29 abr. 2015

Un poco más acerca de Casablanca

© Warner Bros.

Casablanca (Michael Curtiz, 1942) fue concebida como una obra de teatro llamada "Everybody Comes to Rick's". Irene Lee, jefa del departamento de historias de Warner Bros., la descubrió en un viaje a New York sobre el escritorio de Jack Wilk (editor de la costa este). 

Cuando los japoneses atacaron Pearl Harbor y Estados Unidos se unió a la guerra, Warner comenzó a considerar hacer una película patriótica, y "Everybody Comes to Rick's" resultó ser lo que buscaban. En sólo dos semanas, Hal B. Wallis aprobó la producción, cambió el título a Casablanca inspirado en el éxito de Algiers (John Cromwell, 1938) y pagó 20.000 dólares a los autores Murray Burnett y Joan Alison por los derechos de la obra.

Julius Epstein, Philip Epstein y Howard Koch fueron los encargados de escribir el guión. Los primeros dos entregaron su parte completa tres días antes de comenzar el rodaje, y el tercero -la suya- dos semanas después de comenzado. Las escenas románticas fueron escritas por Casey Robinson, quien se negó a recibir crédito porque el guión no era completamente suyo (y se perdió un Oscar por ello).

En el guión original, Ilsa vivía con un americano casado y Rick la abandonaba cuando lo descubría. Cuando llegaba a Casablanca, tampoco estaba casada. La censura no aprobaba el romance de Ilsa estando casada; pero como se justificaba cuando ella explica que pensaba que su marido había muerto, el romance entre los protagonistas no fue censurado.

El triángulo amoroso fue causa de varios dolores de cabeza: los guionistas querían que Rick se quedara con Ilsa, pero la censura nunca lo aprobaría. Debían encontrar el modo de dejar claro que Ilsa amaba a Rick, pero aún así debía cumplir con el compromiso del matrimonio. Y eso les llevó a escribir muchas variaciones del final de la historia, hasta encontrar la que mejor se ajustara a lo que querían contar.

Originalmente, Renault decía: "You like war. I like women" ("A ti te gusta la guerra. A mí las mujeres"). Se cambió por "You enjoy war. I enjoy women" ("Tú disfrutas de la guerra, yo de las mujeres") para cumplir con el estándar de decencia de la época.

Algo que nadie se cuestiona son los permisos de tránsito que varios personajes mencionan. Éstos no existían en Vichy. Simplemente eran un elemento inventado por los autores, que permitía avanzar la historia. Joan Alison confesó que esperaba que alguien se lo echara en cara, pero nunca nadie lo hizo.


Cuenta la leyenda que William Wyler era la primera opción para dirigir Casablanca. Howard Hawks cuenta otra historia: él iba a dirigir Casablanca y Michael Curtiz dirigiría Sergeant York (1941); pero durante un almuerzo juntos coincidieron en que no estaban contentos con los proyectos, y decidieron intercambiarlos. 

Ilsa pudo ser Edwige Feuillère, Michèle Morgan, o Tamara Toumanova. Ingrid Bergman fue siempre la primera opción; pero tenía un contrato con David O. Selznick. Los encargados de convencerle en que cediera a la actriz a Warner fueron los hermanos Epstein. A cambio, Warner le cedió a Olivia de Havilland.

Bergman no era la única actriz cedida por otros estudios: Paul Henreid también fue cedido por Selznick (y sin quererlo: pensaba que el papel afectaría su carrera), Conrad Veidt fue cedido por la MGM y Dooley Wilson por la Paramount.

Rick Blaine pudo haber sido George Raft. El actor no estaba interesado, y Hal B. Wallis recurrió a uno de los actores de su estudio que consideraba perfecto para el papel: Humphrey Bogart. Pero Raft cambió de idea, y comunicó a Warner que aceptaba el papel. Warner le informó que ya se había elegido a Bogart, y que no había vuelta atrás. 

Era el tercer papel que Bogart obtenía después de que Raft rechazara una oferta. ¿Los otros dos? Roy Earle en High Sierra (Raoul Walsh, 1941) y Sam Spade en The Maltese Falcon (John Huston, 1941). La carrera de Bogart no habría sido lo mismo si Raft hubiera sido un poco más visionario, ¿no creéis?

Sam pudo haber sido una mujer. Se pensó en ofrecer el papel a Hazel Scott, Lena Horne y Ella Fitzgerald. Se buscaba a un actor extranjero para interpretar a Victor Lazlo, pero se consideró a Herbert Marshall, Dean Jagger y Joseph Cotten antes de dar con Paul Henreid.

Veidt, Henreid y Bergman no eran los únicos extranjeros en el set. De hecho, la minoría eran los tres americanos: Humphrey Bogart, Dooley Wilson y Joy Page. En total, según Warner, Casablanca contó con actores de 34 nacionalidades diferentes. Muchos de ellos, judíos que habían escapado de los nazis. Conrad Veidt también había tenido que abandonar Alemania: su esposa era judía, y su cabeza corría peligro por su simpatía hacia los judíos.

© Warner Bros.

Debido a los recortes durante la guerra, se reutilizaron varios sets para Casablanca. Por ejemplo, la estación en París es la de Now, Voyager (Irving Rapper, 1942), y las primeras escenas de la película fueron rodadas en un escenario construido para The Desert Song (Robert Florey, 1943). 

Uno de los pocos sets construidos para la película es el café de Rick, inspirado en el Hotel El Minzah de Tánger. Aún con los recortes, Casablanca se salió del presupuesto: costó unos 950.000 dólares, 100.000 más de lo planeado.

Los actores no tenían toda la información sobre las escenas que rodaban:

  • Bogart fue llamado al set para una escena en el café, en la que se le pidió que solamente asintiera. El actor no tenía ni idea de que su personaje estaba indicando a la banda del café que comenzara a tocar "La Marsellesa".
  • Ingrid Bergman no sabía con quién se quedaba su personaje. Tuvo que preguntar a Michael Curtiz a quién se suponía que Ilsa amaba. El director le dijo que actuara indecisa. No supo cómo terminaba su personaje hasta que le tocó interpretar la escena final.
La esposa de Bogart, Mayo Methot, estaba convencida de que él tenía un romance con Ingrid Bergman. En realidad, los actores apenas se dirigieron la palabra fuera del set. Ninguno de los dos estaba disfrutando del rodaje, y pensaban que sus diálogos eran ridículos y las situaciones poco creíbles. Ambos querían abandonar el set cuanto antes. Y nunca más volvieron a trabajar juntos.

Durante el rodaje, Bogart se entretuvo jugando al ajedrez por carta con un amigo. Su personaje también jugaba, y el tablero que sale en la película estaba colocado acorde a las posiciones de las piezas en el juego en ese momento.

© Warner Bros.

Dooley Wilson no sabía tocar el piano. En realidad era baterista. Su interpretación se consiguió grabando en directo al pianista Elliot Carpenter, quien estaba detrás de una cortina, posicionado de forma que Dooley pudiera verlo y copiar sus movimientos durante la escena.

"As Time Goes By" pudo no haber sido la canción de Rick e Ilsa: una vez terminado el rodaje, Max Steiner propuso cambiarla y componer una canción original para la pareja. Sin embargo, era imposible volver a rodar las escenas en las que sonaba la canción, porque Ingrid Bergman se había cortado el pelo y estaba rodando For Whom the Bell Tolls (Sam Wood, 1943).

Otro de los cambios propuestos posterior al rodaje fue el final: los aliados habían invadido Casablanca en noviembre de 1942, y se sugirió incorporar la invasión en la historia. Inicialmente, Jack Warner se negó a hacerlo; pero acabó cediendo. Se preparó todo para rodar una escena en la que se mencionaba la invasión y, justo antes de rodarla, David O. Selznick solicitó que la película se estrenara sin ningún cambio. Warner accedió a la solicitud, y canceló el rodaje.

El estudio se valió de dos estrategias para atraer al público a las salas: corrió el rumor de que que la película contaba con Ronald Reagan, Ann Sheridan y Dennis Morgan; y solicitó que los personajes con los que no simpatizaría la audiencia, y que no eran nazis, fueran italianos (país enemigo durante la guerra).

Debido al éxito de Casablanca, la idea de una secuela ha estado rondando Hollywood por mucho tiempo. La primera idea de secuela iba a llamarse Brazzaville. Ingrid Bergman no iba a participar por cuestiones de agenda, y se pensaba en Geraldine Fitzgerald para el papel de Ilsa. El proyecto se canceló. 

En los setenta se tanteó la posibilidad de una secuela dirigida por Truffaut, quien se negó a participar en el proyecto porque no quería meterse con una película de culto. La novela de Michael Walsh "As Time Goes By", publicada en 1998, es la secuela "oficial" de la historia. También existe una secuela "no oficial": la novela "Suspects" de David Thomson, publicada en 1985.

Se estrenaron dos precuelas para televisión (en 1955 y 1983), en varias oportunidades se adaptó la historia para radio, y se intentó -sin éxito- llevar Casablanca a Broadway como un musical en dos oportunidades (1951 y 1967). "Everybody Comes to Rick's" se estrenó en teatro en 1946, sin mucho éxito. 

¿Qué ocurriría si Casablanca se presentara como un proyecto en la actualidad? 


Durante los años ochenta se envió a varios estudios y productoras el guión con el título original. Si bien algunos lo reconocieron, otros respondieron que no era suficientemente bueno, que no tenía suficiente diálogo, y que tenía muy pocas referencias sexuales. 

Hace algunos años, Madonna presentó un proyecto para realizar una remake de la película, que se desarrollaba en Irak, y sería protagonizada por ella y Ashton Kutcher. La respuesta de los estudios fue aplastante: "Casablanca no se toca". 

Madonna abandonó la idea; pero nada nos asegura que, con la obsesión actual de Hollywood por reboots y remakes, la idea no vuelva a cruzarse por la cabeza de algún productor...

27 abr. 2015

Jack et la méchanique du coeur


La receta fue infalible:
  • Un chico con un reloj por corazón, y tres reglas que cumplir a rajatabla: no tocar las manecillas del reloj, no dejarse poseer por la ira y no enamorarse. 
  • Una chica un poco corta de vista, que saca las espinas cuando se siente en peligro. 
  • Una banda sonora maravillosa. 
  • Georges Méliès y sus trucos cinematográficos. 
  • Una pizca de stopmotion.
Et voilà! Jack et la méchanique du coeur me ha conquistado. Me he quedado tarareando las canciones, las imágenes flotan a mi alrededor como las chicas aladas de la película, y el mensaje de la historia me está haciendo pensar tanto que mi cabeza está a punto de ponerse a echar humo como el reloj de Jack.

Se ha hablado muy poco de Jack et la méchanique du coeur, a pesar de que se estrenó hace más de un año en el Festival de Berlín. Es una pena. Se trata de una película que tiene un mensaje muy interesante, y que está muy bien lograda.

Tratar de hablar de ella sin contarlo todo es muy difícil, y temo que contarlo arruine la experiencia. Me limitaré a recomendarla a todo aquél que quiera escucharme (o leerme), porque se lo merece. Y sólo diré que, como buena película francesa, además de haceros pensar os regalará una historia un poco diferente a las que acostumbramos a ver.

 

24 abr. 2015

The Snowman: el corto que pudo ser plagiado por Disney

Hace poco más de un año, el cortometraje que os traigo hoy salió a la luz porque Kelly Wilson, co-directora junto a Neil Wrischnik, presentó una demanda contra Disney por plagio. Según ella, el estudio había copiado el concepto de The Snowman para el teaser de Frozen.

El cortometraje había pasado por varios festivales un par de años antes del estreno de Frozen, por lo que los creadores de la película podrían haberlo visto perfectamente. Además, la directora afirma que lo había incluido en una aplicación de empleo para Pixar

Disney asegura que las similitudes son casualidad, y que cualquiera pudo llegar a producir una idea similar sin necesidad de plagio. Pero las autoridades norteamericanas no están de acuerdo, y el juicio seguirá adelante. Sea cual sea el resultado, os dejo el cortometraje y el teaser para que juzguéis vosotros mismos.




¿Cuál es vuestro veredicto?

22 abr. 2015

Las 11 reglas para un buen guión de Jeffrey Hirschberg

Formato de guion

En su libro "Reflections of the Shadow: Creating Memorable Heroes and Villains for Film and TV", Jeffrey Hirschberg (director y guionista) resume los 11 elementos que tienen en común los buenos guiones con los que se ha encontrado durante su carrera. He aquí una versión más corta de esa lista, que el autor publicó en Movie Outline y que he adaptado para compartir con vosotros.

1. Asume que el público tiene Trastorno de Déficit de Atención 

El público retiene poca información. Sea por factores externos o no, cada vez prestamos menos atención a las cosas, y se puede afirmar que la atención (o la falta de ella) está directamente relacionada con la habilidad de establecer una conexión emocional. Por ello, debemos establecer esa conexión rápidamente. Debemos enganchar desde el primer momento.

2. Dedica la mayoría de tu tiempo a las primeras diez páginas de tu guión

Gladiator (Ridley Scott, 2000) engancha inmediatamente, cuando nos presentan al héroe. Si comienzas con una escena llena de acción, atraes. Las diez primeras páginas de Pulp Fiction (Quentin Tarantino, 1994) contienen un robo a un restaurante y un diálogo fresco, imaginativo, de ritmo rápido y original. Si lees el comienzo de ese guión, seguramente querrás seguir leyendo.

Cuando termines las primeras diez páginas de tu guión, dáselas a amigos y familiares. Y pregúntales: "¿Quieres seguir leyendo?". Si responden que sí, vas por el camino correcto.

3. Escribe papeles atractivos para las estrellas de cine

Crea un héroe o villano memorable, y es muy posible que atraigas una estrella para tu guión. Los héroes y villanos únicos, inteligentes e intrigantes resultan magnéticos. Y los buenos actores querrán interpretarlos. También deberías ver películas cuyos protagonistas han ganado premios. Si escribes un papel interesante, atraerás talento.

4. Escribe de manera económica

Uno de los errores más comunes es escribir de más. Existen dos categorías para este error:
  • Abundantes acotaciones: No te explayes demasiado en las acotaciones (no más de cinco líneas). Deben ser tan entretenidas como la historia que estás contando, a la vez que informan sobre los personajes.
  • Diálogos obvios: Tienes que conseguir que el público piense un poco -no demasiado, no les frustres-, lo suficiente para meterse en la historia a nivel emocional.

5. Asegúrate de que cada personaje tiene voz propia

Para que tus personajes sean únicos y diferentes de los demás de la película, intenta:
  • Evitar estereotipos: No escribas personajes que resulten familiares y típicos. Ve contra los estereotipos, dales frescura.
  • Sorprende al público con peculiaridades y rasgos inusuales: es refrescante descubrir algo nuevo y diferente en los protagonistas, algo que lamentablemente ocurre muy pocas veces.
  • Crea a alguien que los actores quieran interpretar: crea roles que no sean los típicos que ofrecen a los actores, dales esos personajes que buscan (como una heroína fuerte, algo que pocas veces ofrecen a las actrices).
  • Transforma a tus personajes durante la historia: Toma a Rick Blaine (el protagonista de Casablanca [Michael Curtiz, 1942]) como ejemplo: al principio de la película asegura que no hará nada para salvar a alguien, pero al final hace justamente eso por Ilsa.
  • Ponle las cosas difíciles: Nos gusta ver a nuestros héroes luchar. Si no hay conflicto, si no cuesta conseguir alcanzar la meta, es aburrido.

6. Entiende al público

Cuando escribes un guión, debes considerar dos tipos de público: los lectores (agentes, managers, productores y ejecutivos de estudios que leerán tu guión para decidir si participarán en tu proyecto), y el grupo demográfico que consideras que estará más interesado en ver tu película.

Las comedias deben ser graciosas y las películas de terror deben dar miedo, no al revés (que es lo que muchas veces ocurre). Hay cuatro grupos demográficos: hombres menores de 25, hombres mayores de 25, mujeres menores de 25, y mujeres mayores de 25. Por ejemplo, Pixar triunfa porque consigue crear productos que atraen a los cuatro grupos por igual.

7. Aprende la estructura de los tres actos

Hollywood tiene su lenguaje, y la industria esperará que en tu guión:
  • Conozcamos al héroe sobre la página diez, sepamos qué quiere (su meta), y el género de la historia que estás contando.
  • Saber hacia dónde va la historia al final del primer acto (aproximadamente la página 25), incluidos los riesgos (¿qué ocurrirá si no alcanza su meta?), el villano (persona, sitio, o lo que sea que sea un obstáculo para alcanzar esa meta).
  • Los riesgos deben ser aún mayores sobre la mitad del segundo acto (aproximadamente la página 55). Puede ser un nuevo personaje, un nuevo obstáculo, o una transformación en el protagonista.
  • Tu protagonista debe estar metido en graves problemas para el final del segundo acto (sobre la página 90). Hasta ahora, tu protagonista debería haber estado avanzando con tranquilidad hacia su meta; pero las cosas deben haber cambiado. Tienes que conseguir que el público se pregunte: "¿Cómo saldrá de esta?".
  • Tu héroe tiene que haber diseñado un nuevo plan y haber logrado escaparse de los problemas del segundo acto en el tercer acto. Este es el gran final.

8. Sé consciente del tema, y consistente con él durante todo el guión

El tema no es el concepto principal (o el logline), sino algo más profundo. Por ejemplo, el tema de Die Hard (John McTiernan, 1988) no es un agente de policía luchando contra los terroristas, salvando a su esposa y a gente inocente. Se trata de un hombre tratando de reconectar con su esposa, descubriendo la importancia de la familia y el amor que siente por su esposa.


9. Mira una y otra vez películas exitosas que sean similares a tu historia

Hay un viejo dicho en Hollywood: "Quieren lo mismo, pero diferente". El riesgo en la industria es muy alto y por ello se tiende a elegir invertir en lo conocido, y en historias que atraigan audiencias globales.

10. Decide qué quiere tu héroe (la meta), qué ocurre si no lo consigue (los riesgos) y qué o quién es el obstáculo para conseguirlo (el villano)

Tienes que responder a esas preguntas para lograr una conexión emocional con el público. Por ejemplo:
  • Toy Story 2 (John Lasseter, 1999)- La meta de Buzz es evitar que envíen a Woody a un museo en Japón. El villano es Al, y el riesgo es no volver a ver a Woody.
  • Jaws (Steven Speilberg, 1975)- La meta de Martin Brody es matar al tiburón, el villano el tiburón, y el riesgo es que muera más gente.

11. Déjales con ganas de más

Esta regla es tan vieja como la industria, y sigue siendo relevante. Crea un final memorable, un clímax que sea satisfactorio para el público. Un buen final puede salvar a una película mediocre, pero un final mediocre puede arruinar una buena película.

Si tu clímax:
  • Es grandioso y gratificante
  • Revela un rasgo de carácter significativo de tu héroe o villano
  • Resuelve el problema establecido en el primer acto
  • Contiene suficiente sorpresa
  • Ocurre entre cinco y 20 minutos antes de que acabe la película
Lo has conseguido. Y si cumples con todo lo que indica esta lista, seguramente estás creando una historia que puede ser exitosa. ¡Que lo disfrutes!


20 abr. 2015

Relatos Salvajes


Después de ver Relatos Salvajes me he quedado sin palabras. Damián Szifrón me ha dejado anonadada. He pasado momentos incómodos, he sufrido, me he reído y me he quedado boquiabierta a partes iguales. 

Damián ha sabido mantener el nivel durante toda la película, con historias variadas. Y a cuál más loca. Mientras veía Relatos Salvajes pensaba "¿cómo voy a dormir esta noche después de ver esto?" y, sin embargo, no he terminado tan traumatizada. Simplemente me he quedado sin palabras.  

Creo que con el que peor lo pasé, fue con el relato protagonizado por Leonardo Sbaraglia. Pasé nervios, y no lograba descifrar cómo podría terminar su historia. Creo que en casi todos los relatos me llevé alguna sorpresa, y me metí tanto en todas las historias que pasé por una variedad bastante importante de estados anímicos.

Me ha gustado el guión, me ha gustado el trabajo actoral, y el uso de la cámara en determinados momentos me ha gustado muchísimo. Relatos Salvajes es exactamente lo que su título promete, y es un viaje bastante entretenido. Quizás no apta para sensibles, pero una muy buena película.

17 abr. 2015

Un pequeño jardín

Os invito a entrar a un mundo lleno de colores, texturas y sensaciones. Un universo que os puede confundir, y que invita a la interpretación. Es Pequeño Jardín (小さな庭園), de Shunsuke Saito. ¡Espero que os guste!


¡Buen fin de semana!

15 abr. 2015

Seven: 7 cosas que quizás no sabías y 7 cosas que quizás no habías notado


Hay algo fascinante en Seven. Recuerdo que cuando la vi por primera vez me atrapó desde los créditos iniciales, y desde entonces es una de mis películas favoritas. El estilo de David Fincher, los detalles, la fotografía, me gusta muchísimo. 

Tenía muchas ganas de escribir sobre ella. Y, ¿qué mejor forma de rendirle homenaje, que con siete detalles curiosos sobre la película y siete que pueden haberse escapado a primera vista?

Quizás no sabías que...

1. El número 7 no sólo aparece en el título:
  • Todas las numeraciones de los edificios que aparecen en la primera escena empiezan con 7.
  • La entrega final es a las 7 de la tarde.
  • A los 7 minutos de empezar la pelíucla, Mills recibe una llamada. Y los asesinatos comienzan.
  • 7 minutos antes del final de la película, Somerset anuncia a Mills "he will win" (John Doe ganará).
  • Brad Pitt recibió 7 millones de dólares por su trabajo.
2. El 7 no es el único número importante en la historia: 
  • Mills vive en el apartamento 5A. El quinto pecado capital es la Ira.
  • La Pereza es el tercer pecado capital. La víctima del asesinato que representa la Pereza es encontrada en un tercer piso.

3. David Cronenberg y Guillermo del Toro pudieron haber dirigido Seven. Ambos rechazaron la oferta.

4. Se ofrecieron papeles a Robert Duvall, Al Pacino (Somerset), Sylvester Stallone, Kevin Costner, Nicolas Cage, Denzel Washington (Mills), Val Kilmer, Michael Stipe (John Doe), y Christina Applegate (Tracey). Para poder fichar a Gwyneth Paltrow, Fincher pidió ayuda a Brad Pitt (por aquellos años, eran pareja).

5. Kevin Spacey firmó su contrato dos días antes de empezar a rodar. No quiso salir en los créditos iniciales por dos razones: para sorprender a la audiencia, y para evitar las apariciones y entrevistas previas al estreno.

6. El final de la película es el del primer borrador. Los productores exigían que se suavizara; pero David Fincher, Morgan Freeman y Brad Pitt amenazaron con abandonar el proyecto si no se mantenía el final original. Aún así, se realizó el storyboard de un final alternativo. El final original se rodó para realizar una prueba con público, y funcionó tan bien que no fue necesario rodar el final alternativo.

7. La razón por la que llueve durante casi toda la película no es estética, sino por continuidad; Brad Pitt debía rodar apurar sus escenas para terminar a tiempo de rodar 12 Monkeys (Terry Gilliam, 1995), y el primer día que se presentó en el set llovía. Para no retrasarle, se decidió rodar con lluvia.

http://www.cinemaismylife.com/2012/03/se7en-color-lines-and-shapes-as.html

¿Te has fijado?

  • La caja de la escena de la Pereza tiene escrito: "To the World, from Me"(Para el mundo, de mi parte).
  • En la escena en que Brad Pitt y Morgan Freeman visitan la oficina del fiscal, la cámara enfoca un periódico que anuncia el asesinato. El artículo de la portada está acompañado de otro más pequeño, que informa que una familia fue rehén de su cobaya durante tres días.
  • Si has buscado pistas de en qué ciudad se desarrolla la historia, te habrás fijado en que la chapa de la policía sólo dice "Metropolitan" (metropolitana).
  • El guionista Andrew Kevin Walker es el primer cadáver.
  • Justo antes de que Mills dispare a John Doe, aparece un fotograma de Tracy.
  • John Doe aparece por primera vez en la escena de la Pereza: es el fotógrafo. Puedes ver su cara en el momento en que Brad Pitt le quita la cámara.
  • En ningún momento vemos a John Doe matando.
¿Conocéis algún detalle o curiosidad interesante sobre la película? ¡Contadme en los comentarios!

13 abr. 2015

Cinderella


Le tengo mucho respeto a Kenneth Branagh como director, pero desde que vi el primer teaser de Cinderella sentí mucho miedo por la clase de película que acabaría siendo. Me pesa mucho decir que no me sorprende nada el resultado, y que me ha parecido tan soso como temía que acabaría siendo.

Inicialmente, tenía la ilusión de que, con un director como Branagh, iba a poder ver una película más "clásica". Por alguna razón, no me esperaba animales parlanchines, ni zapatillas mágicas. Y me encontré con una película que se asemeja mucho al original animado, sin las canciones. Me sentí un poco decepcionada.

Cinderella es una película entretenida, no lo voy a negar. Pasada la decepción, me entretuve observando cómo contaban una historia que me sé de memoria, y disfruté con el trabajo Cate Blanchett (lo mejor de la película). No me lo pasé mal, pero tampoco me fascinó.

Hay cosas que no me gustaron. Por ejemplo, los chistes. Me resultaron forzados, predecibles, y no me causaron gracia. Y ¿qué clase de dentadura me lleva Helena Bonham Carter? ¿Es que se negó a hacer de hada madrina si no llevaba prótesis o algo raro? 

Más de una vez, me descubrí levantando una ceja y murmurando por lo bajo; pero puede que eso se deba a que no entiendo la necesidad de rehacer clásicos de la animación y busco defectos a todo.


Cinderella ha sido entretenida, sí, pero floja. Hay detalles del cine de Branagh; pero me ha parecido una película que podría haber dirigido cualquier otro director. El producto parece embotellado, siguiendo unas líneas muy claras de producción, y con poco espacio para la creatividad. Bien contada, pero nada más.


10 abr. 2015

Taking Pictures

El animador Simon Taylor quería contar la típica historia de "chico conoce a chica"; pero no quería caer en clichés. Y para conseguirlo, se inspiró en un momento muy divertido que había vivido con su novia: ambos estaban esperando en una cola, y decidieron montar un "duelo de flashes" con sus cámaras. El resultado es Taking Pictures, un cortometraje sencillito que estoy segura de que os dibujará una sonrisa.


¡Buen fin de semana!

8 abr. 2015

Los tres consejos fundamentales de Akira Kurosawa


En 1993, Akira Kurosawa concedió una entrevista de dos horas a Nagisa Oshima. Durante la entrevista (Waga eiga jinsei), el director repasó su carrera y dio los siguientes tres consejos muy interesantes, que cualquier aspirante a cineasta debería tener en cuenta:

Escribe

El consejo más importante que daba Kurosawa a los aspirantes a director era: escribe guiones. Haciéndolo, aprenderás sobre estructura y otros elementos necesarios para entender el cine. Es un trabajo duro, pero si realmente quieres hacer cine, deberías empezar por escribir.

Termina lo que empieces

Escribir es una tarea tediosa, que lleva tiempo. Escribe dos o tres páginas al día, aún cuando sientas que no puedes avanzar. Tiene que convertirse en una rutina. No quieras llegar al final antes de tiempo, ni abandones cuando veas que es más duro de lo que esperabas: abandonar se convertirá en un hábito. Completa el guión como sea.

Lee

Si no tienes una base, no podrás construir nada. Kurosawa decía que la memoria es la fuente de la creación, y que no se puede crear algo de la nada. Debes tener algo que contar, sea consecuencia de la experiencia o de la lectura. Además, el director recomendaba leer una amplia variedad de temas diferentes, novelas actuales y clásicos.

Puede que los consejos de Kurosawa no os parezcan una novedad; pero justamente por ello creo que hay que tenerlos en cuenta. Y, sobre todo, grabarnos en la mente que, para hacer cine, es necesario tener algo que decir, mucha paciencia y trabajo duro. 

6 abr. 2015

Paradise


El debut de Diablo Cody como directora me intrigaba. Me encantan sus guiones, pero ¿qué tal lo haría detrás de la cámara? Y la verdad es que no lo ha hecho nada mal. Paradise no es una obra maestra, pero me ha resultado entretenida.

El guión es un típico guión de Diablo Cody: alusiones a la cultura pop, personajes atípicos, diálogos directos... Quizás me hubiera gustado saber más sobre los personajes de Russell Brand y Octavia Spencer. Me dio la sensación de que se quedaron cosas afuera, y que por eso el resultado ha sido un poco superficial. Pero ha sido entretenido, y bastante correcto.

No sé si Diablo repetirá como directora, dado que su debut no ha tenido éxito. Imagino que se limitará a seguir escribiendo (actualmente adapta la historia de la muñeca Barbie); pero algo me dice que volverá a intentarlo. Después de todo, Paradise no se aleja demasiado (en cuanto a estilo) de las películas que ha escrito y han dirigido otros con más experiencia.