29 sept. 2014

El último adiós de Bette Davis


Os conté lo ansiosa que estaba por ver El último adiós de Bette Davis. Tenía ganas de saber más sobre ella, sobre su estadía en San Sebastián en 1989. Pensaba en la cantidad de detalles interesantes que iba a descubrir. Y pensaba que, de alguna manera, la conocería un poco más. No estaba equivocada.

El último adiós de Bette Davis nos cuenta sobre los días anteriores -y posteriores- a su última aparición pública. Y tiene mucho que contar. Es interesante escuchar a la gente que compartió con ella esos días, las personas que la conocieron fuera de un set, o que simplemente tuvieron la experiencia de intercambiar unas palabras con ella y descubrir que era mucho más que una diva.

Creo que el documental de Pedro González Bermúdez es un bonito homenaje a Bette Davis: nos la muestra como la diva que era, pero también nos muestra su lado humano. Es curioso cómo nos sorprendemos de que fuera una persona atenta, agradecida. Pero lo era. Y también era una perfeccionista, que exigía lo mejor de todos (inclusive ella misma). 

El documental reconstruye tan bien esos días que uno siente que estuvo allí, que compartió con Bette Davis esos días en San Sebastián. La memoria de todas esas personas se convierte un poco en la nuestra, y uno sale de la sala con una mezcla de emociones que sólo podría definir como "nostalgia".



El canal TCM organiza una proyección de El último adiós de Bette Davis el jueves 2 de octubre, a las 20:30, en la Cineteca de Matadero (Madrid). Espero que podáis ir a verla y disfrutar de unos minutos inolvidables con Miss Davis

26 sept. 2014

Aspirational

No es la primera vez que comparto un corto de Matthew Frost. Hace poco compartí Scripted Content, el corto que dirigió para Vogue con Jessica Chastain como protagonista. Esta vez, la protagonista es Kirsten Dunst, y el tema no es muy diferente al de Scripted Content: si en el primero miraba con humor a la situación de encontrarte con un famoso, en el segundo lo hace un poco en modo de crítica a la actitud que tenemos de fardar al respecto. 

Aspirational me ha gustado, porque en dos minutos nos habla de cómo nos preocupa más obtener likes y comentarios que disfrutar de las cosas, o simplemente ser amables con el otro. ¿Es más importante mostrarle al mundo a quién me he encontrado que establecer una conversación? ¿No podemos detenernos un minuto a aprovechar la oportunidad de hablar con una persona que admiramos o cuyo trabajo nos gusta? Da para pensar.


Buen fin de semana

24 sept. 2014

11 consejos de John August para escribir una escena

En 2007, el guionista John August (Charlie's Angels I y II. Big Fish, Charlie and the Chocolate Factory, Corpse Bride, Dark Shadows y Frankenweenie, entre otras) redactó 11 consejos para escribir una escena. El original puede descargarse aquí, y esta es mi traducción.


1. Pregúntate: ¿Qué debe ocurrir en esta escena?

Muchos libros te recomendarán que te centres en lo que los personajes quieren. No debería ser así. Los personajes no son responsables de lo que ocurra en la historia, tú lo eres. Si permitiéramos que los personajes controlaran sus escenas, muchos elegirían evitar el conflicto, y las películas resultarían aburridas. La pregunta no es "¿Qué podría pasar?" o "¿Qué debería pasar?", sino "¿Qué necesitamos que ocurra?". Si has escrito un esquema, es hora de echarle un vistazo.

2. Pregúntate: ¿Qué ocurriría si esta escena se omitiera?

Imagina que esta escena fuera omitida accidentalmente del corte final. ¿Tendría sentido la película? Si la respuesta es sí, entonces no necesitas esta escena; y no deberías perder tiempo escribiéndola. "Pero es tan dramática", dices. "Pero, ¡es tan divertida!". Vuelca ese drama o esa comedia en las escenas que son cruciales para la película. Después de unas cuantas películas aprendes que lo que puede ser cortado lo será, y tu mejor material empieza a ir en las escenas que seguro estarán en el corte final.

3. Pregúntate: ¿Quién debe estar en esta escena?

Los guiones suelen tener demasiados personajes que no deberían estar allí. Pero como las palabras no ocupan espacio, es fácil olvidar que "Haversmith" no ha dicho ni hecho nada por cinco páginas. Si no está haciendo nada, deshazte de él.

4. Pregútate: ¿Dónde debería ocurrir esta escena?

El escenario más obvio suele ser el menos interesante, así que no te apresures en localizar esta escena. Piensa en lo que podrían estar haciendo los personajes, aunque no esté relacionado directamente con lo importante de la escena. Una escena de padre e hijo, aunque tenga el mismo diálogo, no será igual si está localizada en un matadero que si lo está en un torneo de bolos.

5. Pregúntate: ¿Qué es lo más sorprendente que puede ocurrir en esta escena?

Permítete separarte de tu esquema y considerar las posibilidades más alocadas. ¿Qué ocurriría si un coche se estrellara contra la pared? ¿Y si tu héroe se ahogara y muriera? ¿Y si un niño vomitara un dedo? Muchas de las escenas no tendrán este tipo de elementos sorpresa; pero tu película necesita algunos momentos inesperados. Deberías preguntarte siempre si esta escena es una de las que los tienen. 

6. Pregúntate: ¿Es una escena larga o corta?

No hay nada peor que escribir una mega-escena de tres páginas y descubrir que podrías haber conseguido lo mismo en dos octavos de página. Así que será mejor que te cuestiones cuánto tiempo en pantalla quieres que tenga esta escena.

7. Piensa en tres formas diferentes para empezar

A partir de cómo terminaste la escena anterior, suele haber una imagen o línea de diálogo perfecta para comenzar la escena. Pero no te quedes con la primera opción: piensa en al menos tres formas de empezar. 

8. Hazte una película mental

Al menos 50% de la tarea de escribir un guión es sentarte con los ojos cerrados, imaginando la escena en bucle. Las primeras veces serán un borrador, un ensayo; pero eventualmente empezarás a escuchar a los personajes hablando entre ellos, y los movimientos vagos se convertirán en acciones. 

Este proceso es crucial. No te apresures. Deja que la escena se anime. Murmura el diálogo. Métete lo más que puedas en ese instante. 

9. Escribe un borrador.

Este borrador será tu hoja de consulta, un recordatorio de la escena que has visto mentalmente. No escribas frases, ni diálogos completos. No debería llevarte más de cinco minutos. Anota lo mínimo que necesites para recordar la escena durante la próxima hora, que será cuando la escribas.

Generalmente escribo a mano, en lo primero que encuentro; pero puedes usar un procesador de texto. Un ejemplo:

DUNCAN esperando al borde del asiento
ITO Era uno de los doctores que trabajó con tu esposa
accidente
heridas severas, equipo de trauma, lo siento, no pude salvarla (se sienta, reflexiona) 
naturaleza de las heridas, preocupación por el feto ¿sobrevivirá?, el paramédico salva al niño 
(asiente, no escucha) 
la enfermera puede llevarte a verlo, mucho que asumir 
¿qué?
mucho que asumir
¿llevarme a verlo? ¿a quién?/ Tu hijo/ Mi esposa no estaba embarazada

No tendrá sentido para nadie más que para mí. Pero el objetivo del borrador es que no te pierdas o te confundas al escribir la escena completa. Sí, ha llegado la hora...

10. Escribe la escena completa

No trabajes sobre el borrador, extendiéndolo. Empieza de cero. El borrador es basura, y la basura reescrita sigue siendo basura. Ese borrador es sólo la base de la escena. Puedes permitirte desviarte del borrador si se te ocurre una idea mejor; pero si te has tomado suficiente tiempo para imaginarla, lo más posible es que ya estés en el buen camino. 

Dependiendo de la naturaleza de la escena, el diálogo puede ser lo que te lleve más trabajo. Aún así, preocúpate por elegir las mejores palabras para describir los personajes, la acción y el tono, de modo que los lectores imaginen la misma escena.

11. Repite

La mayoría de las películas tiene aproximadamente 200 escenas, así que tendrás muchas oportunidades para practicar estos pasos.

22 sept. 2014

God Help the Girl


Desde que leí sobre el proyecto de Stuart Murdoch tenía muchísimas ganas de ver el resultado. Esperaba un largo videoclip con las canciones del disco que daba nombre a God Help the Girl, y no estaba equivocada: obtuve exactamente lo que esperaba. Aunque reconozco que me quedé con sabor a poco.

God Help the Girl es una historia simpática sobre un verano en Escocia. Y, aunque el título hable de una chica como la protagonista, aunque la película tenga a Emily Browning como la estrella, la protagonista es la música. La historia se enfoca en Eve, pero en realidad la vemos como la vive James (Olly Alexander). Y ahí es donde me he quedado un poco perdida: no sé mucho sobre James.

Entiendo que James se centre en contarnos todo sobre Eve, pero me he quedado con ganas de conocerlo a él. Y de saber más sobre Cassie (Hannah Murray). Apenas tenemos pinceladas sobre ellos. De hecho, apenas pasamos por encima de todo lo que ocurrió aquel verano. Un verano lleno de música y muy bonito, pero un verano del que me quedé con la idea de que supe poco.

Confieso que me he quedado un poco decepcionada con la historia, pero porque esperaba un poco más de ella. Sin embargo, creo que Murdoch no decepciona: la película es bonita, es divertida. Es un videoclip de dos horas. Ni más ni menos que eso. Un videoclip que entretiene y contagia las ganas de cantar y bailar.

Con el paso de los días me he descubierto con ganas de volver a verla. Muchísimas. Y eso me sorprende, porque después de verla me había quedado con la sensación de que no me había terminado de gustar. Sigo pensando en Eve, James y Cassie; y sigo con ganas de volver a pasar unas horas junto a ellos. Sigo tarareando las canciones, repasando mentalmente los escenarios y las coreografías.

Quizás son las ganas de conocerlos mejor, quizás es que en realidad God Help the Girl me ha gustado más de lo que pensaba. No lo sé. Lo único que sé es que tengo muchas ganas de volver a Glasgow con esos tres, y sospecho que no esperaré mucho para hacerlo.

19 sept. 2014

Fol’Amor

¡Lo que me he reído viendo Fol'Amor! Se trata de un cortometraje de animación de Augustin Clermont, Gilles Cortella, Marthe Delaporte, Clement De Ruyter, Maïlys Garcia, Gaspard Sumeire y Pierre Rütz, en el que un caballero intenta impresionar a una dama. Tan simple como eso, pero ¡tan gracioso!


Espero que os haya gustado. ¡Buen fin de semana!

17 sept. 2014

Diez cosas que quizás no sabías sobre Back to the Future

Tenía pendiente escribir sobre Back to the Future (Robert Zemeckis, 1985) desde hace mucho tiempo. Al fin he encontrado la oportunidad de hacerlo, con diez datos curiosos que espero que os sorprendan.


  1. Cuando Bob Gale se encontró un anuario del instituto de su padre, se preguntó si podrían haber sido amigos de haberle conocido cuando adolescente. Y pensó: “si pudiera viajar en el tiempo, comprobaría si podríamos haber sido amigos”. Y esa fue la chispa que inspiró Back to the Future.
  2. Robert Zemeckis ofreció la idea a Disney. La razón que dio Disney para rechazar el proyecto era que la idea de que la madre se enamorara del hijo era demasiado arriesgada. Pero fueron los únicos que consideraron la historia como arriesgada: el resto de estudios a los que se ofreció la idea la consideraron demasiado naïve comparada con las comedias adolescentes que se estrenaban en la época.
  3. El guión fue rechazado 40 veces. Sid Sheinberg no estaba contento con el título: decía que nadie iría a ver una película con la palabra “futuro” en el título. Solicitó que se cambiara a Spaceman from Pluto (Hombre Espacial de Plutón), y la línea “I’m Darth Vader from planet Vulcan” (Soy Darth Vader, del planeta Vulcano) a “I am a spaceman from Pluto!” (Soy un hombre espacial de Plutón). Spielberg se limitó a contestarle que era una broma buenísima y que a todos les había hecho mucha gracia. 
  4. Michael J. Fox fue la primera elección para el papel de Marty, pero no estaba disponible (conflicto de agenda, dado que grababa para tv Family Ties). El elegido para reemplazarlo fue Eric Stoltz. Rodaron cuatro semanas, y estuvieron de acuerdo en que Stoltz no era el indicado (podéis ver un poco de lo que se rodó aquí). Michael J. Fox volvió al proyecto, pero con un horario especial: rodaba por la noche, justo después de terminar de grabar la serie; dormía unas 5 horas por noche, y las escenas de día se rodaban los fines de semana. Las cuatro semanas de rodaje “perdidas” costaron 3 millones a la producción.
  5. Johnny Depp hizo una prueba para el rol de Marty, pero fue poco memorable. ¿Imagináis a Johnny con las zapas de Marty? Ralph Maccio también consideró el papel, pero lo rechazó porque pensaba que la película iba sobre “un chico, un coche, y píldoras de plutonio”.
  6. Christopher Lloyd rechazó el papel de Doc Brown, pero cambió de opinión cuando su mujer le convenció de que sería un buen papel. Al final, tuvo que improvisar algunas de sus líneas.
  7. Crispin Glover perdió la voz durante el rodaje, y tuvo que doblarse posteriormente.
  8. La máquina del tiempo no siempre fue un DeLorean. En el primer borrador del guión iba a ser un instrumento láser unido a un refrigerador y sometido a una prueba de bomba atómica. Lo cambiaron por miedo a que los niños empezaran a experimentar con los refris en casa. En el tercer borrador ya era un DeLorean, pero para viajar en el tiempo era necesario conducir hacia una prueba de la bomba atómica. Lo más curioso: se deshicieron de la idea de la bomba atómica para reducir costes. La elección de un DeLorean se debía a que el diseño podía pasar por una nave espacial en 1955.
  9. La película sólo tiene 32 tomas de efectos especiales.
  10. En la primera proyección de prueba con público faltaban detalles: no estaban completos los efectos del vuelo del DeLorean, y los últimos minutos de la película estaban en blanco y negro. ¿Afectó la opinión del público? Todo lo contrario: estaban encantados con la escena final.
Para terminar, algunas tomas falsas del rodaje:



15 sept. 2014

Vivir es fácil con los ojos cerrados



Con la excusa de contarnos la historia de aquél profesor de inglés que enseñaba el idioma con canciones de los Beatles, David Trueba nos contó muchísimo más. La visita de John Lennon a Almería es sólo el pretexto para contarnos sobre lo que era España en los sesenta, sobre la juventud en aquellos años, sobre la diferencia de mentalidades y, especialmente, decirnos que no hay que rendirse aunque las cosas no sean como esperamos.

El Antonio de Javier Cámara es un personaje adorable, quizás un poco ingenuo. Es uno de esos personajes que a veces nos encontramos en la vida real y nos preguntamos cómo hacen para sobrevivir en un mundo tan hostil.

Antonio y su sueño de conocer a Lennon le cambian la vida a aquellos que lo viven con él. Y emocionan. Quien diga que no se ha emocionado viendo la historia miente. Es imposible no emocionarse viéndole hacer locuras y darlo todo por llegar a cumplir su sueño, seamos o no fans de Lennon.

Vivir es fácil con los ojos cerrados hace honor a la canción que ha inspirado su nombre. La letra habla exactamente de las cosas que habla la película. Es como asistir a una clase de Antonio, donde nos representa el significado de aquello de lo que hablaba Lennon. Resulta un bonito homenaje a ese profesor, a esa admiración. El viaje a los campos de fresas resulta perfecto. Y puede acabar ganando un Oscar, ¿por qué no?

12 sept. 2014

7:35 de la mañana

No sé si os pasa lo mismo que a mí, que por las mañanas -además de parecer un zombie- a veces no sé si estoy del todo despierta, si hago las cosas o es que aún estoy soñando. 

En honor a esa sensación matinal (que parece ser aún peor en los meses de verano), hoy he decidido rescatar un corto escrito, dirigido y protagonizado por Nacho Vigalondo. Se trata de 7:35 de la mañana, el corto musical por el que fue nominado al Oscar en 2004.


Buen fin de semana, que descanséis mucho ;)

10 sept. 2014

Historia del Cine: Dogma 95

En este momento en el que Hollywood parece que sólo sabe invertir en reboots, remakes y franquicias, algunos empezamos a preguntarnos si es que no hay ideas.

Personalmente defiendo que las ideas están, que el cine independiente es muy fuerte, y que el cine no se termina en Hollywood. Porque, seamos francos: por muy bien que lo haga Hollywood, las innovaciones estilísticas no son su fuerte (en general, que siempre hay excepciones).

Esta vez toca hacer un pequeño resumen sobre un movimiento que ha hecho historia, y de la reciente: el Dogma 95.

El manifiesto y el voto de castidad (traducidos más abajo)


El Dogma 95 nace porque Lars von Trier y Thomas Vinteberg, allá por los años noventa, pensaron que el cine estaba en horas bajas y que había que hacer algo para renovar al séptimo arte. 

La idea: en una industria donde los presupuestos son altísimos, crear un contrapeso y balancear las cosas. El objetivo: purificar el cine negándose a utilizar efectos especiales caros y espectaculares, realizar modificaciones en la postproducción o cualquier otro recurso técnico. El método: concentrarse en la historia y los trabajos actorales. Creían que esto atraparía a la audiencia, ya que no se encontraban alienados o distraídos por la sobreproducción

Anunciaron el nacimiento del movimiento el 13 de marzo de 1995 en París, durante una conferencia en la que cineastas de todo el mundo se habían reunido para celebrar el centenario del cine y analizar el futuro incierto del cine comercial. Durante su aparición en una charla sobre el futuro del cine, von Trier lanzó el panfleto rojo que ilustra este post y anunció el nacimiento del Dogma.

DOGMA 95

DOGMA 95 es un grupo de directores de cine fundado en Copenhagen en la primavera de 1995.
DOGMA 95 tiene el objetivo expreso de ir en contra de "ciertas tendencias" del cine actual.
¡DOGMA 95 es una acción de rescate!
¡En 1960 ya era suficiente! La película había muerto y era necesaria una resurrección. ¡El objetivo era correcto, pero los medios equivocados! La nouvelle vague era una pequeña ola que se convirtió en barro al tocar la orilla.
Los eslóganes de individualidad y libertad crearon trabajos por un tiempo, pero no trajeron cambios. La ola estaba disponible, tal y como los directores. La ola nunca fue más fuerte que los hombres que la crearon. El cine antiburgués se volvió burgués, porque la base sobre la que se fundaron sus teorías era una visión burguesa del arte. El concepto de auteur era romanticismo burgués desde el principio y por tanto... ¡falso! 
¡Para DOGMA 95 el cine no es individual!
Hoy en día, una tormenta tecnológica nos rodea, cuyo resultado será la democratización total del cine. Por primera vez, cualquiera puede hacer películas. Pero, cuanto más accesible se hace el medio, más importante es el avant-garde. No es un accidente que la frase "avant-garde" tenga connotaciones militares. La disciplina es la respuesta... ¡debemos convertir nuestras películas en un uniforme, porque el cine individual será decadente por definición! 
DOGMA 95 va en contra del cine individual siguiendo el principio de establecer un conjunto de normas indisputables, conocido como EL VOTO DE CASTIDAD.
¡En 1960 ya era suficiente! El cine había sido cosmetizado a muerte, dijeron; pero desde entonces el uso de cosméticos ha explotado. 
La tarea "suprema" de los cineastas decadentes es burlarse de la audiencia. ¿Estamos orgullosos de eso? ¿Es eso a lo que hemos llegado en "100 años"? ¿Ilusiones a través de las que podemos comunicar emociones?... ¿Por la elección libre de engañar de los artistas individuales? 
La predictabilidad (dramaturgia) se ha convertido en el vellocino de oro al que celebramos. Que las vidas internas de los personajes justifiquen la trama es demasiado complicado, y no es considerado "arte elevado". Como nunca, la acción superficial y la película superficial reciben todos los halagos. 
El resultado es vacío. Una ilusión de pathos y una ilusión de amor. 
¡Para DOGMA 95 el cine no es una ilusión!
La tormenta tecnológica que nos rodea es el resultado de la elevación de los cosméticos al nivel de dioses. Al usar nuevas tecnologías cualquiera, en cualquier momento, puede borrar los últimos vestigios de verdad en un abrazo mortal de sensaciones. Las ilusiones son todo aquello detrás de lo que se puede esconder el cine.
DOGMA 95 contradice al cine de ilusiones estableciendo un conjunto de normas indisputables conocido como EL VOTO DE CASTIDAD.


    EL VOTO DE CASTIDAD


Juro cumplir el siguiente conjunto de reglas redactado y confirmado por DOGMA 95:
  1. El rodaje debe realizarse en la localización. Se prohíbe el atrezzo y los sets (si es necesario un elemento de atrezzo para la historia, debe elegirse una localización donde pueda encontrarse tal elemento).
  2. Se prohíbe producir el sonido aparte de la imagen, o viceversa. (No debe utilizarse música a menos que suene donde la escena es rodada.)
  3. Debe rodarse cámara en mano. Se permite cualquier movimiento o inmobilidad que pueda conseguirse con la mano.
  4. La película debe ser a color. No se permite iluminación especial. (Si hay muy poca luz para la exposición, debe cortarse la escena o utilizarse una sola lámpara acoplada a la cámara.)
  5. Se prohíben la corrección óptica y los filtros. 
  6. La película no puede contener acción superficial. (No pueden ocurrir asesinatos, armas, etc.)
  7. Se prohíbe la alienación temporal y georgráfica. (Esto es, la película ocurre aquí y ahora.)
  8. Se prohíben la películas de género.
  9. El formato de la película debe ser de los 35 mm. establecidos por la Academia. 
  10. El director no aparecerá en los créditos. 
Además, como director juro ¡evitar el gusto personal! De ahora en adelante no seré un artista, evitaré crear "obras", porque considero que el instante es más importante que el total. Mi objetivo supremo es forzar la verdad de mis personajes y escenarios. Juro hacerlo con todos los medios disponibles y bajo el coste de cualquier buen gusto y cualquier consideración estética.
Así, hago mi VOTO DE CASTIDAD.

Copenhagen, lunes 13 de marzo de 1995
Por DOGMA 95


Lars von Trier         Thomas Vinterberg 


Directores y películas DOGMA 95

Los directores más relevantes del movimiento son:

  • Thomas Vinterberg
  • Lars Von Trier
  • Søren Kragh-Jacobsen
  • Kristian Levring 
  • Jean-Marc Barr
  • Anthony Dod Mantle
  • Paprika Steen
  • Harmony Korine
  • Susanne Bier
  • Richard Martini
  • Joseph Garcia Quinn

Y la lista oficial de películas que siguieron las normas establecidas por el movimiento:

  • Dogme # 1: Festen (Thomas Vinterberg)
  • Dogme # 2: Idioterne (Lars von Trier)
  • Dogme # 3: Mifunes Sidste Sang (Søren Kragh-Jacobsen)
  • Dogme # 4: The King Is Alive (Kristian Levring)
  • Dogme # 5: Lovers (Jean-Marc Barr)
  • Dogme # 6: Julien Donkey-Boy (Harmony Korine)
  • Dogme # 7: Interview (Daniel H. Byun)
  • Dogme # 8: Fuckland (José Luis Marques)
  • Dogme # 9: Babylon (Vladan Zdravkovic)
  • Dogme # 10: Chetzemoka’s Curse (Rick Schmidt, Maya Berthoud, Morgan Schmidt-Feng, Dave Nold, Lawrence E. Pado, Marlon Schmidt y Chris Tow)
  • Dogme # 11: Diapason (Antonio Domenici)
  • Dogme # 12: Italiensk For Begyndere (Lone Scherfig)
  • Dogme # 13: Amerikana (James Merendino)
  • Dogme # 14: Joy Ride (Martin Rengel)
  • Dogme # 15: Camera (Rich Martini)
  • Dogme # 16: Bad Actors (Shaun Monson)
  • Dogme # 17: Reunion (Leif Tilden)
  • Dogme # 18: Et Rigtigt Menneske (Åke Sandgren)
  • Dogme # 19: Når Nettene Blir Lange (Mona J. Hoel)
  • Dogme # 20: Strass (Vincent Lannoo)
  • Dogme # 21: En Kærlighedshistorie (Ole Christian Madsen)
  • Dogme # 22: Era Outra Vez (Juan Pinzás)
  • Dogme #23: Resin (Vladimir Gyorski)
  • Dogme #24: Security, Colorado (Andrew Gillis)
  • Dogme #25: Converging With Angels (Michael Sorenson)
  • Dogme #26: The Sparkle Room (Alex McAulay)
  • Dogme #27: Come Now
  • Dogme #28: Elsker Dig For Evigt (Susanne Bier)
  • Dogme #29: The Bread Basket (Matthew Biancniello)
  • Dogme #30: Días de Boda (Juan Pinzas)
  • Dogme #31: El Desenlace (Juan Pinzas)
  • Dogme #32: Se til venstre, der er en Svensker (Natasha Arthy)
  • Dogme #33: Residencia (Artemio Espinosa Mc.)
  • Dogme # 34: Forbrydelser (Annette K. Olesen)
  • Dogme #35: Cosi x Caso (Cristiano Ceriello)

Para terminar, os dejo un corto documental sobre von Trier y el Dogma 95, Lars from 1 to 10:

8 sept. 2014

Boyhood


La vida se construye de momentos. Naces, vives y te mueres. Por el camino te encontrarás con gente (que puede quedarse en tu vida o sólo ser parte de un capítulo), tendrás un “hogar” (quizás en diferentes sitios, quizás en diferentes partes del mundo), cometerás errores (y -ojalá siempre- aprenderás de ellos), tendrás alegrías y tristezas… la vida es esos momentos. 

En un abrir y cerrar de ojos pasarán años. De repente despertarás un día y ya no serás un niño o una niña, tendrás que asumir responsabilidades y cambios, muchos cambios. Pero, en el fondo, seguirás sintiéndote tan perdid@ como cuando comenzabas a ser consciente del paso del tiempo.

Tendrás miedos, inseguridades, y gente a la que acudirás para que te ayuden. Al principio querrás vivirlo todo, rápido. Querrás crecer y disfrutar. Y cuando pase el tiempo, querrás lo contrario. Querrás guardar en tu memoria momentos. Y también sentirás la necesidad de parar el tiempo, de disfrutar más de las cosas. 

Pensarás que tu vida es simplemente nacer, hacer ciertas cosas (crecer, casarte, tener hijos, dejar tu huella…). Pero, en realidad, tu vida -y la de todos, es mucho más. Es la suma de varios momentos, unos importantes y otros no tanto, que juntos escribirán tu historia.

Eso es Boyhood, de Richard Linklater.



Y está acompañada de una gran banda sonora. Como curiosidad, os dejo una playlist de un disco que el personaje de Ethan Hawke regala a su hijo, el Black Album con las mejores canciones de los Beatles en su carrera como solistas:

5 sept. 2014

Dripped

Hoy os traigo un cortometraje muy "artísctico": Dripped, un homenaje a Jackson Pollock de Léo Verrier. Dripped ganó el premio al Mejor Cortometraje de Animación en Sitges y fue finalista a los Oscars 2013, entre muchos otros premios. 


¡Buen fin de semana!

3 sept. 2014

¿Qué ha sido de los protagonistas de That Thing You Do!?

Hace unos días estaba viendo That Thing You Do! (Tom Hanks, 1996), una película que me encanta. De repente, me di cuenta de lo mucho que ha llovido desde que vi el trailer en una sala de cine y supe que sería una de esas películas que jamás me cansaría de ver. Y de lo que ha ocurrido con la carrera esos actores que, con el paso de los años, aún siguen siendo mis adorados Wonders.



¿Quién pensaría que Ethan Embry iba a convertirse en uno de esos actores que siempre me dibujan una sonrisa? ¿Y quién habría apostado que Giovanni Ribisi y Charlize Theron, dos que apenas tienen líneas en la película, iban a ser hoy, quizás, los dos más famosos del cast? (quitando a Tom Hanks, claro) ¿O que el chico que acompañaba a Liv Tyler cuando subía las escaleras hacia el programa de televisión hoy iba a ser un actor con nombre propio, a pesar de ser "hijo de"? ¿Qué otras caras se me estarán escapando y descubriré cuando vuelva a verla?

Seguro que se me queda alguno por el camino, así que si habéis visto la peli y se me ha pasado alguien... Espero leer su nombre en los comentarios ;)


20th Century Fox/IMDB

Guy “Shades” Patterson (Tom Everett Scott)

Shades (o Spartacus) era el primer papel en cine de Tom Everett Scott. Y no era cualquier papel: era el papel protagónico. Antes, sólo había aparecido en un especial de la CBS: CBS Schoolbreak Special. Uno pensaría que su carrera iba a despuntar, pero no fue así. Después de That Thing You Do! continuó trabajando en películas no muy exitosas y series de televisión. Actualmente le podréis ver en las series de tv Beauty and the Beast Z Nation. Está a punto de estrenar tres películas: Collusions, Strings Forever.


20th Century Fox/IMDB

James “Jimmy” Mattingly II (Johnathon Schaech)

La de corazones que rompió Jonathon... "Shame on me for kissing you with my eyes closed so tight", chico. Puede que antes de verle como Jimmy, le tuviérais fichado de How to Make an American Quilt (Jocelyn Moorhouse, 1995) - si no la habéis visto, estáis tardando-. Después de That Thing You Do!, el muchacho hizo carrera en remakes de terror. Y en los últimos años puede que le hayáis reconocido en las series The Client List y Ray Donovan. En 2014 ha estrenado The Legend of Hercules (no confundirla con la Hercules de Dwayne Johnson, esta tiene a Kellan Lutz en el papel principal), y muy pronto podréis verle acompañar a Bruce Willis y John Cusack en The Prince.


20th Century Fox/IMDB

Leonard “Lenny” Haise (Steve Zahn)

Steve Zahn ya estaba en el radar antes de That Thing You Do!: interpretó a Sammy en Reality Bites (Ben Stiller, 1994). Y después, le podéis haber visto en todas partes: Suburbia (Richard Linklater, 1996), rom-coms, Sunshine Cleaning (Christine Jeffs, 2008),  la trilogía Diary of a Wimpy Kid (Thor Freudenthal)... seguro que le habéis visto en Dallas Buyers Club (Jean-Marc Vallée, 2013) y en la serie de tv Treme. Actualmente está rodando Captain Fantastic junto a Viggo Mortensen.


20th Century Fox/IMDB

T.B. Player (Ethan Embry)

Ethan no era un principiante: ha trabajado en cine desde los 13 años. Ya le habíamos visto en Empire Records (Allan Moyle, 1995) y seguro que le recordáis como Rusty Griswold en Vegas Vacation (Stephen Kessler, 1997). Ha hecho carrera en tv y cine: protagonizó Can't Hardly Wait (Harry Elfont y Deborah Kaplan, 1998) y la serie de tv Brotherhood. También le habréis visto en CSI (Miami y Las Vegas), House MD, Grey's Anatomy y Once Upon a Time. Actualmente está promocionando la comedia Cheap Thrills (E.L. Katz, 2013) y más adelante podréis verle en Convergence, A Relative Stranger, Bereave, Dweller y la serie de tv Grace and Fankie.


20th Century Fox/IMDB

Mr. White (Tom Hanks) 

A Tom Hanks le conocemos todos y creo que no hace falta decir qué hizo y qué ha hecho. Pero su rol en That Thing You Do! no fue sólo el de Mr White: Tom Hanks escribió y dirigió la película. Era su debut como escritor, el cual ha continuado con un episodio de la serie Band of Brothers y Larry Crowne. Como director había debutado con un episodio de Tales from the Crypt, y continuó con un episodio de la miniserie Fallen Angels, otro de Band of Brothers y la película Larry Crowne (2011).


20th Century Fox/IMDB

Faye Dolan (Liv Tyler)

Tampoco era el debut de Liv en cine: comenzó en Silent Fall (Bruce Beresford, 1994), fue la chica de los vídeos de Aerosmith (la banda de su padre), protagonizó Empire Records junto a Ethan Embry y nos había hecho suspirar con Stealing Beauty (Bernardo Bertolucci, 1996) antes de interpretar a Faye. Su carrera continuó con Armageddon (Michael Bay, 1998), la trilogía de The Lord of the Rings (Peter Jackson) y The Incredible Hulk (Louis Leterrier, 2008). Después de un parón de un par de años, actualmente podréis verla en la serie de HBO The Leftovers, Space Station 76 (Jack Plotnick, 2014) y Jamie Marks Is Dead (Carter Smith, 2014).


20th Century Fox/IMDB

Tina Powers (Charlize Theron)

Tina fue uno de los primeros papeles de Charlize en el cine. De hecho, fue su tercera aparición en una película y la segunda vez que salía en los créditos: la primera aparición en cine fue en Children of the Corn III: Urban Harvest (James D.R. Hickox, 1995), en la que no sale en los créditos, y la segunda en 2 Days in the Valley (John Herzfeld, 1996). Aún tuvo un par de papeles pequeños, hasta que The Devil's Advocate (Taylor Hackford, 1997) la dio a conocer. Ha cosechado un Oscar por su interpretación en Monster (Patty Jenkins, 2003). También ha descansado un par de años, pero regresa con todo: podéis verla en A Million Ways to Die in the West (Seth MacFarlane, 2014) y muy pronto en Dark Places, Mad Max: Fury Road, The Last Face, y The Huntsman.


20th Century Fox/IMDB

Chad (Giovanni Ribisi)

Apenas participa en That Thing You Do!, pero Giovanni Ribisi ya tenía experiencia en cine y series de televisión, incluidas apariciones en Blossom, Married with Children, The Wonder Years, Walker, Texas Ranger y X Files. Después, le pudimos ver en Suburbia, Gone in Sixty Seconds (Dominic Sena, 2000), Lost in Translation (Sofia Coppola, 2003), F.R.I.E.N.D.S., Cold Mountain (Anthony Minghella, 2003), My name is Earl, Avatar (James Cameron, 2009)... y escucharle en The Virgin Suicides (sí, es el narrador del debut -de 1999- de Sofia Coppola). Esos son sólo algunos de los trabajos en su currículum. Ahora podéis verle en A Million Ways to Die in the West junto a Charlize Theron, y muy pronto en A Many Splintered Thing, Papa, Results, Selma y Meadowland.


20th Century Fox/IMDB

Male Page (Colin Hanks)

El hijo de Tom Hanks hizo su primera aparición en pantalla grande en la película de su padre, tan sólo unos segundos (también sale su hermana, un poco antes, durante la escena que Faye se prueba vestidos). Posteriormente, seguro le habréis visto en Roswell, Band of Brothers, King Kong (Peter Jackson, 2005), Mad Men, Numb3rs, Dexter, Fargo, y unas cuantas comedias. Actualmente está a punto de estrenar No Stranger Than Love y, siguiendo los pasos de papá, dirige el documental All Things Must Pass: The Rise and Fall of Tower Records (que, por cierto, es la cadena de tiendas que inspiró Empire Records).

1 sept. 2014

Begin Again


Me ha costado decidirme a ver Begin Again. Es lo que ocurre cuando te venden una película como “la nueva…” o “de los creadores de…”: que piensas que sabes más o menos lo que vas a encontrarte. Y, muchas veces, no es así. O al menos no del todo.

Begin Again es una película bonita, con un final que me ha parecido genial. No es una historia nueva: es la fusión de unas cuantas ideas ya usadas en cine. Y el resultado es bastante interesante. Sobre todo porque, si eres como yo y te planteas los desenlaces posibles para la película, descubrirás que es muy difícil acertar cuál será.

Tiene un par de secuencias que me han gustado mucho, y a un Mark Ruffalo que no puede resultar más adorable. Me ha gustado ver a Keira Knightley un poco menos “intensa” de lo normal, y estoy segura de que su mandíbula le ha agradecido el descanso.

La música de Begin Again, esencial para la historia, está bien pensada y seguro más de uno la encontrará pegadiza. Destaco las letras de las canciones y, particularmente, he disfrutado mucho de la música que “eligen” los personajes en determinadas escenas. No se me ha quedado pegada ninguna canción original, quizás porque no es el estilo de música que disfruto. De todas formas, me ha sorprendido que no terminara tarareando más que ciertos clásicos.

No quiero compararla con Once, pero no puedo evitarlo. Lo cierto es que no me ha dejado tan buena sensación, a pesar de que me lo pasé bien viendo Begin Again. Con ambas me enfrenté a la pregunta: “¿me saldrá miel por las orejas?”. Y con ambas me encontré con que no, que tienen el punto exacto de azúcar.

Y con ambas terminé sonriendo con el final aunque -en este caso- fue porque, de haber terminado como llegué a creer que terminaría... creo que hoy os hablaría de otro modo sobre Begin Again