29 jun. 2015

The Humbling


The Humbling es, quizás, el mejor trabajo de Al Pacino en los últimos tiempos. Lo mejor de la adaptación cinematográfica de la novela de Philip Roth es él. Contrario a lo que se espera, en esta película Pacino rebaja la intensidad de su interpretación, y nos regala silencios que dicen más que mil palabras.

Cualquiera que la vea, os dirá que hay muchos puntos en común con Birdman (Alejandro González Iñárritu, 2014). Es curioso como Barry Levinson decidió contarnos una historia bastante similar justamente ahora, y es inevitable compararlas. Especialmente porque hay escenas que son prácticamente iguales. Y quizás eso juegue en contra de The Humbling.


¿Qué os puedo decir? Tenía muchísimas ganas de ver a Pacino haciendo un buen papel, y ha sido un placer redescubrir a uno de mis actores favoritos. La película decae por momentos, es verdad, pero él ha estado maravilloso. Quizás por eso me he quedado con un buen sabor de boca, especialmente por ese bonito final que nos regala. Es un placer tenerlo de vuelta, Mr. Pacino.

26 jun. 2015

5 mujeres pioneras de la animación

Cada año, el Festival de Annecy comienza sus proyecciones con cortometrajes de estudiantes de animación de la escuela Gobelins. En 2015, el tema de esos cortometrajes fueron las mujeres pioneras de la animación. 

Cada grupo de estudiantes se basó en los logros de una de esas mujeres para contar una historia de poco más de un minuto. El resultado me ha parecido tan bonito, que he decidido compartirlo hoy.

Mary

El cortometraje de Michiru Baudet, Cécile Carre, Viviane Guimarães, Fanou Lefebvre y Léni Marotte nos presenta a Mary Blair, la mítica directora de arte de Walt Disney Studios.


Eve

Simon Anding, Elena Dupressoir, Lucas Durkheim, Paul Regnier y Diane Tran-Duc fueron los encargados de homenajear a Evelyn Lambart, la primera animadora canadiense.


Lotte

Lotte Reiniger fue la directora de la primera película animada europea, y Hadrien Bonnet, Nicolas Capitaine, Charlène Chesnier, Céline Desoutter, y Samuel Klughertz los que firmaron su homenaje.


Claire

Alix Arrault, Jules Durand, Arina Korczynski, Margo Roquelaure e Ines Scheiber se encargaron de presentar a Claire Parker, quien inventó la animación de pantalla de agujas junto a Alexandre Alexeieff.


Alison

Adrien Calle, Leïla Courtillon, Martin Hurmane, Nathan Otaño y Jules Rigolle homenajearon a Alison de Vere, la primera mujer en ser premiada en Annecy.



¿Qué os han parecido los cortos? Creo que mi favorito es Lotte. ¿Y el vuestro?


24 jun. 2015

La familia Huston: Anjelica y Danny

Continúo repasando la historia y filmografía de otra de las familias legendarias de Hollywood: los Huston. La semana pasada os hablé de Walter y John, las primeras dos generaciones en hacer carrera en la industria del cine, y hoy le toca a dos de los descendientes de John: Anjelica y Danny Huston.

Anjelica Huston Met Opera 2010 Shankbone

Anjelica Huston

Anjelica Huston nació en Santa Monica, California, el 8 de julio de 1951. Su padre era John Huston y su madre la modelo y bailarina Enrica Soma. Pasó la mayoría de su infancia en Irlanda e Inglaterra, donde sus padres habían migrado durante la caza de brujas de Hollywood.

A finales de los años sesenta dio sus primeros pasos en el cine, interpretando pequeños papeles en películas de su padre: uno de sus primeros papeles fue ser las manos de Deborah Kerr en Casino Royale. En 1969 protagonizó A Walk with Love and Death, dirigida por su padre.

Después de la muerte de su madre en 1969, regresó a Estados Unidos y comenzó a trabajar como modelo, posando para fotógrafos de la talla de Richard Avedon. A principios de los ochenta comenzó a estudiar actuación con el objetivo de volver al cine, y en 1981 obtuvo su primer papel importante en The Postman Always Rings Twice (Bob Rafaelson), compartiendo cartel con Jack Nicholson y Jessica Lange.

En 1985 su padre le dio la oportunidad de interpretar a Maerose en Prizzi's Honor, papel que le dio el Oscar a mejor actriz secundaria (los Huston fueron la primera familia con tres generaciones ganadoras de un Oscar). Su primera nominación como actriz principal fue por The Gifters (Stephen Frears, 1990).

También resultó nominada al Oscar por su trabajo en Enemies, a Love Story (Paul Mazursky, 1989). Y fue nominada a dos BAFTA por sus interpretaciones bajo la dirección de Woody Allen: Crimes and Misdemeanors (1989) y Manhattan Murder Mystery (1993).

En 1990 interpretó a la inolvidable bruja de The Witches (Nicolas Roeg). En 1991 consiguió el mítico papel de Morticia en Addams Family (Barry Sonnenfeld), papel que repitió en Addams Family Values (Barry Sonnenfeld, 1993), y que le dio dos nominaciones al Golden Globe.

En 1996 debutó como directora con Bastard Out of Carolina, y regresó a las blockbusters en 1998 interpretando a la baronesa Rodmilla De Ghent en Ever After: A Cinderella Story (Andy Tennant). Un año después, regresó a la silla del director con Agnes Browne (1999), la cual también protagonizó.

En 2001 se puso a las órdenes de Wes Anderson en The Royal Tenenbaums, experiencia que repitió en The Life Aquatic with Steve Zissou (2004) y The Darjeeling Limited (2007). En 2005 dirigió su tercera película  Riding the Bus with My Sister (2005).

Además, escribió un libro: A Story Lately Told, colaboró en la campaña para liberar a Aung San Suu Kyi de Burma y con PETA, que la declaró Personaje del Año en 2012. El 22 de enero de 2010 obtuvo su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.

La vida amorosa de la actriz resulta muy interesante para algunos: a los 18 estuvo en pareja con el fotógrafo Bob Richardson, vivió un romance intermitente con Jack Nicholson que duró de 1973 a 1990, y durante una de sus rupturas con Nicholson  a finales de los setenta tuvo una relación con Ryan O'Neal. En mayo de 1992 se casó con el escultor Robert Graham, y convivieron hasta la muerte del escultor en 2008. Anjelica no ha tenido hijos.


Danny Huston

Daniel Sallis "Danny" Huston nació el 14 de mayo de 1962 en Roma. Sus padres fueron John Huston y la actriz Zoe Sallis. Creció en Irlanda y Londres, y estudió arte y cine. Pasaba gran parte del tiempo en los sets de las películas de su padre, pero comenzó su vida profesional como pintor.

Su primer trabajo como director fue a los 24 años, con Bigfoot y Mr Corbett's Ghost, trabajos para televisión. Contó con la colaboración de su padre para el segundo título, además de su primer trabajo importante: Mr North, coadaptada por John Huston, Janet Roach y James Costigan, y protagonizada por Anthony Edwards, Lauren Bacall, Harry Dean Stanton, Mary Stuart Masterson, Anjelica Huston, David Warner y Virginia Madsen (con quien se casó en 1989 y se divorció pocos años después).

Mr North no fue muy exitosa, y Danny se dedicó a trabajos menores mientras esperaba el que le llevara al éxito. Como la espera se hacía larga, Danny se decidió a probar suerte con la actuación: debutó en Leaving Las Vegas (Mike Figgis, 1995), y continuó con títulos como  Timecode (Mike Figgis, 2000), 21 Grams (Alejandro González Iñárritu, 2003), Ivans Xtc (Bernard Rose, 2003) -que le valió una nominación a un Spirit Award-, The Aviator (Martin Scorsese, 2004), Silver City (John Sayles, 2004), The Constant Gardener (Fernando Meirelles, 2005), The Proposition (John Hillcoat, 2005), Marie Antoinette (Sofia Coppola, 2006), The Kingdom (Peter Berg, 2007), X Men Origins: Wolverine (Gavin Wood, 2009), Robin Hood (Ridley Scott, 2010), Hitchcock (Sacha Gervasi, 2012), The Congress (Ari Folman, 2013) y Big Eyes (Tim Burton, 2014).

Interpretó a Orson Welles en Fade To Black (Oliver Parker, 2006). También ha trabajado en televisión: seguro le recordaréis de Magic City (por la que fue nominado a un Golden Globe), American Horror Story: Coven, American Horror Story: Freak Show y la miniserie de HBO John Adams.

Danny tiene una hija de su segundo matrimonio, con Katie Jane Evans. Su nombre es Stella. Habrá que esperar para ver si la pequeña ha heredado la vocación familiar.


La historia de los Huston no termina aquí: aún queda hablar de los hermanos de Anjelica y Danny que se han dedicado al trabajo detrás de cámaras, Allegra y Tony, y del hijo de Tony, Jack. De ellos os hablaré la próxima semana.

22 jun. 2015

Woman in Gold


El "modelo Weinstein" empieza a resultarme bastante predecible. Ya sé qué esperar cuando veo una película que lleva su sello y, lamentablemente, eso se traduce en que no me sorprenderé. El resultado siempre está bien empaquetado, algunas veces más entretenido que otras; pero no es nada nuevo. Y eso me ocurrió con Woman in Gold.

Hay cosas positivas: Helen Mirren (¿cuándo no es un placer verla?), Ryan Reynolds está bastante bien, Daniel Brühl (otro al que es un placer ver, aunque su papel sea poco interesante). Como buena fan de Orphan Black, también me gustó mucho ver a Tatiana Maslany. Aún así, creo que ninguno de los actores se exigió demasiado, pero porque la forma en que se contó la historia no pedía mucho más que lo que han dado.

Los flashbacks cumplen su función -y siguen una estética que parece ser la única que se aplica cuando se habla de la Segunda Guerra Mundial-, y la estructura resulta bastante predecible. Una cosa que me sorprendió fue ver a Katie Holmes haciendo un papel que podría haber hecho cualquier actriz con menos caché. Apenas tiene diálogos, y no se requiere mucho de ella. ¿Será que no da para nada más después de haber sido abducida por Tom Cruise? Y... me habría ahorrado completamente la secuencia final.

Woman in Gold sirve para conocer la historia de Maria Altmann y la famosa pintura de Klimt que retrata a su tía Adele Bloch-Bauer, para que nos recuerden que los nazis se repartieron un buen botín cuya mayoría no ha retornado a sus dueños. Pero, por momentos, me pregunté si en realidad lo que me estaban contando es cómo los norteamericanos son héroes y salvadores de las víctimas del mundo.

Más allá de que la historia de Maria fuera prácticamente igual a que han contado, ese mensaje que suele poblar varias películas estaba allí. Y no sé si vi Woman in Gold en un día en el que no estaba de ánimos para este tipo de cosas, pero creo que eso también ha jugado en contra de la película a mis ojos.


Creo que es hora de tomarme un descanso del cine producido por la Weinstein, de dedicar mi tiempo a otras historias. No sé si podré mantenerme alejada mucho tiempo (suelen producir películas que me interesa ver por diferentes motivos); pero estoy cansada de que siempre sean lo mismo.

20 jun. 2015

Break Free: El cortometraje de Ruby Rose

La tercera temporada de Orange is the New Black ha generado mucho ruido por la incorporación de Ruby Rose. La actriz, modelo y DJ ha conquistado muchos corazones y generado ríos de tinta y opiniones al respecto de la sexualidad y la identidad. 

Por eso, hoy he decidido compartir con vosotros un cortometraje escrito, producido y protagonizado por Ruby Rose: Break Free. El corto va justamente de eso: fluidez de géneros, transexualidad e identidad. 


Que tengáis un buen fin de semana y libre de prejuicios.

17 jun. 2015

La familia Huston: Walter y John Huston

Walter Huston (fotografía de Ben Pinchot)

Walter Huston

Walter Thomas Huston nació el 5 de abril de 1883, en Toronto, Canadá. Su padre era un granjero que fundó una consructora. En su juventud trabajó junto a su padre, mientras se preparaba para ser actor en la Shaw School of Acting. Debutó en teatro en 1902, y trabajó junto a Richard Mansfield en Julio César.

En 1904 se casó con Rhea Gore y dejó la actuación para trabajar como gerente en las estaciones eléctricas de Nevada, Estados Unidos. En 1906 tuvo un hijo: John Huston. En 1909 regresó a la actuación, trabajando en el vaudeville junto a Bayonne Whipple. La dupla Whipple-Huston fue muy exitosa, y se llevaban tan bien que en 1915 decidieron casarse.

Walter Huston debutó en Broadway el 22 de enero de 1924, en la obra Mr Pitt. Su trabajo en Broadway lo llevó a la fama, y cuando las talkies se instalaron en Hollywood logró varios papeles en cine. Trampas, en The Virginian (Victor Fleming, 1929) fue su primer papel importante, en el que compartió pantalla con Gary Cooper.

Fue Dodsworth en Broadway en 1934, y repitió el papel en cine en 1936. Ese papel le valió un premio al mejor actor del New York Critic's Circle y una nominación al Oscar. Durante las décadas del treinta y el cuarenta continuó su carrera combinando Broadway y Hollywood. 

Sus papeles más relevantes fueron en Abraham Lincoln (D.W. Griffith, 1930), Rain (Lewis Milestone, 1932), Gabriel Over the White House (Gregory La Cava, 1933), The Devil and Daniel Webster (William Dieterle, 1941), Yankee Doodle Dandy (Michael Curtiz, 1942), Mission to Moscow (Michael Curtiz, 1943); pero su aparición en Maltese Falcon no recibió crédito: era el capitán del barco que muere al entregar el pájaro. Su hijo dirigía la película y, como broma, le hizo repetir la escena de su muerte unas diez veces.

En 1948 volvió a trabajar con su hijo en The Treasure of Sierra Madre. Su papel le valió un Golden Globe y el Oscar al mejor actor secundario, y su hijo consiguió el Oscar al mejor director. Su última película fue The Furies (Anthony Mann, 1950), en la que trabajó junto a Barbara Stanwyck

Walter Huston murió el 7 de abril de 1950, y sus cenizas descansan en el cementerio Belmont de California. Su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood se encuentra en el número 6626 de Hollywood Boulevard. Su nombre también se encuentra en el Salón de la Fama del Teatro Americano.



John Huston

John Huston nació el 5 de agosto de 1906 en Nevada, Estados Unidos. Después del divorcio de sus padres en 1913 fue enviado a estudiar en varios internados, y viajaba con alguno de sus padres durante las vacaciones. Acompañando a su padre en los tours de vaudeville, nació su deseo por meterse en el mundo del espectáculo.

Durante la adolescencia se mudó a Los Angeles con su madre, dejó la secundaria y se dedicó al boxeo. Lo abandonó poco después e intentó suerte con la pintura, el ballet, la literatura, la ópera y la equitación. Era muy aficionado al cine, y gran admirador de Charles Chaplin.

También vivió en New York junto a su padre, donde comenzó a actuar en off-Broadway junto a él. Poco después viajó a México, donde vivió por dos años. Allí comenzó a escribir obras de teatro, historias cortas y artículos que fueron publicados en Esquire, Theatre Arts y el New York Times

A los 25 años regresó a Los Angeles buscando convertirse en guionista, y se casó con Dorothy Harvey. Obtuvo un contrato en Samuel Goldwyn Productions durante seis meses; pero después de no conseguir ningún guión se fue a Universal, donde su padre era ya una estrella. Allí escribió los diálogos de Murders in the Rue Morgue (dir: Robert Florey), A House Divided (dir: William Wyler) y Law and Order (Edward L. Cahn, 1932). 

Después de un accidente en el que atropelló a una mujer y ella falleció, abandonó su carrera y se mudó a Europa. Vivió en Londres y París hasta 1937, cuando regresó a Hollywood con intención de convertirse en guionista y director. Allí se casó con Lesley Black, y comenzó a trabajar en Warner Bros

Durante sus años en Warner, coescribió los guiones de Jezebel (William Wyler, 1938), The Amazing Dr. Clitterhouse (Anatole Litvak, 1938), Juarez (William Dieterle, 1939), Dr. Ehrlich's Magic Bullet (William Dieterle, 1940) y Sergeant York (Howard Hawks, 1941), y obtuvo nominaciones al Oscar por su trabajo en las últimas dos. Ya establecido como guionista, convenció a Warner de que le dejaran dirigir.

Su debut como guionista y director fue The Maltese Falcon (1941), protagonizada por Humphrey Bogart. La película fue un éxito, y Huston fue nominado al Oscar por su guión. Gracias a esto, Huston continuó escribiendo y dirigiendo, aún mientras se encontraba en el frente durante la Segunda Guerra Mundial.

The Treasure of the Sierra Madre (1948) le asentó como un director importante en Hollywood, gracias al apoyo de la crítica y el público. Escribió el guión, dirigió y también tuvo un pequeño papel. Fue protagonizada por Humphrey Bogart y en ella también trabajó Walter Huston. John Huston consiguió un Oscar por el guión y otro por la dirección de The Treasure of Sierra Madre, entre otros premios.

En 1948 también dirigió Key Largo, protagonizada -nuevamente - por Bogart y Lauren Bacall. La película no gustó demasiado y a Huston no le gustó que el estudio eliminara varias escenas sin su consentimiento, lo que le llevó a abandonar Warner apenas terminó su contrato. 

The Asphalt Jungle (1950), en la que Marilyn Monroe tuvo su primer papel serio, fue aclamada por la crítica y un éxito de taquilla. Le valió nuevas nominaciones al Oscar (guión y dirección) y un Screen Directors Guild Award

Un año después estrenó una película en la que había estado trabajando un poco antes de The Asphalt Jungle: The African Queen (1951), protagonizada por Bogart y Katharine Hepburn. Huston tenía pensado un final para la historia en el que los protagonistas morían, y decidió cambiarlo siguiendo el consejo de Sam Spiegel (productor de la película). Huston volvió a ser nominado doblemente, y Bogart ganó su primer Oscar gracias a esta película.

En 1952, Huston se mudó a Irlanda: el HUAC (House Committee on Un-American Activities) estaba interrogando a varios de sus colegas y Huston estaba en contra de la caza de brujas. Allí rodó Moby Dick (1956), con Gregory Peck en el papel protagonista (Walter Huston iba a interpretarlo, pero murió antes de que el proyecto se pusiera en marcha). Ray Bradbury había adaptado el guión. La película fue un fracaso. Los buenos años profesionales de John Huston habían terminado.

No fue hasta The Misfits (1961) que Huston volvió a ganarse a la crítica. Sin embargo, la película tiene mala fama por ser la última de Clark Gable y Marilyn Monroe. The Night of the Iguana (1964), es la siguiente película de Huston que obtuvo la atención de la Academia de Cine norteamericana. Fue protagonizada por Richard Burton y Ava Gardner.

Durante los sesenta también se dedicó a la actuación: trabajó bajo las órdenes de Otto Preminger en The Cardinal (1963), por la que obtuvo una nominación al Oscar como mejor actor secundario. En 1966, Dino De Laurentis le convenció de dirigir The Bible: In the Beginning. Huston disfrutó mucho del rodaje (además de dirigir, dio voz a Dios e interpretó a Noé); pero la película fue un fracaso en taquilla.

En 1967 participó como actor y dirigió algunas escenas de Casino Royale. Fat City (1972) volvió a ganarle el favor de la crítica, y una nominación a Susan Tyrell como mejor actriz secundaria. En 1974 trabajó para Roman Polanski en Chinatown.

The Man Who Would Be King (1975) fue un éxito de taquilla y con la crítica, y un proyecto que había querido completar por unas dos décadas. Después del estreno, Huston se tomó un descanso de cuatro años. The Dead (1987) fue su último trabajo como director. Murió cuatro meses antes de su estreno.

De los cinco matrimonios de John Huston (Dorothy Harvey, Lesley Black, Evelyn Keyes, Enrica Soma y Celeste Shane), tuvo dos hijos y adoptó dos más: Pablo, Anjelica, Tony y Allegra. Además, tuvo un hijo, Danny, con Zoe Sallis. Anjelica y Danny heredaron la vocación artística y se dedicaron a la actuación. 

John Huston murió el 28 de agosto de 1987. Su tumba se encuentra en el cementerio Hollywood Forever, junto a la de su madre (muchos dicen que ella fue la mujer más importante en su vida).

La historia de la familia Huston apenas empieza: la próxima semana os contaré sobre la siguiente generación en hacer carrera en Hollywood.

15 jun. 2015

For No Good Reason: una charla con Ralph Steadman


La premisa es sencilla: Johnny Depp visita a Ralph Steadman, el dibujante que trabajó junto a Hunter S. Thompson y uno de los creadores del estilo Gonzo. ¿Qué podría salir de eso? Un documental que ha ido derecho al cajón de mis favoritos. 

Ha sido un placer ver For No Good Reason: ver a Steadman hacer arte, escucharle hablar de sus años junto a Hunter Thompson, ver su trabajo, repasar su carrera. No sólo es entretenido (¿cómo no iba a serlo si se habla de uno de los personajes más interesantes del periodismo norteamericano?), sino que es un placer audiovisual: la banda sonora acompaña perfectamente las imágenes, y las animaciones de las caricaturas de Steadman le dan aún más vida a su trabajo.

¿Y Johnny Depp? Os preguntaréis. Su papel es mínimo: hacer algunas preguntas, mostrarnos un poco más sobre el artista desde el punto de vista de una persona que curiosea durante una visita. Johnny se limita a mostrarnos a una persona que claramente admira, y lo consigue.

Quien vea For No Good Reason terminará fascinado por el artista que es Ralph Steadman, que es lo que pretende y consigue este documental. Fans de Gonzo, interesados en el arte, en las caricaturas... este es un documental que deberíais ver. Visitad a Ralph Steadman y dejad que os conquiste su historia.

12 jun. 2015

La carnada

Manny tiene 13 años. Su madre está enferma y él no tiene dinero para pagar la insulina que necesita. Así que decide buscar trabajo. Y lo encuentra, como mula. La carnada, de Josh Soskin, acompaña a Manny en su viaje por el desierto intentando cruzar a los Estados Unidos. 

Seguro que pensáis que es la misma historia de siempre, y en cierto modo tiene un poco de eso. Pero, al final, puede que os llevéis una sorpresa.


¡Buen fin de semana!

10 jun. 2015

Un poco más sobre The Craft y sus protagonistas


The Craft (Andrew Fleming, 1996) fue una película con la que muchas chicas de mi generación conectaron: muchas empezaron a vestirse como las protagonistas de la película, en las reuniones se solía jugar al "ligera como una pluma, rígida como una tabla", y algunas fueron un paso más allá e intentaron repetir los hechizos o empezaron a practicar la Wicca. 

Y, ahora que se está hablando de hacer una remake (¿¡por qué?!), me dieron ganas de repasar algunos datos curiosos y la carrera de los protagonistas de esta película que he visto tantas veces que seguramente puedo recitar de memoria.

Seguro que sabéis cosas como que Angelina Jolie fue considerada para un papel, o que Robin Tunney llevaba una peluca porque se había quedado calva durante el rodaje de Empire Records; pero ¿sabíais que la escena de las víboras fue hecha con los animales reales en el set? En total se utilizaron 3.000 víboras, incluida una boa constrictor del Amazonas para esa escena.

Robin Tunney no fue la única que tuvo que lidiar con animalitos: el montaje de Fairuza Balk siendo cubierta de insectos y bichejos varios se hizo con la actriz cubierta del material verde de los chromas y los bichos andándole encima, y posteriormente se agregó digitalmente sobre una toma de la actriz (esta vez sin tela verde) interpretando la escena.

La deidad a la que las chicas veneran es ficticia, pero en el set había dos brujos: Fairuza Balk (practicaba la Wicca) y Pat Devin (especialista en brujería, contratado como consejero). Intentando que la película fuera lo más fiel posible, las actrices realizaban rituales wiccanos y lenguaje real para invocar a las deidades. 

Lo único que no es real es el nombre de Manon (aunque es similar a Manann, dios gaélico de los mares). Y sí, ocurrían cosas extrañas en el set, especialmente relacionadas con el agua. El director contó que en la escena de la playa las olas crecieron exactamente en el momento en que las actrices comenzaron la ceremonia, y en el instante en que Fairuza Balk se dirigió a la deidad, hubo un apagón. También fueron "atacados" por una ola de murciélagos y viento, que apagaron las velas. La escena tuvo que volver a rodarse en otra ocasión. 

Quizás una de las cosas más curiosas sobre The Craft es que la razón por la que se la calificó con una R en lugar de un PG-13 (que era lo que se buscaba) fue porque se trataba de adolescentes haciendo brujerías. ¿Ocurrirá lo mismo con su remake, o la suavizarán para lograr una calificación diferente?

La carrera de sus protagonistas




Robin Tunney

La actriz que interpretaba a Sarah Bailey había rodado poco antes otra película por la que los de mi generación siempre la recordaremos: Empire Records (Allan Moyle, 1995). Después de The Craft continuó trabajando sin descanso; pero sin dar con papeles demasiado relevantes. Pero seguro la recordáis como Veronica Donovan en la serie Prison Break y como Teresa Lisbon en The Mentalist, dos series que parecieron sacarla del olvido.


Fairuza Balk

La malvada Nancy comenzó su carrera interpretando a Dorothy en Return to Oz (Walter Murch, 1985) y, después de The Craft, la habéis visto en American Hisory X (Tony Kaye, 1998), Almost Famous (Cameron Crowe, 2000) y Los Soprano. Se dedica mayoritariamente al cine independiente, y a doblar series animadas y videojuegos (Family Guy. Justice League, Grand Theft Auto: Vice City, entre otros).


Neve Campbell

El papel de Bonnie fue el primero en el que quizás muchos vimos a Neve Cambell. Después de The Craft, conoció la fama con la saga Scream (Wes Craven), en la que compartió pantalla con Skeet Ulrich, Wild Things (John McNaughton, 1998) y la serie Party of Five. Después de un corto paso por la serie Medium y de darle voz a Cassandra en The Simpsons, volvió a la gran pantalla con la cuarta entrega de Scream (Wes Craven, 2011). Más recientemente, se la pudo ver en Grey's Anatomy y Mad Men.


Rachel True

Rachel comenzó su carrera en The Cosby Show, a principios de los noventa. También se pasó por series como 90210, Family Matters y The Fresh Prince of Bel-Air antes de interpretar a Rochelle en The Craft. Continuó su carrera con apariciones en televisión: Once and Again, Half & Half, y Dawson's Creek. Puede que algunos la hayáis visto en Sharknado 2 (Anthony C. Ferrante, 2014), quizás lo más relevante que ha hecho en los últimos años.


Skeet Ulrich

La carrera de Skeet Ulrich comenzó siendo un extra en Weekend at Bernie's (Ted Kotcheff, 1989), por lo que no siquiera recibió créditos. Chris fue su primer papel "importante". Le reconoceréis por sus trabajos posteriores: Scream (Wes Craven, 1996), As Good as It Gets (James L. Brooks, 1997), The Newton Boys (Richard Linklater, 1998), Ride with the Devil (Ang Lee, 1999), y las series Jericho, CSI: NY, y Law & Order. Además, ha prestado su voz para varios episodios de Robot Chicken.


Christine Taylor

Christine tiene un largo currículum. Comenzó con apariciones en series que ya son un clásico como Dallas, Life Goes On, Saved by the Bell, y Blossom. Se pasó al cine con Calendar Girl (John Whitesell, 1993), fue Marcia Brady en The Brady Bunch Movie (Betty Thomas, 1995) y A Very Brady Sequel (Arlene Sanford, 1996). 

Trabajó junto a Ellen DeGeneres y Jerry Seinfield en sus series, y fue Bonnie en varios episodios de Friends. También la habéis visto en The Wedding Singer (Frank Coraci, 1998), Zoolander (Ben Stiller, 2001), Dodgeball: A True Underdog Story (Rawson Marshall Thurber, 2004), Tropic Thunder (Ben Stiller, 2008) y Arrested Development. Muy pronto la veréis en Zoolander 2. Y sí, también es famosa por ser la esposa de Ben Stiller.


Brekin Meyer

Brekin Meyer también tiene un largo currículum. Comenzó su carrera en The Wonder YearsFreddy's Dead: The Final Nightmare (Rachel Talalay, 1991). Justo antes de  de The Craft, rodó Clueless (Amy Heckerling, 1995), papel que continuó en la serie de tv. También se lo vio en Party of Five (junto a Neve Campbell), Can't Hardly Wait (Harry Elfont, Deborah Kaplan, 1998), The Insider (Michael Mann, 1999), Road Trip (Todd Phillips, 2000), y Rat Race (Jerry Zucker, 2001). 

Fue Jon en Garfield 1 (Peter Hewitt, 2004) y 2 (Tim Hill, 2006); y seguro le habéis visto en las series House y Heroes. Además, le habéis escuchado en episodios y especiales de Robot Chicken, y King of the Hill, entre otras.


Assumpta Serna 

¿Quién no se sintió mucho más seguro al conocer a Lirio? Quizás algunos ya conocíais a Assumpta Serna por entonces, pero para mí fue toda una sorpresa descubrirla -un poco después- en las películas de Almodóvar. Assumpta ha rodado más de 100 películas y ha trabajado en unas cuantas series de televisión (y en varios idiomas): la conocéis de Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (Pedro Almodóvar, 1980), Soldados de plomo (José Sacristán, 1983), Matador (Pedro Almodóvar, 1986); y las series Aquí no hay quien viva, Hermanos y detectives, y Diario secreto de una adolescente, entre tantas otras películas y series más.

Aunque no me gusta nada la idea de la remake, seguro que acabaré viéndola. Me pregunto quiénes intentarán estar a la altura de estos papeles, y si llegarán a ser tan icónicos para una generación como éstos lo fueron para la mía.

8 jun. 2015

It Follows


Hablaban tan bien de It Follows que la curiosidad me ganó. Intenté con muchas ganas que me gustara, pero al final no pude evitar encontrar muchas cosas que no me cerraron (aviso: el siguiente post contiene SPOILERS POR DOQUIER).

Desde una escayola mágica, capaz de sumergirse en agua -varias veces- sin sufrir alteraciones y convertirse en vendaje según necesidades de la escena, pasando por una siesta en el capó del coche y en medio de un bosque cuando tienes una especie de monstruo persiguiéndote, y terminando con un "monstruo" que nadie puede ver; pero que salpica sangre cuando le disparas, va vestido o desnudo según le convenga, y podemos cubrirle con una sábana para que los demás sepan donde está... Hay cosas que no hay por donde cogerlas.

Me quedé pensando en la película; pero no porque quisiera encontrar sentido a todas estas cosas, sino porque no podía entender qué vieron tantos que yo no pude ver. La famosa regla (que en este caso se cumple) de que si tienes sexo serás víctima es el punto de partida. Bien. Si no entendí mal, este fantasma/monstruo/lo que sea que ataca a la víctima le seguirá hasta matarle, a menos que le pase la "maldición" a otro.

Pero si ese otro al que "contagia" muere, la "maldición" le regresa al que se la pasó. ¿Es esto una metáfora de relaciones pasadas? ¿El mensaje es que tienes que seguir adelante cuando terminas con alguien, o ese alguien y fantasmas similares van a perseguirte? Es que no encuentro otra explicación.

Y, aún peor, me quedé bastante enfadada con el final. Si ya has matado a tu vecino, ¿lo coherente es que te folles al chico que tienes en la friendzone y le condenes a pasarse el resto de su vida buscando prostitutas a las que "contagiar"? ¿Qué clase de idea es esa? ¿Y te quedas con él, quizás para controlar que no se muera y vuelvas a tener que ser tú la que vaya por la vida buscando víctimas?

Sé que hay muchísimas interpretaciones a la película en internet, pero esta fue la explicación que pensé después de verla (y asumo que la más negativa). Y la verdad es que no me ha parecido tan buena película. Tiene algunos detalles que rescato; pero demasiados que no me han gustado. 


Leyendo teorías online, la única que más o menos me pareció interesante es la de que se trata de la muerte, que nos sigue a todos. Y eso me llevó a pensar en que quizás lo que la hace una de las películas más mencionadas de momento es que todos nos estamos devanando los sesos tratando de entender el mensaje. 

Nos han dicho hasta el cansancio que reinventa a los clásicos del terror (resulta que reinventar es darle una estética indie, porque el resto es lo mismo de siempre) y, por ello, estamos todos pensando en cómo interpretarla. Pero no veo yo que sea tan innovadora. La verdad es que me he llevado una decepción con It Follows.

5 jun. 2015

20 Hz

¿Tenéis ganas de pasar un poco de miedo? Hoy os traigo 20 Hz, de Chris Keller, un corto que nos mete mucho miedo sobre las cosas que no somos capaces de escuchar.


¡Buen fin de semana!

3 jun. 2015

Falsos documentales

This Is Spinal Tap
El falso documental o mockumentary es un género en el que se presentan eventos de ficción en estilo documental. Algunas veces se presentan como documentales históricos, o tratan sobre eventos actuales, y otras son simplemente una parodia del género documental. Generalmente, incluyen narración o comentarios, rollos B, o imitan al cinema verité, con escenas parcial o completamente improvisadas.

A pesar de estar asociados a la sátira, la parodia y la comedia, existen ejemplos de mockumentaries dramáticos, generalmente llamados docuficción para alejarse de la palabra mock (burla). Éstos no deben confundirse con los docudramas, donde se mezclan eventos reales con representaciones de sucesos reales.

Los orígenes del género no son muy claros. Algunos los remiten a Tierra Sin Pan (Luis Buñuel, 1933) o la representación de The War of the Worlds de Orson Welles en 1938; otros se refieren a "Swiss Spaghetti Harvest", una broma de April Fool's de 1957 que se emitió en programa británico Panorama como el origen; y otros hablan de A Hard Day's Night (Richard Lester, 1964) como el primer falso documental. 

El término mockumentary nace en los años sesenta, con películas como David Holzman's Diary (Jim McBride, 1967), Pat Paulsen For President (1968), Take the Money and Run (Woody Allen, 1969), All You Need is Cash (Eric Idle, Gary Weis, 1978) y Real Life (Albert Brooks, 1979). 

Y en los ochenta se popularizó gracias a This Is Spinal Tap (Rob Reiner, 1984) y películas como Waiting for Guffman (1996), Best in Show (2000) y A Mighty Wind (2003), dirigidas por Christopher Guest (coescritor y protagonista de This Is Spinal Tap).

Woody Allen solía recurrir mucho a este género: Take the Money and Run fue la primera, seguida por Zelig (1983) y Sweet and Lowdown (1999). Otro director que ha probado el género es Peter Jackson con Forgotten Silver (1995), sobre un falso pionero del cine llamado Colin McKenzie.

Los falsos documentales más recientes que han sonado son Dark Side of the Moon (William Karel, 2002), Borat: Cultural Learnings of America for Make Benefit Glorious Nation of Kazakhstan (Larry Charles, 2006), Brüno (Larry Charles, 2009), el excelente I'm Still Here (Casey Affleck, 2009) y What We Do in the Shadows (Jemaine Clement, Taika Waititi, 2014). Este último os lo recomiendo si tenéis ganas de echaros unas buenas risas.

Me he quedado pensando en si debería mencionar The Blair Witch Project (Daniel Myrick, Eduardo Sánchez, 1999), District 9 (Neill Blomkamp, 2009), Paranormal Activity (Oren Peli, 2007), The Devil Inside (William Brent Bell, 2012), entre tantas otras. El límite del género es algo confuso. ¿Pensáis que también deberían considerarse falsos documentales, o son subgéneros? Os invito a opinar en los comentarios.

1 jun. 2015

¿Por qué ver la versión de The Taming of the Shrew de 1929?

Me voy bastante atrás en la Historia del Cine para recomendaros la primera adaptación sonora de una obra de Shakespeare: The Taming of The Shrew, dirigida por Sam Taylor en 1929 y protagonizada por Mary Pickford y Douglas Fairbanks.


¿Por qué la he elegido? Por varias razones. La primera, que se trata de una película que se rodó para ser estrenada como película muda y como talkie en las salas ya adaptadas a la nueva tecnología de la época. Es un ejercicio muy interesante verla con sonido e intentar descubrir dónde iban los intertítulos. 

Los que conocéis la obra quizás ya estáis pensando en otras dos razones por las que la he elegido: la adaptación y el discurso final. La adaptación, porque se trata de una película que sólo lleva 500 líneas de la obra original, por lo que varios personajes han desaparecido y muchas escenas han sido eliminadas. La misma historia puede ser contada de varias formas, y la adaptación de Sam Taylor resulta ser una versión simplificada de la misma.

Y el discurso de Kate al final de la película, porque es mi parte favorita. The Taming of the Shrew es una obra que puede resultar misógina y ese discurso de Kate, el guiño a su hermana, resulta muy curioso para ser una película de la época. Al final la fierecilla no ha sido domada, y solamente nos hace creer que lo ha sido. Esta Katherine no cae en los juegos de Petruchio, y en cierto modo termina ganando la partida. Me parece un giro fantástico.

Aunque Mary Pickford no estuviera contenta con el resultado (decía en su biografía que su fierecilla resultaba ser un gatito), su trabajo me gusta. Hay que tener en cuenta que se trata de una película que tenía que ajustar el trabajo actoral a dos tipos de narración, y por tanto imagino que era muy difícil dirigir a los actores y dar con el punto justo de histrionismo. En cuanto a Douglas Fairbanks, su personaje me cae muy mal y él consigue que me pase toda la película con el gesto torcido, así que creo que puedo decir que hizo muy bien su trabajo.


Por cualquiera de las razones que indico más arriba, por simple curiosidad, o porque os da morbo saber que los protagonistas estaban pasando un mal momento como pareja y os divierte verles tirarse cosas, tenéis que verla. Os prometo que será una hora muy bien invertida.