, debes escucharle. Y si puedes compartir esa sabiduría con otros, aún mejor. En 1999, Cameron Crowe publicó “ Conversations with Wilder ”, un libro en el que recopila tres años de entrevistas con el gran Billy Wilder . En “ Conversations with Wilder ”, Crowe incluye una lista de consejos sobre cómo hacer una buena película. Si buscas consejo, si quieres mejorar tu forma de contar historias, quizás estas diez reglas sean lo que necesitas: Los espectadores son volubles. Cógeles del cuello y no les sueltes. Desarrolla una clara línea de acción para tu protagonista. Ten claras tus intenciones, hacia dónde te diriges. Cuanto más sutil y elegante seas al esconder tus plot points (puntos de inflexión en la trama, giros en la historia, motivos, etc.), mejor escritor serás. Si tienes un problema en el tercer acto, el problema está realmente en el primer acto. Un consejo de Ernst Lubitsch : Deja que el espectador sume dos más dos. Te adora...

Hace unos días os conté un poco acerca de la evolución del montaje , y os di algunos nombres de los pioneros en el área. El post se me hizo demasiado largo, y no profundicé demasiado. Hoy he seleccionado cuatro formas diferentes de ver al montaje, que pueden servir para comprender mejor las decisiones que se toman a la hora de contar una historia. Griffith: una secuencia puede formarse de tomas incompletas, cuyo orden y selección se deciden por necesidades dramáticas The Birth of a Nation , clásico de D. W. Griffith no ha alcanzado su status por la historia que relata, sino por haber innovado en el arte del montaje. Hasta entonces, la única forma de hacer énfasis en la intensidad dramática de la escena era a través de la gesticulación de los actores. Griffith innovó acercando la cámara a los actores, mostrando detalladamente sus gestos. También, utilizó planos panorámicos: largas tomas de imágenes que no jugaban un papel fundamental en la trama, pero aumentaban el dramatismo de l...

  El montaje es fundamental para una película, es como poner puntos y comas en una historia. El (o la) montajista recibe un montón de imágenes rodadas por el director y debe armar el rompecabezas. Es su responsabilidad dar el toque final a la historia. Hoy me gustaría contaros un poco cómo ha nacido esta etapa de la producción cinematográfica, qué procesos se siguen, y un poco de teoría (que nunca viene mal). Al principio el montaje no existía, o ya estaba incorporado durante el rodaje: las primeras películas eran simples tomas estáticas. Cuando las películas comenzaron a contar historias en más de una toma, nació el montaje. La que se considera la primera película con secuencias -y continuidad entre las mismas- es Come Along, Do! de Robert W. Paul (1898). A partir de entonces, las películas comenzaron a incorporar acciones continuadas y acciones paralelas, a cambiar encuadres y a acercarse a los protagonistas de las historias. Además, cineastas como George Albert Smith ...