30 jul. 2014

El test de Bechdel

Últimamente se habla mucho del rol de las mujeres en el cine: el porcentaje de mujeres ejerciendo roles en la producción de películas, el porcentaje de personajes femeninos en roles importantes para la historia, etc. Tanta charla al respecto me recordó el famoso test de Bechdel, un test muy simple que muy pocas películas aprueban. Y de ese test os quiero hablar hoy.

Bechdel The Rule

El test de Bechdel es un test muy simple, y sirve para comprobar la forma en que se representa a la mujer en un trabajo de ficción. El hecho de que un gran porcentaje de obras no aprueben es señal de que existe un estereotipo muy establecido y muy poca variedad en cuanto a la forma en la que se retrata a la mujer. Un dato curioso al respecto del cine que “aprueba” este test: suelen ser, en su mayoría, películas de bajo presupuesto; pero que funcionan muy bien en taquilla.

La imagen que he puesto más arriba es del comic Dykes to Watch Out For, donde nació el test en el año 1985. La autora –del cómic- es Alison Bechdel, de ahí el nombre. Aunque también se le llama Bechdel/Wallace, porque la autora atribuye las tres reglas a su amiga Liz Wallace. Otros nombres con los que se lo conoce son: la regla de Bechdel, la ley de Bechdel y la Mo Movie Measure (medida Mo Movie).

En el comic, dos chicas se plantean ir al cine. Una de ellas le dice a la otra que sólo ve películas que cumplan tres reglas:

  1. Que aparezcan al menos dos mujeres,
  2. que esas mujeres se dirijan la palabra,
  3. y que no estén hablando de hombres.

Y, que en consecuencia, termina viendo muy pocas películas. Dice: “La última película que he podido ver fue Alien. En ella, las dos mujeres hablan sobre EL MONSTRUO”.

Según Bechdel, la idea surge de un ensayo de Virginia Woolf, Una habitación propia (1929), en el que la autora observa que el retrato de las mujeres en la literatura suele ser muy simple: suelen ser madre e hija, rara vez amigas, y suelen retratarse a partir de sus relaciones con los hombres.

En cuanto a las mujeres en el cine, se ha observado que, en general: hay dos personajes masculinos por cada personaje femenino, y las mujeres participan en el doble de escenas sexuales que los hombres. Vistos estos datos, por el año 2010 resurgió el famoso test de  Bechdel como forma de calificar si una película era woman-friendly.

Leyendo las tres reglas, uno pensaría que no es complicado superar el test; pero resulta que no es así. Y aún más curioso: muchas películas superan la prueba porque, en lugar de hablar de hombres, las mujeres discuten sobre el matrimonio o la crianza de niños. ¿Podríamos concluir que las chicas sólo sabemos hablar de hombres, matrimonio y bebés?

La razón por la que este test resulta importante es porque pone en evidencia la falta de variedad en los personajes y sus historias. Pero eso no significa que la mujer no esté bien retratada en el cine: hay películas que muestran mujeres con historias que no se limitan a matrimonio, hombres y bebés. El problema es que son, en porcentaje, menos películas.

Tampoco significa que sólo las mujeres están mal retratadas: si nos ponemos a medir con varas similares otras características de los guiones, podremos encontrar muchísimos otros puntos que se repiten sin cesar y la falta de variedad en personajes e historias de todo tipo. Y eso sólo es indicativo de una cosa: faltan ideas, y seguimos tirando de modelos y fórmulas sólo porque funcionan/funcionaban.

¿No creéis que es hora de renovarnos un poco y adaptarnos a los cambios que ha vivido nuestra sociedad? ¿No creéis que sería una buena forma de “normalizar” ciertas cosas y retratar un poco mejor nuestra realidad?

Si os da curiosidad descubrir qué títulos superan el test de Bechdel, podéis consultar la lista aquí.

28 jul. 2014

Frozen

¿Quién no ha sufrido la famosa “Let it go” a estas alturas? La cancioncita se me ha metido en la cabeza y se niega a abandonarla. Me encuentro, oficialmente, sufriendo las consecuencias de haber visto Frozen.

Frozen

Después de verla uno se pregunta cuántos problemas se evitarían si la gente no insistiera en esconder quiénes son realmente. Y supongo que ese es el mensaje: no se puede ir contra nuestra propia naturaleza. Eso, y que el amor de la familia es el más grande, por supuesto.

En Frozen se decide romper con el mensaje de que un príncipe es todo lo que necesitas, y con eso de que existe el amor a primera vista. O al menos lo intenta. Se agradece que se intente buscar algo diferente para las princesas de Disney. Pero no puedo evitar pensar que Christoph era más compatible con Elsa, y que al final Elsa se ha quedado sola mientras su hermana termina enamorándose (como buscaba).

En realidad, Frozen no me ha parecido una película tan especial como todo el mundo parece creer. De hecho, creo que me gustó bastante más Tangled. Es entetenida, eso sí. Y quien diga que no se le ha pegado la bendita cancioncita, está mintiendo.

23 jul. 2014

Los consejos de Pixar para contar una historia

pixar-animation-studio-logo

Hace un par de años, la directora y creadora de storyboards de Pixar, Emma Coats, twitteó y publicó en su Tumblr 22 consejos para contar una historia. Hoy los rescato y los traduzco, por si aún queda alguien que no los haya memorizado ;)

  1. Admiras a un personaje por intentarlo, más que por sus éxitos.
  2. Tienes que pensar en lo que te interesa como espectador, no en lo que te divierte hacer como escritor/a. Pueden ser dos cosas muy diferentes.
  3. Buscar un tema es importante, pero no sabrás de qué va tu historia hasta que llegues al final. Ahora reescribe.
  4. Érase una vez un/a ___. Todos los días, ___. Un día ___. Por ello, ___. Hasta que finalmente ___.
  5. Simplifica. Enfócate. Combina personajes. Sáltate los desvíos. Sentirás que pierdes cosas valiosas; pero te liberará. 
  6. ¿En qué es bueno tu personaje, con qué se siente cómodo? Enfréntalo a su polo opuesto. Desafíalos. ¿Cómo lo resolverán?
  7. Piensa en tu final antes de resolver lo que va a la mitad. Los finales son difíciles, haz que el tuyo funcione desde el principio.
  8. Termina tu historia, déjala ir aún si no es perfecta. Idealmente tendrías ambas cosas, pero sigue adelante. Hazlo mejor la próxima vez.
  9. Cuando te atasques, haz una lista de lo que NO DEBERÍA pasar a continuación. Muchas veces, el material que necesitas para avanzar aparecerá. 
  10. Separa las historias que te gustan. Lo que te gusta de ellas forma parte de ti, y debes reconocerlo antes de poder usarlo.
  11. Escribirlo te permite comenzar a corregirlo. Una idea perfecta, si se queda en tu cabeza, nunca la compartirás.
  12. Descarta lo primero que te venga a la mente. Y lo segundo, lo tercero, lo cuarto, lo quinto…  elimina lo obvio. Sorpréndete.
  13. Dota a tus personajes de opiniones. Los personajes pasivos/maleables pueden parecerte agradables mientras escribes, pero es veneno para los espectadores.
  14. ¿Por qué debes contar ESTA historia? ¿Qué creencia te quema por dentro y alimenta a la historia? Eso es la esencia de tu historia.
  15. Si fueras tu personaje, en esta situación: ¿cómo te sentirías? La honestidad da credibilidad a las situaciones más inverosímiles.
  16. ¿Qué riesgos hay? Danos una razón para que vayamos con tu personaje. ¿Qué ocurre si no triunfa? Haz que tenga muchas probabilidades en su contra.
  17. Ningún trabajo se pierde. Si no funciona, déjalo ir y continúa. Te será útil más adelante.
  18. Tienes que conocerte, saber la diferencia entre dar lo mejor de ti y preocuparte. Escribir es experimentar, no refinar.
  19. Cuando tus personajes se meten en problemas por coincidencia es genial, cuando resuelven sus problemas del mismo modo es hacer trampas.
  20. Ejercicio: coge los componentes básicos de una película que no te gusta. ¿Cómo los reordenarías para convertirla en algo que SÍ te guste?
  21. Debes identificarte con la situación/los personajes, no te limites a escribir cosas guays. ¿Qué haría que TÚ actúes de ese modo? 
  22. ¿Cuál es la esencia de tu historia? ¿Y la forma más sencilla de contarla? Si sabes eso, puedes empezar a construir a partir de allí.

Termino con un montaje de algunas creaciones de Pixar:

21 jul. 2014

The Extraordinary Tale

Si tuviera que definir The Extraordinary Tale of the Times Table, usaría la palabra “extraordinaria”. Su título nos lo dice todo: la historia que cuenta no es una historia ordinaria, y la forma de contarla… tampoco. Me he pasado toda la película admirando, conjeturando y suspirando, maravillada con esta “historia extraodinaria”.

POSTER The Extraordinary Tale

The Extraordinary Tale nos lleva de paseo por un universo –valga la redundancia- extraordinario, y nos atrapa desde la primera escena. A medida que avanza la historia, no podemos evitar encariñarnos con esos personajes tan pintorescos. El arte, la fotografía, la música, el trabajo actoral… ¡todo es tan bonito!

El personaje de Aïda Ballman me fascinó: no sabía si estaba frente a una Amélie o a alguien completamente mal de la cabeza. Al final me he quedado con la idea de que si estaba mal de la cabeza, en su mundo todo era completamente normal (como debe ser).

Ese mundo de la película me hizo tener muy presente a Jean-Pierre Jeunet (y a un par de directores más aquí y allá). Es un mundo mágico, donde todo lo que puede parecer fuera de lo común a nuestros ojos, no tiene nada de raro a los ojos de quienes lo habitan. Y la verdad es que me han dado muchas ganas de perderme un poco más por allí.

También me ha gustado mucho Ken Appledorn en ese papel que exige jugar con el límite entre la “normalidad” del mundo exterior y la del interior. Y me ha encantado el peque. Trabajar con niños no es nada fácil, y en este caso se ha conseguido muchísimo. Por momentos daban ganas de achucharle, y en otros me recordaba al Kevin de We need to talk about Kevin. Esa dualidad aporta muchísimo a la historia.

He quedado encantada con The Extraordinary Tale, y por eso quiero recomendaros que la veáis. Llega a los cines el 25 de julio, así que espero que vayáis. Merecerá la pena, lo prometo.

18 jul. 2014

Herbert White

Hoy os traigo un corto del año 2010 que ha publicado la revista VICE en su website. Se trata de Herbert White, un cortometraje basado en un poema de Frank Bidart. Está escrito y dirigido por James Franco -es un ejercicio que realizó cuando era estudiante de la NYU-, y protagonizado por Michael Shannon.

Antes de que lo veáis, me veo obligada a avisaros que el corto es un poco perturbador (aunque creo que el poema lo es mucho más).



El bueno de James y su costumbre de sorprendernos constantemente… A mí me ha parecido una buena adaptación.

¡Buen fin de semana!

16 jul. 2014

Las 10 reglas de Billy Wilder para crear una buena película

Cuando un grande decide aconsejarte, debes escucharle. Y si puedes compartir esa sabiduría con otros, aún mejor. En 1999, Cameron Crowe publicó “Conversations with Wilder”, un libro en el que recopila tres años de entrevistas con el gran Billy Wilder.

http://www.theuncool.com/books/conversations-with-wilder/cameron-on-wilder-various-quotes/

En “Conversations with Wilder”, Crowe incluye una lista de consejos sobre cómo hacer una buena película. Si buscas consejo, si quieres mejorar tu forma de contar historias, quizás estas diez reglas sean lo que necesitas:

  1. Los espectadores son volubles.
  2. Cógeles del cuello y no les sueltes.
  3. Desarrolla una clara línea de acción para tu protagonista.
  4. Ten claras tus intenciones, hacia dónde te diriges.
  5. Cuanto más sutil y elegante seas al esconder tus plot points (puntos de inflexión en la trama, giros en la historia, motivos, etc.), mejor escritor serás.
  6. Si tienes un problema en el tercer acto, el problema está realmente en el primer acto.
  7. Un consejo de Ernst Lubitsch: Deja que el espectador sume dos más dos. Te adorarán.
  8. Cuando incluyas narración oral, no describas lo que ya puede ver el espectador. Aporta más información sobre lo que ve.
  9. El evento que ocurre al final del segundo acto es el desencadenante del final de la película.
  10. En el tercer acto debe aumentar el tempo y la acción; aumentar, aumentar, hasta el último evento. Y después, se acabó. Termínalo.

Muchos escritores y directores siguen estos consejos al pie de la letra. Otros lo hacen a su manera. Algunos deciden romper una o dos reglas de vez en cuando. Pero es muy difícil que logres hacer algo que atraiga al espectador si no sigues varios de estos consejos. Avisad@ quedas ;)

14 jul. 2014

Tiny Furniture

Lena Dunham es una artista de esas que suelen generar opiniones extremas: se la ama o se la odia. En mi caso, me gusta mucho lo que hace. Creo que Lena es sincera, que tiene una forma de contar historias muy honesta y muy sencilla. Y sí, soy de las que no se pierden un sólo capítulo de Girls.

tiny-furniture

Tiny Furniture tiene mucho de lo que se ve en Girls. La película es muy similar a la serie, sí. Pero también es la obra de una Lena Dunham más joven, que comenzaba a contarnos historias. Se puede ver que ya tenía muy buen ojo para los encuadres, cuidaba mucho la estética y escribía con el mismo estilo de la serie. Y, personalmente, me alegra que lo que empezó con Tiny Furniture continúe –y mejore- en Girls.

Como digo más arriba, se pueden encontrar muchos puntos en común con Girls: la historia comienza casi de la misma forma, el personaje de Jemima Kirke es prácticamente el mismo… Pero también hay puntos en común con una película muy bonita de la que os he hablado no hace mucho: Frances Ha.

La Aura de Lena Dunham está tan perdida como Frances, vive experiencias similares. Con estilos diferentes, y también algunas diferencias en la historia; pero muchos puntos en común. Ambas nos hablan de mujeres jóvenes, en situaciones similares, y en una misma ciudad. Así que si te ha gustado Frances Ha, quizás también te guste Tiny Furniture.

11 jul. 2014

Los inicios de Roman Polanski: Lampa

Quizás debería habérmelo guardado para Halloween, pero esta semana me han dado ganas de compartir uno de los primeros cortos de Roman Polanski. Se trata de Lampa (1959), donde puede verse que el joven Polanski ya sabía cómo meternos un poco de miedo.

Estad atentos, el director hace un cameo ;)

¡Buen fin de semana!

9 jul. 2014

Welles y su Touch of Evil

Es recordada por comenzar con, posiblemente, una de las escenas más memorables de la Historia del Cine. Además, Touch of Evil (1958) tiene un detrás de cámaras de lo más interesante, incluido un memo de 58 páginas con indicaciones para montar la película. Por eso, hoy he decidido contaros un poco más sobre ella.

set-of-Touch-of-Evil

Inicialmente, Welles no quería trabajar en Touch of Evil. Estaba obligado por contrato, por lo que tuvo que aceptar. Pero fue contratado para actuar en la película, no para dirigirla. Charlton Heston entendió que iba a dirigirla, y eso fue lo que exigió. Se ofreció a Welles el puesto a cambio de que sólo cobrara por su trabajo como actor. 

Welles no había leído la novela en la que está basada la película (“Badge of Evil”), y decidió hacer varios cambios en el guión: el personaje de Heston pasó de ser un abogado de distrito a convertirse en un agente de narcóticos mexicano, la nacionalidad del personaje de Janet Leigh cambió de mexicana a norteamericana, y la localización de la historia (originalmente en un pequeño pueblo de California) se movió a un pueblo en la frontera de México con Estados Unidos.

La primera escena de la película tardó en rodarse una noche entera: el actor que interpretaba al oficial de aduanas no lograba decir sus líneas correctamente. Cuando ya estaba amaneciendo, Welles decidió hacer una última toma, y le pidió al actor que si no recordaba sus líneas simplemente moviera la boca: se doblaría posteriormente. Esa es la toma que vemos en la película.

El agente de Janet Leigh rechazó su papel sin consultarla porque consideraba que le ofrecían un salario muy bajo. Pero no contaba con la astucia de Orson Welles, que había enviado una carta a Leigh diciéndole lo mucho que deseaba comenzar a trabajar con ella. Leigh se enfrentó a su agente y aceptó el papel: trabajar con Orson Welles le interesaba mucho más que el salario que pudiera recibir. La actriz se quebró un brazo antes del rodaje, y lo mantenía escondido de la cámara. Le quitaron la escayola solamente para las escenas del motel, y la reemplazaron por una nueva al terminar.

touch of evil

El papel de Dennis Weaver fue escrito específicamente para él: Welles le admiraba y quería trabajar con él. La aparición de Mercedes McCambridge surgió de un almuerzo: Welles la convenció de rodar una escena, le cortó el pelo y le pidió que dijera “I wanna watch” (quiero ver). La aparición de Marlene Dietrich se mantuvo como un secreto aún al estudio: se trataba de un favor especial a Welles, para el que cobraría un salario mínimo. Los ejecutivos descubrieron el secreto, decidieron darle crédito a la actriz, y finalmente le aumentaron el salario.

El objetivo de Orson Welles era que Touch of Evil enfadara a la audiencia por lo confusa de la historia. Rodaba por la noche para evitar la presencia de los ejecutivos del estudio. Finalmente, no pudo evitar que el estudio decidiera meter mano, cambiando su película.

touch of evil 1

Primero le despidieron durante la postproducción, y solicitaron volver a rodar algunas escenas con otro director: Harry Keller. Charlton Heston se negó a trabajar con otro director, retrasando el rodaje un día. Finalmente tuvo que ceder, y compensar al estudio con 8.000 dólares. Cambiaron varios minutos de cinta, y la convirtieron en una película más oscura de lo que Welles tenía en mente.

El director vio Touch of Evil una vez, y decidió escribir un memo solicitando cambios. El memo de 58 páginas se “perdió”, y la película se estrenó acompañando una de Harry Keller, The Female Animal (1958). El memo “perdido” reapareció gracias a Charlton Heston, y a partir de él se hizo un nuevo montaje que se estrenó en 1998. Entre otros cambios, Welles pedía que los créditos salieran al final de la película solamente, para no distraer a la audiencia durante la ya famosa escena inicial.

Para terminar, os dejo un documental (en inglés) sobre el rodaje y la restauración de Touch of Evil:

7 jul. 2014

Short Term 12

ST12

Cuando me enteré de que la crítica se había rendido a los pies de Brie Larson gracias a su trabajo en Short Term 12 me alegré muchísimo. Me alegré; pero no me sorprendí, porque llevo años siguiendo su carrera y esperando que tenga la oportunidad de demostrar su talento. Esta chica es muy buena, creedme.

No puedo hablar de Short Term 12 sin avisaros que puede afectaros mucho emocionalmente, y sin dar un tirón de oreja a quienes han traducido el título a “Las vidas de Grace” (podían habérselo currado un poco). Puedo confirmaros que el trabajo de Brie es buenísimo, y merecido el reconocimiento. Y quisiera recomendaros que vayáis a las salas armados de pañuelos, porque la llorera que me ha dado duró hora y media.

Short Term 12 es dura. Es emotiva. Es una película en la que os contarán muchas historias en pocas escenas. Una película en la que los silencios hablarán, y cada palabra os tocará la fibra. Short Term 12 es una muy buena película, que emociona de la forma más sencilla. Os la recomiendo.

4 jul. 2014

Duet

Hoy os traigo lo último de Disney en animación tradicional. Se trata de Duet, de Glen Keane, responsable de Aladdin, Beauty & The Beast y The Little Mermaid.

 

¡Buen fin de semana!

2 jul. 2014

Un poco más sobre All About Eve

Ansiosa por ver el documental que está produciendo el canal TCM acerca de los últimos días de Bette Davis, se me ha dado por repasar su filmografía. La primera elección ha sido All About Eve, primera película en recibir 14 nominaciones a los premios Oscar, la película con mayor número de nominaciones a actrices, y la primera en tener a sus dos protagonistas nominadas al galardón de Mejor Actriz.

all-about-eve

La historia en la que está basada es “The Wisdom of Eve”, de Mary Orr. Se trata de una historia corta que se publicó en la revista Cosmopolitan en 1946, y que posteriormente se produjo para radio (NBC). Ningún estudio estaba interesado en llevar el proyecto al cine, hasta que 20th Century Fox apareció en escena y compró los derechos (la cifra “oficial” varía entre 3.500 y 5.000 dólares).

Joseph L. Mankiewicz combinó “The Wisdom of Eve” con un guión que estaba desarrollando sobre una actriz que recordaba su vida al recibir un premio. El guión original se titulaba Best Performance. Darryl F. Zanuck propuso cambiarlo a All About Eve, inspirado por una de las líneas iniciales del guión.

AllAboutEveCast

 

Casting

Zanuck imaginaba a Marlene Dietrich o Barbara Stanwyck en el papel de Margo Channing, acompañadas de Jeanne Crain como Eve Harrington, José Ferrer como Addison DeWitt, y John Garfield en el rol de Bill Sampson. Mankiewicz pensaba en Claudette Colbert y Gertrude Lawrence para el papel de Margo. Otros nombres que se barajaron para Margo fueron: Tallulah Bankhead, Ingrid Bergman y Susan Hayward.

Jeanne Crain no estaba disponible por embarazo, y Mankiewicz pensó en Anne Baxter para el papel de Eve Harrington. Claudette Colbert fue elegida para el rol de Margo, pero un problema en la espalda la obligó a renunciar. Se pensó en Gertrude Lawrence, pero sus solicitudes no coincidían con los intereses del estudio. Finalmente, y a pesar de sus diferencias con Zanuck, Bette Davis fue la elegida.

Celeste Holm, Hugh Marlowe y Thelma Ritter fueron elegidos a la primera para sus papeles. Celeste Holm acababa de abandonar la Fox por una disputa sobre su contrato con Zanuck, quien tuvo que recontratarla a pedido de Mankiewicz.

Un detalle curioso: Eddie Fisher aparece en los créditos, pero su escena fue cortada.

 

En el set

Bette Davis rodó todas sus escenas en 16 días. Al parecer se lo pasó muy bien durante el rodaje, pero no se llevaba nada bien con Celeste Holm. Según ha contado Holm, el primer día de rodaje saludó con un “buenos días” y la respuesta de Bette Davis fue: “Oh shit, good manners” (mierda, buenos modales). Nunca más le dirigió la palabra.

Zsa Zsa Gabor, quien había sido considerada para el papel de Miss Casswell, pasó gran parte del rodaje en el estudio: estaba vigilando a su marido, George Sanders (Addison DeWit). El actor compartía escenas con Marylin Monroe, y Gabor estaba celosa. Lo cierto es que no tenía mucha razón de estarlo: Sanders pasaba todo el tiempo entre sus escenas echándose la siesta. Muchas veces rodaba somnoliento, unas cuantas tomas hasta lograr conseguir lo que el director esperaba.

bette-margo-coctel

Un último dato curioso: ¿os habéis fijado en el vestido de cóctel de Bette Davis en la fiesta? No debía llevarlo de esa manera. El vestido, diseñado por Edith Head, no le quedaba bien en los hombros, y la actriz solucionó el problema dejándolo caer en lugar de llevarlo como debería.