31 dic. 2014

Resumen 2014

Otro año que se va, otro año dedicado a ver y disfrutar cuanta película pude. Como siempre, intenté ver cosas buenas y malas, ver cosas que normalmente no elegiría ver. Me quedé con una lista larguísima de películas pendientes, que espero continúe aumentando a medida que voy tachando títulos. 


Este es mi resumen del cine visto en 2014, y qué sensación tengo ahora que ha pasado algo de tiempo desde que vi cada película:

Lo positivo


Las decepciones


Si quieres pasar el rato


Me gusta hacer este balance y descubrir que la lista de películas que me dejan sensaciones positivas es más larga que la de decepciones. Debo reconocer que me duele mucho ver a mis ídolos entre las decepciones del año; pero eso me recuerda que hasta los más grandes se equivocan, y que ellos también necesitan seguir aprendiendo ;)

Feliz 2015 para todos y gracias por compartir conmigo esta bonita adicción.

29 dic. 2014

The disappearance of Eleanor Rigby: Them


Tenía muchísimas ganas de ver The disappearance of Eleanor Rigby. Tenía muchísimas ganas de ver brillar a James McAvoy y Jessica Chastain en un proyecto innovador. Aunque lo que se estrenaba en salas era el montaje de "Ellos" y no la idea original de una doble sesión contando la historia desde el punto de vista de cada uno, quise verla como ejercicio para compararla con los otros montajes.

Escribo esto sin haber podido ver aún los montajes de la doble sesión, y con la sensación de que el montaje de ambos se queda cortísimo frente a lo que seguramente sea ver ambas historias. ¿Por qué? Porque cuando obligas a recortar de esa forma no siempre se puede contar una historia en condiciones. Y temo que eso ocurra con The disappearace of Eleanor Rigby y que por ello apenas escuchásemos hablar de ella.

Esto no significa que no me gustara. Me ha gustado. Me ha parecido una historia muy bonita, con muchos detalles y muchos matices. Quizás el saber que esta no era la idea original me ha hecho pensar que habrá aún más detalles en las historias por separado, y por eso me he quedado con sabor a poco.

Me he pasado las dos horas intentando pensar cómo se verá esa misma historia desde esos dos puntos de vista, qué tomas provenían de cada montaje, cuáles iban en los dos... me he pasado toda la película pensando en cosas que ahora quiero comprobar. Y creo que no la he disfrutado tanto como lo habría hecho de poder verlas las tres (sí, me habría dado un maratón con ellas encantada).

Quiero poder ver la(s) película(s) como pretendían que la(s) viéramos quienes han desarrollado el proyecto, quiero verla(s) como ellos querían que la(s) viera. No quiero que les obliguemos a sintetizar y darnos algo más "fácil de ver".

Quiero que cada persona que va al cine vaya a ver la versión que le apetezca, que podamos elegir si ver uno, dos o los tres montajes. No quiero que me impongan ver el montaje "para todo público", porque ese es el que más opciones tiene de llenar una sala. Quiero que sea el director, y nadie más que él, el que decida cómo se contará una historia.

Puede que nunca lleguen a estrenarse -ni siquiera en VOD- esos dos montajes que tantas ganas tengo de ver. Puede que nos quedemos sin tener la posibilidad de ver la historia tal y como se pretendía. Puede que no tengamos la opción de elegir si queremos verla de una forma u otra. Y eso me da mucha rabia.

26 dic. 2014

Eager

¿Os apetece un cortometraje? Hoy os dejo el que muchos consideran el mejor corto de 2014: Eager, de Allison Schulnik.



¡Buen fin de semana!

24 dic. 2014

La familia Fonda: Peter

Hoy toca hablar del hermano menor de Jane FondaPeter

(via Fonda.org)

Peter Henry Fonda nació el 23 de febrero de 1940 en la ciudad de New York. Es hijo de Henry Fonda y Frances Ford Seymour. Estudió teatro en Omaha, Nebraska. Como su padre -y Marlon Brando-, formó parte de la compañía de la Omaha Community Playhouse.

Continuó su carrera en Broadway, y posteriormente probó suerte en Hollywood. Su debut fue Tammy and the Doctor (Harry Keller, 1963). El año siguiente rodó Lilith (Robert Rossen), The Victors (Karl Foreman) y The Young Lovers (Samuel Goldwyn Jr.).

No era el típico actor: llevaba el pelo largo y tenía una actitud rebelde, y por ello le costaba encontrar trabajo en Hollywood. Sus amigos eran músicos: se juntaba con los Beatles, los Byrds y Gram Parsons, y también se animó a grabar algunas canciones.

Su primer papel “contra-cultural” fue en The Wild Angels (Roger Corman, 1966), una película de clase B sobre los Hell's Angels. Lo continuó con The Trip (Roger Corman, 1967), una película que hablaba de la experiencia y las “consecuencias” de consumir LSD.

En 1968, Peter Fonda produjo, escribió y protagonizó la Easy Rider de Dennis Hopper, quizás el papel más significativo de su carrera. Fue nominado al Oscar por el guión. De esa nominación surgieron un par de proyectos: volvió a trabajar junto a Hopper en The Last Movie y dirigió y protagonizó The Hired Hand (1971).

En 1974 protagonizó Dirty Mary, Crazy Larry (John Hough) y Open Season (Peter Collinson). La primera fue un éxito de taquilla y se considera una película de culto, y la segunda fue un fracaso. Un año después trabajó en Race with the Devil (Jack Starrett).

En 1976 interpretó a un músico en Outlaw Blues (Richard T. Heffron), y probó suerte con la ciencia ficción en Futureworld (Richard T. Heffron), la secuela de Westworld. En 1979, dirigió y protagonizó junto a Brooke Shields Wanda Nevada, en la que también trabajó su padre.

Después de varios años sin mucho éxito, logró la aprobación de la crítica por su trabajo en Ulee's Gold (Victor Nunez) en 1997. Su trabajo en la película le dio una nominación al Oscar. En 1998 publicó su autobiografía, Don't Tell Dad. Su siguiente papel digno de mención es el de Terry Valentine en The Limey, de Steven Soderbergh (1999).

En el año 2000 recibió una Palm Star de Oro en el Paseo de la Fama de Palm Springs, California, y en 2002 entró al Salón de la Fama de las motocicletas americano. En 2004 puso voz a The Truth, un hippie del juego Grand Theft Auto: San Andreas.

En 2007 regresó al cine: interpretó a Byron McElroy en 3:10 to Yuma (James Mangold), a Damien Blade en Wild Hogs (Walt Becker), y a Mephistopheles,  uno de los villanos en Ghost Rider (Mark Steven Johnson). En 2009 volvió a interpretar a un villano: The Roman, en The Boondock Saints II: All Saints Day (Troy Duffy), la secuela de la genial Boondock Saints. También trabajó en la serie de televisión Californication.

En 2011, produjo junto a Tim Robbins The Big Fix (Joshua Tickell, Rebecca Harrell Tickell), un documental sobre el vertido de petróleo en el Golfo de México. Su carrera como actor aún continúa: tiene dos proyectos en post-producción, Borderland (Paul Street) y The Runner (Austin Stark), que se estrenarán en 2015.

22 dic. 2014

St. Vincent


He visto St. Vincent unas cuantas veces, aunque con diferentes protagonistas y circunstancias. La historia no es nueva, de hecho resulta extremadamente predecible. Pero eso no quita que sea una historia bonita y que emociona (sí, llevaros pañuelos a la sala, que es una de esas historias).

Bill Murray está tan maravilloso que sólo por él merece la pena verla. Apenas al empezar, justo en una escena en la que está bailando, no pude evitar decir: "este señor merece una nominación al Oscar por esta película". Aún no había visto prácticamente nada y ya me había conquistado. Y continuó haciéndolo durante el resto de la cinta. Por eso, después de haberla visto y esperarme a procesar lo visto, repito: Bill Murray se merece una nominación al Oscar por su trabajo en St. Vincent.

Otra cosa positiva de a película, al menos en mi caso, es que me gustó muchísimo Naomi Watts. Me suele costar bastante ver sus películas porque ella no termina de gustarme, y sin embargo en St. Vincent me hizo reír muchísimo y me encantó su interpretación (que, por cierto, preparó ¡viendo vídeos en YouTube!). Al menos ahora estaré más dispuesta a ver sus películas, especialmente cuando se trate de comedias.


Así que ya estáis avisados: St. Vincent no os contará nada nuevo, pero os lo pasaréis en grande con Bill Murray y Naomi Watts.


19 dic. 2014

Případ

Me ha encantado la animación de Případ, cortometraje de Martin Zivocky del año 2011, realizado mientras estudiaba en la Universidad Tomas Bata (República Checa). Así que lo comparto :)


¡Buen fin de semana!

17 dic. 2014

La familia Fonda: Jane

Seguimos avanzando en el árbol genealógico de los Fonda que han hecho cine. Hoy pasamos a la segunda generación, repasando la carrera de la hija de Henry Fonda: Jane Fonda




Lady Jayne Seymour Fonda nació el 21 de diciembre de 1937 en la ciudad de New York. Su padre era el actor Henry Fonda, y su madre una socialite canadiense llamada Frances Ford Seymour. Su nombre es un homenaje a la tercera esposa de Enrique VIII, Jane Seymour, antepasado de su madre.

A Jane le gustaba el escenario: con 15 años daba clases de danza en Fire Island Pines, New York. Era muy buena estudiante: cursó estudios en la universidad de Vassar y estudió arte en París durante dos años.

En 1954 interpretó su primer papel en teatro, junto a su padre, en una muestra benéfica de The Country Girl, en la Omaha Community Playhouse. A su regreso de París, en 1958, decidió intentar suerte en el Actor’s Studio. Lee Strasberg le dijo que tenía talento, y le descubrió su gusto por la actuación.

Su debut en cine fue en 1960, en Tall Story (Joshua Logan, 1960). Interpretaba a una animadora intentando conquistar a una estrella de baloncesto (Anthony Perkins). En 1962 obtuvo una nominación a los Golden Globes por su trabajo en Walk on the Wild Side (Edward Dmytryk).

El papel que la llevó al estrellato fue el de Cat Ballou (Elliot Silverstein, 1965), una comedia del oeste. Ese mismo año se casó con Roger Vadim. Después, llegaron Any Wednesday (Robert Ellis Miller, 1966), Barefoot in the Park (Gene Saks, 1967) y Barbarella (Roger Vadim, 1968).En 1968 llegó al mundo su hija Vanessa, quien recibió su nombre como homenaje a la actriz y activista Vanessa Redgrave.

Logró el aplauso de la crítica con They Shoot Horses, Don't They? (Sydney Pollack, 1969), y también su primera nominación a los Oscars. Tan bien se encontraba su carrera, que dicen que se dio el gusto de rechazar los papeles protagónicos en Rosemary’s Baby y Bonnie and Clyde.

Su primer Oscar llegó en 1971, gracias a su trabajo en Klute (Alan J. Pakula). Pero eso no significó que le llovieran papeles interesantes: no fue hasta 1977 que logró cosechar otro éxito en el cine. La actriz había hecho del activismo político su prioridad, y el cine había pasado a segundo plano.

En 1973, después de su divorcio de Roger Vadim, Jane se casó con el activista Tom Hayden. Ese mismo año nació su hijo, Troy O'Donovan Hayden (conocido como Troy Garity). En 1977 “regresó al cine” con la comedia Fun With Dick and Jane (Ted Kotcheff), producida por su propia compañía: IPC Films. Por ella ganó un BAFTA y un Golden Globe. Ese mismo año fue nominada al Oscar por su trabajo en Julia (Fred Zinnemann).

Entonces decidió que iba a combinar sus dos pasiones, y que aceptaría solamente papeles en películas que trataran sobre temas importantes. Ganó su segundo Oscar en 1978 por Coming Home (Hal Ashby), la historia de un veterano de la guerra de Vietnam. Sus siguientes trabajos fueron The China Syndrome (James Bridges, 1979), sobre un accidente en una planta nuclear, y The Electric Horseman (Sydney Pollack, 1979), donde volvió a trabajar junto a Robert Redford.

En 1980 llegó Nine to Five (Colin Higgins), junto a Lily Tomlin y Dolly Parton, un éxito tanto de taquilla como de crítica. Y cumplió su sueño de trabajar junto a su padre: compró los derechos de On Golden Pond (Mark Rydell, 1981), la última película en la que trabajó Henry Fonda (y la que le dio un Oscar).

En 1982 lanzó su primer vídeo de ejercicios, Jane Fonda’s Workout, el cual es hasta día de hoy un clásico de los vídeos de ejercicio y la cultura popular. En total, la actriz lanzó 23 vídeos de ejercicios durante su carrera, y vendió 17 millones de copias combinadas. Además de publicar cinco libros sobre ejercicios y trece programas de ejercicios en audio.

En 1986 volvió a ser nominada a un Oscar. La película: The Morning After (Sidney Lumet), protagonizada junto a Jeff Bridges. En 1990 se retiró del cine, después de protagonizar junto a Robert DeNiro Stanley and Iris (Martin Ritt). Poco después se casó con Ted Turner, de quien se divorció en 2001. Y en 1994, se convirtió en Embajadora de la ONU.

Su regreso al cine fue con la comedia Monster-in-Law (Robert Luketic), en 2005. Ese mismo año publicó su autobiografía, My Life So Far, en la que describe su vida en tres actos -cada uno de treinta años- y asegura que tercer acto será el más importante.

En 2007 se unió a Garry Marshall en Georgia Rule, y en 2009 volvió al teatro interpretando a Katherine Brandt en las 33 Variaciones de Moises Kaufman y resultó nominada a un Tony por su trabajo en la obra.

Ese mismo año comenzó a mantener blog donde comentaba su regreso al teatro, entre otros intereses, y se enganchó a internet: la actriz es usuaria activa de YouTube, Twitter y Facebook.

También en 2007, el Festival de Cannes le otorgó la Palm D’Or Honoraria, privilegio que comparte con Jeanne Moreau, Alain Resnais y Gerard Oury. En 2008 entró al Salón de la Fama de California. Y un año después conoció a su actual pareja, el productor musical Richard Perry.

En 2010 se le diagnosticó cáncer de mama, del cual hoy se ha recuperado. Ese mismo año lanzó dos nuevos vídeos de ejercicios -ahora DVDs-, pensados para un público más mayor (o, mejor dicho, el mismo público que había comprado sus vídeos en los ochenta).

En 2011 publicó el libro Prime Time: Love, health, sex, fitness, friendship, spirit—making the most of all of your life, en el que cuenta historias autobiográficas, y otras que le han contado, y da consejo sobre cómo vivir mejor a partir de los 45 años.

Y prácticamente no ha parado desde entonces, en cine y en televisión: tuvo un papel recurrente en la serie de HBO The Newsroom, ha participado en la serie Grace & Frankie, y en 2015 estrenará Fathers & Daughters (Gabriele Muccino) y La giovinezza (Paolo Sorrentino).

15 dic. 2014

Gone Girl


Creo que es bastante difícil ver Gone Girl y no quedarse con una sensación muy fea. No porque la película sea mala, sino porque la historia que cuenta da muy mal rollo. Y esa es justamente la intención de David Fincher.

Sabía muy poco sobre el libro, algo que encontré positivo porque cuando empecé a ver la película no esperaba nada más que el misterio de la esposa perdida. Me tomó por sorpresa sospechar tan pronto la resolución del misterio, y me encontré reflexionando sobre muchísimas cosas cerca del final. 

Gone Girl despista completamente acerca de la historia que va a contar, hace pensar y acompaña perfectamente algo que había leído sobre Gillian Flynn (la escritora de la novela y guionista de la película): cuando comenzó a escribir ambos personajes le caían bien, pero a medida que avanzaba en la historia se dio cuenta que realmente no eran tan buenos como pensaba. Al final, aunque haya "un malo", el "bueno" tampoco es tan bueno.

Algo que esperaba con muchas ganas era la banda sonora, pero resultó que me metí tanto en la historia que al final apenas le presté atención. No ocurrió lo mismo con el trabajo de cámaras, algo que me flipa del cine de Fincher y que no me decepcionó. 

Me gustó mucho Rosamund Pike, y también me gustó Neil Patrick Harris. Ben Affleck me resultó un poco soso, pero quizás era la intención de Fincher: que no termináramos de leer a su personaje y que no conectáramos con él. Al final, no pude sentir pena cuando pensaba que debía, ni por Nick ni por Amy Dunne.

Las más de dos horas que se ha tomado Fincher para contarnos la historia no se me hicieron largas, y el resultado me gustó. Gone Girl es una película que cumple, con el estilo característico de David Fincher. Lo único que me faltó fue algo que realmente me fascinara, que me dejara de boca abierta como lo han hecho otras películas del director. Pero, aunque me fallara eso, Gone Girl me ha gustado.

12 dic. 2014

Home Sweet Home

Hay algo en esta historia sobre casitas viajeras que me ha llegado, y por eso he elegido compartir hoy Home Sweet Home. Se trata de un cortometraje realizado por Pierre Clenet, Alejandro Diaz, Romain Mazevet y Stéphane Paccolat. Un corto que, como podéis ver, ha sido proyectado en varios festivales y ya tiene algún que otro premio.

 

¡Buen fin de semana!

10 dic. 2014

La familia Fonda: Henry

El apellido Fonda nació de inmigrantes procedentes de Génova (Italia) que se asentaron en los Países Bajos durante el siglo XV. Algunos miembros de esa familia formaron parte de los primeros en emigrar a lo que hoy se conoce como New York (Estados Unidos) en 1642, y fueron los que le dieron el nombre al pueblo de Fonda, en el estado de New York. 

A finales del 1800, la mayoría de los descendientes de la familia, que habían continuado la costumbre de emigrar, residían en el estado de Nebraska. Allí es donde nació Henry Fonda, el primero de la familia en conocer el estrellato en Hollywood. 

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Henry nació el 16 de mayo de 1905, en Grand Island (Nebraska). Sus padres eran William Brace Fonda, un trabajador dedicado a la publicidad y la imprenta, y Elma Herberta Jaynes.

Henry no soñaba con ser actor: quería ser periodista y, mientras lo conseguía ayudaba a su padre en la imprenta. Su hobby era dibujar. A los 20 años debutó como actor en la Omaha Community Playhouse, después de que Dodie Brando -la madre de Marlon Brando- le convenciera de probar conseguir un papel. La obra era You and I, y Henry interpretaba a Ricky.

El escenario le gustó, al igual que todo lo relacionado con el teatro. Su afición continuó, y cuando obtuvo el papel principal en Merton of the Movies descubrió que podía dedicarse a ello completamente. Fue entonces que decidió abandonar su trabajo y probar suerte con la actuación.

Se mudó a Cape Cod, donde obtuvo un papel en la Cape Playhouse; y de allí a Falmouth, donde se unió a la compañía University Players. Después, decidió probar suerte en New York junto a un colega de la compañía: James Stewart. Ambos compartieron piso y trabajaron en Broadway durante los años de la Gran Depresión.

Henry Fonda obtuvo su primer papel en Hollywood en 1935: el protagónico junto a Janet Gaynor en The Farmer Takes a Wife (papel que también interpretó en Broadway). Su colega Stewart pronto se unió a él en Los Angeles. Allí también compartieron piso, y fueron vecinos de Greta Garbo.

La crítica adoraba a Fonda, quien continuó con papeles protagónicos en I Dream Too Much (1935), The Trail of the Lonesome Pine (1936) -la primera película en Technicolor rodada en exteriores-, The Moon’s Our Home, You Only Live Once (1937), Jezebel (1938), Young Mr Lincoln (1939), Jesse James (1939) y Drums Along the Mohawk (1939). A finales de los años treinta ya había trabajado junto a Bette Davis, y bajo las órdenes de Fritz Lang y John Ford.

El éxito con la crítica le consiguió el papel de Tom en The Grapes of Wrath (1940) y un contrato por siete años con la Twentieth Century-Fox. Y el papel de Tom, una nominación al Oscar. Su carrera continuó con papeles protagónicos en The Return of Frank James (1940) junto a Gene Tierney, Preston Sturges' The Lady Eve (1941) y Rings on Her Fingers (1942) junto a Barbara Stanwyck.

Durante la Segunda Guerra Mundial, se tomó un descanso de la actuación para unirse al ejército americano. Después de la guerra, decidió continuar su sabático y disfrutar de las fiestas de Hollywood. 

En 1946 regresó al cine interpretando a Wyatt Earp en My Darling Clementine (1946), nuevamente bajo las órdenes de John Ford. Una vez completó su contrato con la Fox, decidió retornar a Broadway. En 1948 ganó un Tony por su interpretación en Mister Roberts.

En 1955 volvió al cine reinterpretando su papel de Mister Roberts junto a James Cagney y Jack Lemmon. Durante el rodaje de la película tuvo un encontronazo con John Ford, y juró no volver a trabajar para él. La pelea con Ford no afectó su carrera: en 1956 rodó War and Peace junto a Audrey Hepburn, y The Wrong Man bajo las órdenes de Alfred Hitchcock

En 1957 produjo y protagonizó 12 Angry Men, dirigida por Sidney Lumet. La película obtuvo nominaciones al Oscar y los Golden Globes, y le valió un BAFTA al Mejor Actor. La película fue un desastre económico a pesar de los premios, y Fonda prometió no volver a producir por miedo a que afectara su carrera. No cumplió con su promesa: en 1959 produjo la serie para televisión The Deputy, la que también protagonizó.

Su carrera en los años sesenta se centró, mayoritariamente, en películas de guerra y westerns: The Longest Day (1962), How the West Was Won (1962), Fail-Safe (1964), In Harm’s Way (1965), Battle of the Bulge (1965), entre otras.

Durante los setenta, Fonda continuó trabajando en teatro, cine y televisión. En 1973 obtuvo una nominación a los Emmy por la serie de tv The Red Pony, y en 1974 una nominación a los Tony por su papel en Clarence Darrow.

En 1974 tuvo un colapso durante una presentación en Broadway, y poco después fue diagnosticado cáncer de próstata. En 1975 regresó a Broadway y continuó trabajando hasta 1978, cuando por consejo de sus médicos decidió retirarse del teatro. 

Para finales de los setenta, la carrera de Fonda dio un giro: se dedicó al cine catástrofe. Pero no era el único que buscaba suerte en el género: compartió cartel con una joven Helen Hunt, Olivia de Havilland, Sean Connery, Natalie Wood, Ava Gardner y Brooke Shields.

Cada vez se tomaba descansos más largos entre películas por motivos de salud.  Los críticos tomaron nota de que era hora de reconocer su carrera: en 1979 entró en el Salón de la Fama del Teatro americano.

Pero Fonda no pensaba en retirarse. En los ochenta se dedicó mayoritariamente a la televisión; pero también obtuvo un Oscar y un Golden Globe por su trabajo en On Golden Pond (1981). No pudo recogerlos por motivos de salud. Su último rol fue en televisión: Summer Solstice (1981), un drama rodado poco después de On Golden Pond.

Henry Fonda murió el 12 de agosto de 1982. No tuvo funeral, porque así lo quiso. Se había casado cinco veces, y tuvo tres hijos. Con su tercera esposa, Frances, tuvo a Jane y Peter, quienes también se dedicaron al cine con éxito. De ellos, y de los demás miembros de la familia que se dedicaron al cine, os hablaré en las próximas semanas.

8 dic. 2014

Magic in the Moonlight


Después de los últimos altibajos de Woody Allen ya no sabía qué esperar con Magic in the Moonlight. Las críticas no la habían puesto tan bien como esperaba, y la verdad es que tenía miedo de lo que podía llegar a encontrarme. Sin embargo, no me pareció una película mala.

Magic in the Moonlight resulta un poco floja comparada con Blue Jasmine o Midnight in Paris; pero no es de lo peor que he visto hacer al viejo Woody. Me resultó entretenida, me reí. Es verdad que la historia tiene una resolución un poco floja, pero confieso que no me la esperaba. Estuve todo el tiempo intentando dar con el secreto de Emma Stone, y por alguna extraña razón no me esperaba que fuera tan simple. Y sí, el final edulcorado no terminó de gustarme.

Lo que más me ha gustado de Magic in the Moonlight -además de lo bonito que es el sur de Francia- han sido los diálogos que intercambian Emma y Colin Firth. Ambos me encantan, y me han arrancado unas cuantas risas. Pero no es muy difícil que ambos me hagan reír, y sus personajes no se alejan mucho de la idea que tengo de los dos: Emma con sus caretos, su forma de hablar; y Colin, ese eterno caballero inglés acartonado.

Como siempre, me ha gustado muchísimo lo que ya estoy acostumbrada a ver en el cine de Woody: la fotografía de las últimas películas me gusta mucho, la música siempre me gusta (creo que me he aficionado al jazz de tanto ver su cine), las secuencias coreografiadas... Magic in the Moonlight es bastante entretenida. No es el mejor Woody Allen, pero me lo he pasado bien viéndola.


Empiezo a creer que esto de estrenar una película al año se está haciendo pesado para Woody, y que a veces le cuesta un poco encontrar la forma de contarnos las mismas historias de siempre. Pero me alegra que, al menos esta vez, y al menos en mi caso, no me llevara una gran decepción al ver su nueva película. A ver con qué nos sorprende el próximo año.

5 dic. 2014

Sangre de Unicornio

Lo que os traigo hoy es un cortometraje de Alberto Vázquez que ha sido seleccionado para varias competiciones y preseleccionado para los Goya 2015: Sangre de Unicornio. La historia de estos dos ositos cazando unicornios me ha sorprendido, y la animación me ha encantado.


¡Buen fin de semana!

3 dic. 2014

13 datos curiosos sobre 2001: A Space Odyssey


Regreso a las listas de curiosidades, hoy con un clásico de Stanley Kubrick: 2001: A Space Odyssey.
  1. La idea original para 2001: A Space Odyssey era una serie de segmentos en los que se exploraban varios planetas -y sus lunas-, y terminaba con el descubrimiento del monolito en la  -nuestra- luna. La llamaron (en broma): “How the Solar System was Won”.
  2. Uno de los borradores del guión tenía narración.
  3. Los paisajes africanos de las escenas iniciales son fotografías.
  4. Los primeros humanos acabaron siendo más simios que humanos por culpa del sistema de calificación: si Kubrick les mostraba desnudos, la película iba a recibir la calificación X.
  5. HAL iba a ser un robot, pero pensaron que pronto sería una tecnología obsoleta. Una vez se decidieron por el ojo que todo lo ve, pensaron en hacerlo mujer y llamarla Athena.
  6. La hija del Dr. Floyd es Vivian Kubrick, hija del director.
  7. La banda Pink Floyd recibió una oferta para crear la banda sonora. No pudieron aceptar porque tenían otros compromisos.
  8. 2001 iba a terminar como el cuento en el que está basada (The Sentinel, de Artur C. Clarke): descubriendo el tercer monolito en una luna de Saturno. Pero, debido a que el equipo de efectos especiales no lograba anillos convincentes, se cambió de idea. 
  9. Se tardaron 12 horas en colocar el maquillaje de anciano a Keir Dullea.
  10. La película tiene un total de 88 minutos sin diálogos, de los cuales 25 son al comienzo y 23 al final (sin contar los créditos).
  11. Kubrick organizó un preestreno para críticos, y se arrepintió: todas las críticas fueron negativas.
  12. 241 personas abandonaron la sala durante la première.
  13. Kubrick eliminó 19 minutos de los 158 originales después de la première, de modo de que 2001 tuviera un ritmo más rápido.
¿Conocéis algún dato curioso más? ¡Espero leerlo en los comentarios!

Para terminar, os dejo un documental sobre la producción de la película (en inglés):

1 dic. 2014

Gimme Shelter


Para que se tome en serio a un actor, éste suele escoger papeles duros, dramáticos. Esa es la receta que sigue Vanessa Hudgens con Gimme Shelter. Y, para mi sorpresa, el resultado es bastante mejor de lo que imaginé (realmente no le tenía mucha fe a la chica).

A pesar de basarse en hechos reales, la historia me resulta un poco irreal: la hija de una prostituta adicta escapa de su madre y decide pedir refugio a su padre, que ahora trabaja en Wall Street y vive en un palacete. Pero, claro, la mujer de su padre no la quiere. Y el hecho de que este embarazada no ayuda.

La vida de su personaje no ha sido nada fácil: ha pasado por varios refugios, han abusado de ella... Vamos, el paquete completo. Pero, no temáis: ya sabéis cómo terminan estas historias en el cine (no cuenta como spoiler, ¿verdad?).

Posiblemente lo mejor de la película sea Rosario Dawson. En las pocas escenas que aparece, mete miedo y deja su huella. Vanessa Hudgens cumple con su papel aunque, debido a lo predecible de la historia y el papel que interpreta, no terminó de convencerme.

El resultado me ha recordado a una tv movie: pasteloso, irreal, predecible. Sé que es difícil resumir en poco menos de dos horas una historia con tantos detalles, pero quizás me habría gustado que no diera un giro tan radical de una escena a la siguiente, que fuera más realista a la hora de narrar el embarazo y parto de una adolescente.

Al final uno se queda con la idea de que su padre no tenía interés en ella. Que sólo aparezca en determinados momentos y de repente sea el padre del año… pues no me lo creo. Creo que se ha intentado resumir demasiado y se han quedado detalles que podrían haber resultado interesantes por el camino.

Después de ver Gimme Shelter entiendo por qué no ha sonado, y no me sorprenderá cuando llegue una tarde de domingo en la que me la encuentre por casualidad en tv.