31 dic. 2014

Resumen 2014

Otro año que se va, otro año dedicado a ver y disfrutar cuanta película pude. Como siempre, intenté ver cosas buenas y malas, ver cosas que normalmente no elegiría ver. Me quedé con una lista larguísima de películas pendientes, que espero continúe aumentando a medida que voy tachando títulos. 


Este es mi resumen del cine visto en 2014, y qué sensación tengo ahora que ha pasado algo de tiempo desde que vi cada película:

Lo positivo


Las decepciones


Si quieres pasar el rato


Me gusta hacer este balance y descubrir que la lista de películas que me dejan sensaciones positivas es más larga que la de decepciones. Debo reconocer que me duele mucho ver a mis ídolos entre las decepciones del año; pero eso me recuerda que hasta los más grandes se equivocan, y que ellos también necesitan seguir aprendiendo ;)

Feliz 2015 para todos y gracias por compartir conmigo esta bonita adicción.

29 dic. 2014

The disappearance of Eleanor Rigby: Them


Tenía muchísimas ganas de ver The disappearance of Eleanor Rigby. Tenía muchísimas ganas de ver brillar a James McAvoy y Jessica Chastain en un proyecto innovador. Aunque lo que se estrenaba en salas era el montaje de "Ellos" y no la idea original de una doble sesión contando la historia desde el punto de vista de cada uno, quise verla como ejercicio para compararla con los otros montajes.

Escribo esto sin haber podido ver aún los montajes de la doble sesión, y con la sensación de que el montaje de ambos se queda cortísimo frente a lo que seguramente sea ver ambas historias. ¿Por qué? Porque cuando obligas a recortar de esa forma no siempre se puede contar una historia en condiciones. Y temo que eso ocurra con The disappearace of Eleanor Rigby y que por ello apenas escuchásemos hablar de ella.

Esto no significa que no me gustara. Me ha gustado. Me ha parecido una historia muy bonita, con muchos detalles y muchos matices. Quizás el saber que esta no era la idea original me ha hecho pensar que habrá aún más detalles en las historias por separado, y por eso me he quedado con sabor a poco.

Me he pasado las dos horas intentando pensar cómo se verá esa misma historia desde esos dos puntos de vista, qué tomas provenían de cada montaje, cuáles iban en los dos... me he pasado toda la película pensando en cosas que ahora quiero comprobar. Y creo que no la he disfrutado tanto como lo habría hecho de poder verlas las tres (sí, me habría dado un maratón con ellas encantada).

Quiero poder ver la(s) película(s) como pretendían que la(s) viéramos quienes han desarrollado el proyecto, quiero verla(s) como ellos querían que la(s) viera. No quiero que les obliguemos a sintetizar y darnos algo más "fácil de ver".

Quiero que cada persona que va al cine vaya a ver la versión que le apetezca, que podamos elegir si ver uno, dos o los tres montajes. No quiero que me impongan ver el montaje "para todo público", porque ese es el que más opciones tiene de llenar una sala. Quiero que sea el director, y nadie más que él, el que decida cómo se contará una historia.

Puede que nunca lleguen a estrenarse -ni siquiera en VOD- esos dos montajes que tantas ganas tengo de ver. Puede que nos quedemos sin tener la posibilidad de ver la historia tal y como se pretendía. Puede que no tengamos la opción de elegir si queremos verla de una forma u otra. Y eso me da mucha rabia.

26 dic. 2014

Eager

¿Os apetece un cortometraje? Hoy os dejo el que muchos consideran el mejor corto de 2014: Eager, de Allison Schulnik.



¡Buen fin de semana!

24 dic. 2014

La familia Fonda: Peter

Hoy toca hablar del hermano menor de Jane FondaPeter

(via Fonda.org)

Peter Henry Fonda nació el 23 de febrero de 1940 en la ciudad de New York. Es hijo de Henry Fonda y Frances Ford Seymour. Estudió teatro en Omaha, Nebraska. Como su padre -y Marlon Brando-, formó parte de la compañía de la Omaha Community Playhouse.

Continuó su carrera en Broadway, y posteriormente probó suerte en Hollywood. Su debut fue Tammy and the Doctor (Harry Keller, 1963). El año siguiente rodó Lilith (Robert Rossen), The Victors (Karl Foreman) y The Young Lovers (Samuel Goldwyn Jr.).

No era el típico actor: llevaba el pelo largo y tenía una actitud rebelde, y por ello le costaba encontrar trabajo en Hollywood. Sus amigos eran músicos: se juntaba con los Beatles, los Byrds y Gram Parsons, y también se animó a grabar algunas canciones.

Su primer papel “contra-cultural” fue en The Wild Angels (Roger Corman, 1966), una película de clase B sobre los Hell's Angels. Lo continuó con The Trip (Roger Corman, 1967), una película que hablaba de la experiencia y las “consecuencias” de consumir LSD.

En 1968, Peter Fonda produjo, escribió y protagonizó la Easy Rider de Dennis Hopper, quizás el papel más significativo de su carrera. Fue nominado al Oscar por el guión. De esa nominación surgieron un par de proyectos: volvió a trabajar junto a Hopper en The Last Movie y dirigió y protagonizó The Hired Hand (1971).

En 1974 protagonizó Dirty Mary, Crazy Larry (John Hough) y Open Season (Peter Collinson). La primera fue un éxito de taquilla y se considera una película de culto, y la segunda fue un fracaso. Un año después trabajó en Race with the Devil (Jack Starrett).

En 1976 interpretó a un músico en Outlaw Blues (Richard T. Heffron), y probó suerte con la ciencia ficción en Futureworld (Richard T. Heffron), la secuela de Westworld. En 1979, dirigió y protagonizó junto a Brooke Shields Wanda Nevada, en la que también trabajó su padre.

Después de varios años sin mucho éxito, logró la aprobación de la crítica por su trabajo en Ulee's Gold (Victor Nunez) en 1997. Su trabajo en la película le dio una nominación al Oscar. En 1998 publicó su autobiografía, Don't Tell Dad. Su siguiente papel digno de mención es el de Terry Valentine en The Limey, de Steven Soderbergh (1999).

En el año 2000 recibió una Palm Star de Oro en el Paseo de la Fama de Palm Springs, California, y en 2002 entró al Salón de la Fama de las motocicletas americano. En 2004 puso voz a The Truth, un hippie del juego Grand Theft Auto: San Andreas.

En 2007 regresó al cine: interpretó a Byron McElroy en 3:10 to Yuma (James Mangold), a Damien Blade en Wild Hogs (Walt Becker), y a Mephistopheles,  uno de los villanos en Ghost Rider (Mark Steven Johnson). En 2009 volvió a interpretar a un villano: The Roman, en The Boondock Saints II: All Saints Day (Troy Duffy), la secuela de la genial Boondock Saints. También trabajó en la serie de televisión Californication.

En 2011, produjo junto a Tim Robbins The Big Fix (Joshua Tickell, Rebecca Harrell Tickell), un documental sobre el vertido de petróleo en el Golfo de México. Su carrera como actor aún continúa: tiene dos proyectos en post-producción, Borderland (Paul Street) y The Runner (Austin Stark), que se estrenarán en 2015.

22 dic. 2014

St. Vincent


He visto St. Vincent unas cuantas veces, aunque con diferentes protagonistas y circunstancias. La historia no es nueva, de hecho resulta extremadamente predecible. Pero eso no quita que sea una historia bonita y que emociona (sí, llevaros pañuelos a la sala, que es una de esas historias).

Bill Murray está tan maravilloso que sólo por él merece la pena verla. Apenas al empezar, justo en una escena en la que está bailando, no pude evitar decir: "este señor merece una nominación al Oscar por esta película". Aún no había visto prácticamente nada y ya me había conquistado. Y continuó haciéndolo durante el resto de la cinta. Por eso, después de haberla visto y esperarme a procesar lo visto, repito: Bill Murray se merece una nominación al Oscar por su trabajo en St. Vincent.

Otra cosa positiva de a película, al menos en mi caso, es que me gustó muchísimo Naomi Watts. Me suele costar bastante ver sus películas porque ella no termina de gustarme, y sin embargo en St. Vincent me hizo reír muchísimo y me encantó su interpretación (que, por cierto, preparó ¡viendo vídeos en YouTube!). Al menos ahora estaré más dispuesta a ver sus películas, especialmente cuando se trate de comedias.


Así que ya estáis avisados: St. Vincent no os contará nada nuevo, pero os lo pasaréis en grande con Bill Murray y Naomi Watts.


19 dic. 2014

Případ

Me ha encantado la animación de Případ, cortometraje de Martin Zivocky del año 2011, realizado mientras estudiaba en la Universidad Tomas Bata (República Checa). Así que lo comparto :)


¡Buen fin de semana!

17 dic. 2014

La familia Fonda: Jane

Seguimos avanzando en el árbol genealógico de los Fonda que han hecho cine. Hoy pasamos a la segunda generación, repasando la carrera de la hija de Henry Fonda: Jane Fonda




Lady Jayne Seymour Fonda nació el 21 de diciembre de 1937 en la ciudad de New York. Su padre era el actor Henry Fonda, y su madre una socialite canadiense llamada Frances Ford Seymour. Su nombre es un homenaje a la tercera esposa de Enrique VIII, Jane Seymour, antepasado de su madre.

A Jane le gustaba el escenario: con 15 años daba clases de danza en Fire Island Pines, New York. Era muy buena estudiante: cursó estudios en la universidad de Vassar y estudió arte en París durante dos años.

En 1954 interpretó su primer papel en teatro, junto a su padre, en una muestra benéfica de The Country Girl, en la Omaha Community Playhouse. A su regreso de París, en 1958, decidió intentar suerte en el Actor’s Studio. Lee Strasberg le dijo que tenía talento, y le descubrió su gusto por la actuación.

Su debut en cine fue en 1960, en Tall Story (Joshua Logan, 1960). Interpretaba a una animadora intentando conquistar a una estrella de baloncesto (Anthony Perkins). En 1962 obtuvo una nominación a los Golden Globes por su trabajo en Walk on the Wild Side (Edward Dmytryk).

El papel que la llevó al estrellato fue el de Cat Ballou (Elliot Silverstein, 1965), una comedia del oeste. Ese mismo año se casó con Roger Vadim. Después, llegaron Any Wednesday (Robert Ellis Miller, 1966), Barefoot in the Park (Gene Saks, 1967) y Barbarella (Roger Vadim, 1968).En 1968 llegó al mundo su hija Vanessa, quien recibió su nombre como homenaje a la actriz y activista Vanessa Redgrave.

Logró el aplauso de la crítica con They Shoot Horses, Don't They? (Sydney Pollack, 1969), y también su primera nominación a los Oscars. Tan bien se encontraba su carrera, que dicen que se dio el gusto de rechazar los papeles protagónicos en Rosemary’s Baby y Bonnie and Clyde.

Su primer Oscar llegó en 1971, gracias a su trabajo en Klute (Alan J. Pakula). Pero eso no significó que le llovieran papeles interesantes: no fue hasta 1977 que logró cosechar otro éxito en el cine. La actriz había hecho del activismo político su prioridad, y el cine había pasado a segundo plano.

En 1973, después de su divorcio de Roger Vadim, Jane se casó con el activista Tom Hayden. Ese mismo año nació su hijo, Troy O'Donovan Hayden (conocido como Troy Garity). En 1977 “regresó al cine” con la comedia Fun With Dick and Jane (Ted Kotcheff), producida por su propia compañía: IPC Films. Por ella ganó un BAFTA y un Golden Globe. Ese mismo año fue nominada al Oscar por su trabajo en Julia (Fred Zinnemann).

Entonces decidió que iba a combinar sus dos pasiones, y que aceptaría solamente papeles en películas que trataran sobre temas importantes. Ganó su segundo Oscar en 1978 por Coming Home (Hal Ashby), la historia de un veterano de la guerra de Vietnam. Sus siguientes trabajos fueron The China Syndrome (James Bridges, 1979), sobre un accidente en una planta nuclear, y The Electric Horseman (Sydney Pollack, 1979), donde volvió a trabajar junto a Robert Redford.

En 1980 llegó Nine to Five (Colin Higgins), junto a Lily Tomlin y Dolly Parton, un éxito tanto de taquilla como de crítica. Y cumplió su sueño de trabajar junto a su padre: compró los derechos de On Golden Pond (Mark Rydell, 1981), la última película en la que trabajó Henry Fonda (y la que le dio un Oscar).

En 1982 lanzó su primer vídeo de ejercicios, Jane Fonda’s Workout, el cual es hasta día de hoy un clásico de los vídeos de ejercicio y la cultura popular. En total, la actriz lanzó 23 vídeos de ejercicios durante su carrera, y vendió 17 millones de copias combinadas. Además de publicar cinco libros sobre ejercicios y trece programas de ejercicios en audio.

En 1986 volvió a ser nominada a un Oscar. La película: The Morning After (Sidney Lumet), protagonizada junto a Jeff Bridges. En 1990 se retiró del cine, después de protagonizar junto a Robert DeNiro Stanley and Iris (Martin Ritt). Poco después se casó con Ted Turner, de quien se divorció en 2001. Y en 1994, se convirtió en Embajadora de la ONU.

Su regreso al cine fue con la comedia Monster-in-Law (Robert Luketic), en 2005. Ese mismo año publicó su autobiografía, My Life So Far, en la que describe su vida en tres actos -cada uno de treinta años- y asegura que tercer acto será el más importante.

En 2007 se unió a Garry Marshall en Georgia Rule, y en 2009 volvió al teatro interpretando a Katherine Brandt en las 33 Variaciones de Moises Kaufman y resultó nominada a un Tony por su trabajo en la obra.

Ese mismo año comenzó a mantener blog donde comentaba su regreso al teatro, entre otros intereses, y se enganchó a internet: la actriz es usuaria activa de YouTube, Twitter y Facebook.

También en 2007, el Festival de Cannes le otorgó la Palm D’Or Honoraria, privilegio que comparte con Jeanne Moreau, Alain Resnais y Gerard Oury. En 2008 entró al Salón de la Fama de California. Y un año después conoció a su actual pareja, el productor musical Richard Perry.

En 2010 se le diagnosticó cáncer de mama, del cual hoy se ha recuperado. Ese mismo año lanzó dos nuevos vídeos de ejercicios -ahora DVDs-, pensados para un público más mayor (o, mejor dicho, el mismo público que había comprado sus vídeos en los ochenta).

En 2011 publicó el libro Prime Time: Love, health, sex, fitness, friendship, spirit—making the most of all of your life, en el que cuenta historias autobiográficas, y otras que le han contado, y da consejo sobre cómo vivir mejor a partir de los 45 años.

Y prácticamente no ha parado desde entonces, en cine y en televisión: tuvo un papel recurrente en la serie de HBO The Newsroom, ha participado en la serie Grace & Frankie, y en 2015 estrenará Fathers & Daughters (Gabriele Muccino) y La giovinezza (Paolo Sorrentino).

15 dic. 2014

Gone Girl


Creo que es bastante difícil ver Gone Girl y no quedarse con una sensación muy fea. No porque la película sea mala, sino porque la historia que cuenta da muy mal rollo. Y esa es justamente la intención de David Fincher.

Sabía muy poco sobre el libro, algo que encontré positivo porque cuando empecé a ver la película no esperaba nada más que el misterio de la esposa perdida. Me tomó por sorpresa sospechar tan pronto la resolución del misterio, y me encontré reflexionando sobre muchísimas cosas cerca del final. 

Gone Girl despista completamente acerca de la historia que va a contar, hace pensar y acompaña perfectamente algo que había leído sobre Gillian Flynn (la escritora de la novela y guionista de la película): cuando comenzó a escribir ambos personajes le caían bien, pero a medida que avanzaba en la historia se dio cuenta que realmente no eran tan buenos como pensaba. Al final, aunque haya "un malo", el "bueno" tampoco es tan bueno.

Algo que esperaba con muchas ganas era la banda sonora, pero resultó que me metí tanto en la historia que al final apenas le presté atención. No ocurrió lo mismo con el trabajo de cámaras, algo que me flipa del cine de Fincher y que no me decepcionó. 

Me gustó mucho Rosamund Pike, y también me gustó Neil Patrick Harris. Ben Affleck me resultó un poco soso, pero quizás era la intención de Fincher: que no termináramos de leer a su personaje y que no conectáramos con él. Al final, no pude sentir pena cuando pensaba que debía, ni por Nick ni por Amy Dunne.

Las más de dos horas que se ha tomado Fincher para contarnos la historia no se me hicieron largas, y el resultado me gustó. Gone Girl es una película que cumple, con el estilo característico de David Fincher. Lo único que me faltó fue algo que realmente me fascinara, que me dejara de boca abierta como lo han hecho otras películas del director. Pero, aunque me fallara eso, Gone Girl me ha gustado.

12 dic. 2014

Home Sweet Home

Hay algo en esta historia sobre casitas viajeras que me ha llegado, y por eso he elegido compartir hoy Home Sweet Home. Se trata de un cortometraje realizado por Pierre Clenet, Alejandro Diaz, Romain Mazevet y Stéphane Paccolat. Un corto que, como podéis ver, ha sido proyectado en varios festivales y ya tiene algún que otro premio.

 

¡Buen fin de semana!

10 dic. 2014

La familia Fonda: Henry

El apellido Fonda nació de inmigrantes procedentes de Génova (Italia) que se asentaron en los Países Bajos durante el siglo XV. Algunos miembros de esa familia formaron parte de los primeros en emigrar a lo que hoy se conoce como New York (Estados Unidos) en 1642, y fueron los que le dieron el nombre al pueblo de Fonda, en el estado de New York. 

A finales del 1800, la mayoría de los descendientes de la familia, que habían continuado la costumbre de emigrar, residían en el estado de Nebraska. Allí es donde nació Henry Fonda, el primero de la familia en conocer el estrellato en Hollywood. 

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/65/Henry_Fonda_-_USN.jpg


Henry nació el 16 de mayo de 1905, en Grand Island (Nebraska). Sus padres eran William Brace Fonda, un trabajador dedicado a la publicidad y la imprenta, y Elma Herberta Jaynes.

Henry no soñaba con ser actor: quería ser periodista y, mientras lo conseguía ayudaba a su padre en la imprenta. Su hobby era dibujar. A los 20 años debutó como actor en la Omaha Community Playhouse, después de que Dodie Brando -la madre de Marlon Brando- le convenciera de probar conseguir un papel. La obra era You and I, y Henry interpretaba a Ricky.

El escenario le gustó, al igual que todo lo relacionado con el teatro. Su afición continuó, y cuando obtuvo el papel principal en Merton of the Movies descubrió que podía dedicarse a ello completamente. Fue entonces que decidió abandonar su trabajo y probar suerte con la actuación.

Se mudó a Cape Cod, donde obtuvo un papel en la Cape Playhouse; y de allí a Falmouth, donde se unió a la compañía University Players. Después, decidió probar suerte en New York junto a un colega de la compañía: James Stewart. Ambos compartieron piso y trabajaron en Broadway durante los años de la Gran Depresión.

Henry Fonda obtuvo su primer papel en Hollywood en 1935: el protagónico junto a Janet Gaynor en The Farmer Takes a Wife (papel que también interpretó en Broadway). Su colega Stewart pronto se unió a él en Los Angeles. Allí también compartieron piso, y fueron vecinos de Greta Garbo.

La crítica adoraba a Fonda, quien continuó con papeles protagónicos en I Dream Too Much (1935), The Trail of the Lonesome Pine (1936) -la primera película en Technicolor rodada en exteriores-, The Moon’s Our Home, You Only Live Once (1937), Jezebel (1938), Young Mr Lincoln (1939), Jesse James (1939) y Drums Along the Mohawk (1939). A finales de los años treinta ya había trabajado junto a Bette Davis, y bajo las órdenes de Fritz Lang y John Ford.

El éxito con la crítica le consiguió el papel de Tom en The Grapes of Wrath (1940) y un contrato por siete años con la Twentieth Century-Fox. Y el papel de Tom, una nominación al Oscar. Su carrera continuó con papeles protagónicos en The Return of Frank James (1940) junto a Gene Tierney, Preston Sturges' The Lady Eve (1941) y Rings on Her Fingers (1942) junto a Barbara Stanwyck.

Durante la Segunda Guerra Mundial, se tomó un descanso de la actuación para unirse al ejército americano. Después de la guerra, decidió continuar su sabático y disfrutar de las fiestas de Hollywood. 

En 1946 regresó al cine interpretando a Wyatt Earp en My Darling Clementine (1946), nuevamente bajo las órdenes de John Ford. Una vez completó su contrato con la Fox, decidió retornar a Broadway. En 1948 ganó un Tony por su interpretación en Mister Roberts.

En 1955 volvió al cine reinterpretando su papel de Mister Roberts junto a James Cagney y Jack Lemmon. Durante el rodaje de la película tuvo un encontronazo con John Ford, y juró no volver a trabajar para él. La pelea con Ford no afectó su carrera: en 1956 rodó War and Peace junto a Audrey Hepburn, y The Wrong Man bajo las órdenes de Alfred Hitchcock

En 1957 produjo y protagonizó 12 Angry Men, dirigida por Sidney Lumet. La película obtuvo nominaciones al Oscar y los Golden Globes, y le valió un BAFTA al Mejor Actor. La película fue un desastre económico a pesar de los premios, y Fonda prometió no volver a producir por miedo a que afectara su carrera. No cumplió con su promesa: en 1959 produjo la serie para televisión The Deputy, la que también protagonizó.

Su carrera en los años sesenta se centró, mayoritariamente, en películas de guerra y westerns: The Longest Day (1962), How the West Was Won (1962), Fail-Safe (1964), In Harm’s Way (1965), Battle of the Bulge (1965), entre otras.

Durante los setenta, Fonda continuó trabajando en teatro, cine y televisión. En 1973 obtuvo una nominación a los Emmy por la serie de tv The Red Pony, y en 1974 una nominación a los Tony por su papel en Clarence Darrow.

En 1974 tuvo un colapso durante una presentación en Broadway, y poco después fue diagnosticado cáncer de próstata. En 1975 regresó a Broadway y continuó trabajando hasta 1978, cuando por consejo de sus médicos decidió retirarse del teatro. 

Para finales de los setenta, la carrera de Fonda dio un giro: se dedicó al cine catástrofe. Pero no era el único que buscaba suerte en el género: compartió cartel con una joven Helen Hunt, Olivia de Havilland, Sean Connery, Natalie Wood, Ava Gardner y Brooke Shields.

Cada vez se tomaba descansos más largos entre películas por motivos de salud.  Los críticos tomaron nota de que era hora de reconocer su carrera: en 1979 entró en el Salón de la Fama del Teatro americano.

Pero Fonda no pensaba en retirarse. En los ochenta se dedicó mayoritariamente a la televisión; pero también obtuvo un Oscar y un Golden Globe por su trabajo en On Golden Pond (1981). No pudo recogerlos por motivos de salud. Su último rol fue en televisión: Summer Solstice (1981), un drama rodado poco después de On Golden Pond.

Henry Fonda murió el 12 de agosto de 1982. No tuvo funeral, porque así lo quiso. Se había casado cinco veces, y tuvo tres hijos. Con su tercera esposa, Frances, tuvo a Jane y Peter, quienes también se dedicaron al cine con éxito. De ellos, y de los demás miembros de la familia que se dedicaron al cine, os hablaré en las próximas semanas.

8 dic. 2014

Magic in the Moonlight


Después de los últimos altibajos de Woody Allen ya no sabía qué esperar con Magic in the Moonlight. Las críticas no la habían puesto tan bien como esperaba, y la verdad es que tenía miedo de lo que podía llegar a encontrarme. Sin embargo, no me pareció una película mala.

Magic in the Moonlight resulta un poco floja comparada con Blue Jasmine o Midnight in Paris; pero no es de lo peor que he visto hacer al viejo Woody. Me resultó entretenida, me reí. Es verdad que la historia tiene una resolución un poco floja, pero confieso que no me la esperaba. Estuve todo el tiempo intentando dar con el secreto de Emma Stone, y por alguna extraña razón no me esperaba que fuera tan simple. Y sí, el final edulcorado no terminó de gustarme.

Lo que más me ha gustado de Magic in the Moonlight -además de lo bonito que es el sur de Francia- han sido los diálogos que intercambian Emma y Colin Firth. Ambos me encantan, y me han arrancado unas cuantas risas. Pero no es muy difícil que ambos me hagan reír, y sus personajes no se alejan mucho de la idea que tengo de los dos: Emma con sus caretos, su forma de hablar; y Colin, ese eterno caballero inglés acartonado.

Como siempre, me ha gustado muchísimo lo que ya estoy acostumbrada a ver en el cine de Woody: la fotografía de las últimas películas me gusta mucho, la música siempre me gusta (creo que me he aficionado al jazz de tanto ver su cine), las secuencias coreografiadas... Magic in the Moonlight es bastante entretenida. No es el mejor Woody Allen, pero me lo he pasado bien viéndola.


Empiezo a creer que esto de estrenar una película al año se está haciendo pesado para Woody, y que a veces le cuesta un poco encontrar la forma de contarnos las mismas historias de siempre. Pero me alegra que, al menos esta vez, y al menos en mi caso, no me llevara una gran decepción al ver su nueva película. A ver con qué nos sorprende el próximo año.

5 dic. 2014

Sangre de Unicornio

Lo que os traigo hoy es un cortometraje de Alberto Vázquez que ha sido seleccionado para varias competiciones y preseleccionado para los Goya 2015: Sangre de Unicornio. La historia de estos dos ositos cazando unicornios me ha sorprendido, y la animación me ha encantado.


¡Buen fin de semana!

3 dic. 2014

13 datos curiosos sobre 2001: A Space Odyssey


Regreso a las listas de curiosidades, hoy con un clásico de Stanley Kubrick: 2001: A Space Odyssey.
  1. La idea original para 2001: A Space Odyssey era una serie de segmentos en los que se exploraban varios planetas -y sus lunas-, y terminaba con el descubrimiento del monolito en la  -nuestra- luna. La llamaron (en broma): “How the Solar System was Won”.
  2. Uno de los borradores del guión tenía narración.
  3. Los paisajes africanos de las escenas iniciales son fotografías.
  4. Los primeros humanos acabaron siendo más simios que humanos por culpa del sistema de calificación: si Kubrick les mostraba desnudos, la película iba a recibir la calificación X.
  5. HAL iba a ser un robot, pero pensaron que pronto sería una tecnología obsoleta. Una vez se decidieron por el ojo que todo lo ve, pensaron en hacerlo mujer y llamarla Athena.
  6. La hija del Dr. Floyd es Vivian Kubrick, hija del director.
  7. La banda Pink Floyd recibió una oferta para crear la banda sonora. No pudieron aceptar porque tenían otros compromisos.
  8. 2001 iba a terminar como el cuento en el que está basada (The Sentinel, de Artur C. Clarke): descubriendo el tercer monolito en una luna de Saturno. Pero, debido a que el equipo de efectos especiales no lograba anillos convincentes, se cambió de idea. 
  9. Se tardaron 12 horas en colocar el maquillaje de anciano a Keir Dullea.
  10. La película tiene un total de 88 minutos sin diálogos, de los cuales 25 son al comienzo y 23 al final (sin contar los créditos).
  11. Kubrick organizó un preestreno para críticos, y se arrepintió: todas las críticas fueron negativas.
  12. 241 personas abandonaron la sala durante la première.
  13. Kubrick eliminó 19 minutos de los 158 originales después de la première, de modo de que 2001 tuviera un ritmo más rápido.
¿Conocéis algún dato curioso más? ¡Espero leerlo en los comentarios!

Para terminar, os dejo un documental sobre la producción de la película (en inglés):

1 dic. 2014

Gimme Shelter


Para que se tome en serio a un actor, éste suele escoger papeles duros, dramáticos. Esa es la receta que sigue Vanessa Hudgens con Gimme Shelter. Y, para mi sorpresa, el resultado es bastante mejor de lo que imaginé (realmente no le tenía mucha fe a la chica).

A pesar de basarse en hechos reales, la historia me resulta un poco irreal: la hija de una prostituta adicta escapa de su madre y decide pedir refugio a su padre, que ahora trabaja en Wall Street y vive en un palacete. Pero, claro, la mujer de su padre no la quiere. Y el hecho de que este embarazada no ayuda.

La vida de su personaje no ha sido nada fácil: ha pasado por varios refugios, han abusado de ella... Vamos, el paquete completo. Pero, no temáis: ya sabéis cómo terminan estas historias en el cine (no cuenta como spoiler, ¿verdad?).

Posiblemente lo mejor de la película sea Rosario Dawson. En las pocas escenas que aparece, mete miedo y deja su huella. Vanessa Hudgens cumple con su papel aunque, debido a lo predecible de la historia y el papel que interpreta, no terminó de convencerme.

El resultado me ha recordado a una tv movie: pasteloso, irreal, predecible. Sé que es difícil resumir en poco menos de dos horas una historia con tantos detalles, pero quizás me habría gustado que no diera un giro tan radical de una escena a la siguiente, que fuera más realista a la hora de narrar el embarazo y parto de una adolescente.

Al final uno se queda con la idea de que su padre no tenía interés en ella. Que sólo aparezca en determinados momentos y de repente sea el padre del año… pues no me lo creo. Creo que se ha intentado resumir demasiado y se han quedado detalles que podrían haber resultado interesantes por el camino.

Después de ver Gimme Shelter entiendo por qué no ha sonado, y no me sorprenderá cuando llegue una tarde de domingo en la que me la encuentre por casualidad en tv.

28 nov. 2014

Bottle Rocket: el cortometraje

Puede que no lo sepáis, pero  Bottle Rocket (Wes Anderson, 1996) comenzó siendo un cortometraje. El Bottle Rocket "original" fue escrito por Wes Anderson y Owen Wilson, dirigido por el primero y protagonizado por el segundo (junto a su hermano Luke). 

Es interesante ver el cortometraje para descubrir cómo elegía contar las historias el Anderson principiante, ver las diferencias con lo que asociamos hoy a su estilo. Y, como siempre digo, para comprobar que no se nace sabiendo, y que hacer es la mejor forma de aprender.


¡Buen fin de semana!

26 nov. 2014

10 consejos de Francis Ford Coppola


Me resultó muy curioso que Francis Ford Coppola se negara a dictar una masterclass durante el Festival de Marruecos de 2010: es un director con muchísima experiencia y con un par de clásicos a sus espaldas. 

Resulta que Coppola aún se considera un aprendiz del cine, y por ello no se ve apto para dictar clases. Pero eso no significa que se niegue a dar consejos a los aspirantes a cineastas. Hoy os traigo 10 consejos que he extraído de una entrevista que concedió durante ese festival.

1. Nunca se termina de aprender

El cine es producto de la experimentación, y es un arte joven comparada con las demás. Coppola dice que, después de tantos años haciendo cine, aún continúa aprendiendo en el set.

2. Arriésgate

El riesgo es una parte importante del arte. A pesar de que la industria ahora no arriesga, que los productores se niegan a permitir al cineasta experimentar, si no lo hacemos estancaremos ese arte. Hay que hacer lo que uno quiere hacer, correr riesgos para innovar.

3. Copiar no es malo

“Una vez encontré un texto de Balzac donde hablaba de un joven escritor que había robado parte de su prosa. Lo que me emocionó fue que decía: ‘Fui tan feliz cuando este joven se inspiró en mí’. Porque eso es lo que queremos. Queremos que nos copien. No pueden robarnos, pero pueden tomar lo que les damos, darle su propia voz y, así, encontrar la suya.”

4. El arte no siempre da de comer

Coppola recuerda a los artistas del pasado, que hacían trabajos por encargo. Y dice que, si no quieres que te digan lo que hacer, consideres tener otro trabajo: 

“Yo tengo otro trabajo. Hago películas. Nadie me dice qué hacer. Pero el dinero que gano viene de la industria del vino. Trabaja y levántate a las 5 de la mañana a escribir tu guión.” 
“...Quizás, en la nueva era, el arte sea gratuito. Quizás aquellos que dicen que podrían descargarse música y películas gratis no están equivocados. Me odiarán por esto, pero ¿quién dice que el arte debe costar dinero? Y, en consecuencia, ¿quién dice que los artistas deben hacer dinero?”. 

Y recuerda: antes no había royalties, al artista se le pagaba una sola vez por su trabajo.

5. Escucha a los demás

No seas de esos directores que saben todo y no escuchan las opiniones de los demás. Tú tomarás las decisiones, pero recuerda que el cine es una colaboración. 

6. Trata de definir el tema de la película en una o dos palabras. Te ayudará a tomar decisiones

“Siempre supe cuál era el tema en mis películas. En The Godfather era la sucesión. En The Conversation, la privacidad. En Apocalypse Now!, la mortalidad”. 

Durante el rodaje de The Conversation le presentaron varias chaquetas y le preguntaron cómo quería que se viera el protagonista. Para decidirse pensó en el tema (privacidad), y eligió la chaqueta de plástico transparente.

7. Usa la improvisación como forma de acercar a los actores a sus personajes

Cuando Coppola iba a rodar The Godfather sabía que Al Pacino, James Caan, Robert Duvall y John Cazale estaban nerviosos por conocer a Marlon Brando. Así que organizó una reunión de improvisación. 

Les citó en un restaurante y les pidió que fueran hambrientos. Organizó todo para tener una mesa privada, con decoración hogareña. Se sentó en la cabecera de la mesa junto a Brando, sentó a Pacino a la derecha y a Caan a la izquierda. Cazale y Talia Coppola servirían la comida. Lo que hizo fue darles los elementos para facilitar que se metieran en sus papeles

8. Si vas a adaptar una novela, no intentes meter todo en el guión

Las novelas son muy largas y tienen muchos personajes. Cuando leas la novela, anota directamente sobre el libro lo que sientes, subraya las sensaciones fuertes. Verás que algunas páginas tendrán muchas notas, y otras quedarán vacías. 

Revisa tus notas, agrega más notas y observaciones. Verás como, naturalmente, algunas cosas te sobrarán (páginas, personajes que quizás puedes combinar). Una vez tengas claro qué usarás y qué no, puedes empezar el primer borrador de tu guión.

9. Sé coherente contigo mismo

“Que tu trabajo sea siempre personal. Y nunca mientas. Si mientes, te descubrirás. Siempre descubrirán tus mentiras. Es muy importante que el artista no mienta, y más importante que no te mientas a ti mismo”. 

10. La mayor barrera para el artista es la falta de confianza en sí mismo

Confía en tu visión, dale tiempo a madurar. Sé paciente. Todos somos inseguros y odiamos instantáneamente lo que hacemos. No lo descartes, quizás mañana te des cuenta de que no era tan malo.


Podéis leer la entrevista (en inglés) aquí.

24 nov. 2014

The Hundred-Foot Journey


Tenía ganas de ver algo como The Best Exotic Marigold Hotel, ganas de una historia de esas que me divierten y a la vez me dicen algo. The Hundred-Foot Journey era exactamente lo que necesitaba. No siempre es necesario encontrarse con películas con imágenes fascinantes, a veces uno tiene ganas de desconectar, y en esos momentos es bueno saber a qué clase de cine recurrir. 

He llegado al punto en el que, cuando me dispongo a ver una película de Lasse Hallström, ya sé qué me voy a encontrar. Y también sé que, aunque no me sorprenda, siempre me gustará la historia que me contará. Con The Hundred-Foot Jouney, Hallström me regaló exactamente lo que buscaba y  lo que tenía ganas de ver.

Me encontré con una historia sencilla, sin giros sorprendentes. Una historia que habla de casualidades, de encontrar tu lugar en el mundo sin olvidar tus raíces, de tolerancia, de integración. Me encontré una historia que me hizo sonreír, que era exactamente lo que quería cuando elegí verla. 

The Hundred-Foot Journey es una película que no promete más de lo que entrega. Es sencilla, arranca sonrisas y no pretende ser nada más que eso. Como siempre, la película adecuada llega en el momento en que uno la necesita. Y esta vez, llegó de la mano de Lasse Hallström, ese director del que siempre sé qué esperar.

20 nov. 2014

Moongirl

Hoy he decidido compartir Moongirl, un cortometraje dirigido por Henry Selick (Nightmare Before Christmas, James and the Giant Peach) en 2005, y realizado por los entonces novatos estudios Laika (Coraline, ParaNorman, The Boxtrolls).

Moongirl podría considerarse un ensayo: no está realizado en stopmotion -como las películas que el estudio ha producido con tanto éxito-; pero en él veréis las semillas del estilo que caracteriza sus producciones.


¡Buen fin de semana!

19 nov. 2014

Detrás de cámaras: Sunset Boulevard

Hoy he decidido contaros un poco más sobre Sunset Boulevard, el clásico film noir de Billy Wilder - estrenado el 10 de agosto de 1950 - que obtuvo 11 nominaciones a los Oscars y ganó tres de ellos: guión, dirección de arte y banda sonora. 


Sobre la película

Los negativos originales de Sunset Boulevard no han sido conservados. Las restauraciones para DVD y Blu-ray se realizaron sobre interpositivas de 35mm del año 1952.

Fue la última colaboración de Billy Wilder y Charles Brackett. Wilder decidió terminar una colaboración que había producido 17 guiones por una discusión sobre el montaje de una escena de Sunset Boulevard. El tercer guionista, D.M. Marshman Jr., fue contratado por haber dejado una buena impresión en los primeros dos: era un periodista que había realizado una crítica sobre The Emperor Waltz (1948). 

En su libro  "On Sunset Boulevard: The Life and Times of Billy Wilder", Ed Sikov cuenta que, durante una fiesta una señora preguntó a Wilder sobre el significado de la escena del mono. El director le respondió: “¿No lo entiende? Antes de que llegara Joe Gillis, Norma Desmond se acostaba con el mono”.

Junto a la escena del mono, la escena final era otra de las que más preguntas despertaba. Y Wilder lo odiaba: le frustraba que la gente considerara que el final es ambiguo, y que le preguntaran qué ocurre con Norma después. El director decía que no había después: Norma está mal de la cabeza, y eso es todo. 

Darryl F. Zanuck, Olivia de Havilland, Tyrone Power y Samuel Goldwyn prohibieron que sus nombres fueran usados en la película. Sin embargo, Wilder no hizo caso a todos y, Zanuck y Power son mencionados. Greta Garbo sí que permitió que se usara su nombre, pero se arrepintió al ver la película: no le gustó nada que se hablara de ella en pasado.

Cuenta la leyenda que, después de un preestreno de Sunset Boulevard en Paramount, Louis B. Mayer y Billy Wilder tuvieron un encontronazo: Mayer le gritó a Wilder que había arruinado la reputación de su profesión, y Wilder le respondió “Fuck you” (no necesita traducción, ¿verdad?).

No todas las reacciones de Hollywood fueron negativas: Barbara Stanwyck se arrodilló ante Gloria Swanson y besó sus pies, y Mary Pickford abandonó la sala porque estaba demasiado emocionada y no quería que la vieran en ese estado.

Gloria Swanson esperaba que su carrera reviviera después de Sunset Boulevard, pero descubrió que sólo le ofrecían papeles similares al de Norma Desmond. Desencantada, decidió retirarse y sólo realizar pequeñas apariciones en cine.

Según Cameron Crowe, un típico día en la oficina de Billy Wilder consistía en el director atendiendo llamadas de personas interesadas en hacer una remake de Sunset Boulevard. La reacción de Wilder era siempre la misma: les contestaba que no era dueño de los derechos y colgaba el teléfono.


Las localizaciones

La mansión de Norma Desmond no se ubicaba en Sunset Boulevard, sino en el 3810 de Wilshire, en la esquina de Crenshaw e Irving Boulevard. Fue construida en 1924 por William Jenkins, y costó 250.000 dólares. La casa fue demolida en 1957, y en su lugar se construyeron oficinas.

La piscina fue construida para la película, como pago por el alquiler de la mansión para el rodaje. También podéis ver la piscina -vacía- en Rebel Without a Cause (Nicholas Ray, 1955). El primer piso de la mansión también puede verse, en color, en Fancy Pants (George Marshall, 1950).

El coche de Norma es un Isotta-Fraschini que había pertenecido a Peggy Hopkins Joyce (socialite de los años veinte). Fue un regalo de su amante, el magnate automovilístico Walter Chrysler.

Los estudios Paramount, que también son escenario de la historia, estaban encantados de serlo: la película había generado tanto interés que aumentó el número de visitantes. Si alguna vez visitáis los estudios y seguís las indicaciones que da el guardia para llegar al plató número 18 y encontrarse con DeMille, llegaréis al que supo ser el “DeMille Stage”, uno de los platós más grandes del lote. Hoy recibe el nombre “Star Trek Stage”, ya que fue escenario de las películas y series de Star Trek previas a The New Generation. Esta última fue rodada debajo de lo que en Sunset Boulevard es la oficina de Betty Schaefer, una de las oficinas que acabó siendo parte del departamento de arte de Star Trek.


Norma Desmond

El nombre está “inspirado” en la actriz de cine mudo Norma Talmadge y el director William Desmond Taylor

Mae West rechazó el papel porque consideraba que era demasiado joven para interpretar a una actriz de cine mudo. Norma Shearer también lo rechazó: consideraba que era un personaje de mal gusto. Greta Garbo, Mary Pickford y Pola Negri también fueron consideradas para el papel: la primera no tenía interés en regresar al cine, la segunda no lo consiguió porque Wilder consideraba que su imagen no era la adecuada, y la tercera lo perdió por su fuerte acento (el cual había arruinado su carrera con la llegada de las talkies).

Gloria Swanson fue sugerida por George Cukor. La actriz se había retirado del cine y vivía en New York, trabajando en radio y televisión. Billy Wilder quería hacerle una prueba de cámaras, y Swanson no estaba convencida de hacerlo; pero Cukor insistió y la convenció de hacer la prueba. Recibió un salario de 50.000 dólates, y 5.000 más por cada semana extra.

Las fotografías de los días de gloria de Norma eran fotografías publicitarias originales de Gloria Swanson. La cama de Norma , que había pertenecido a la actriz francesa Gaby Deslys, no debutaba en cine: podéis verla en Phantom of the Opera (Rupert Julian, 1925) y, pintada de blanco, en 20th Century (Howard Hawks, 1934), entre otras.

Según la hija de Gloria Swanson, la actriz no abandonaba a su personaje al terminar la jornada: al llegar a casa, aún hablaba como Norma Desmond. El día en que terminó el rodaje de sus escenas, Swanson regresó a casa y le anunció a su hija que “ya no tenían compañía”.

Joe Gillis

El nombre de este personaje cambió varias veces: en los primeros borradores era Dan, luego se cambió a Dick y, justo antes de empezar a rodar, se decidió que sería Joe.

Originalmente iba a ser interpretado por Montgomery Clift. El actor rompió el contrato dos semanas antes de comenzar a rodar, y Billy Wilder ofreció el papel a Fred MacMurray; pero éste rechazó la oferta. Se pensó en Marlon Brando; pero no le consideraban suficientemente conocido. También en Gene Kelly; pero MGM no le permitió aceptar la oferta. 

Como última opción, Billy Wilder se reunió con William Holden. Wilder no estaba convencido de ofrecerle el papel porque no tenía muy buena impresión de su trabajo; pero decidió darle una oportunidad. El resultado fue tan bueno que ambos trabajaron juntos en varias películas y se convirtieron en buenos amigos. 

Otros actores y cameos

  • Nancy Olson era prácticamente una debutante en cine: era su tercer trabajo en pantalla. Wilder la eligió porque buscaba una cara poco conocida.
  • Eric von Stroheim no le tenía mucho aprecio al papel que interpretó. Se refería a él como “aquél rol de mayordomo”.
  • En la escena del juego de bridge podemos ver a Anna Q. Nilsson, Buster Keaton y H.B. Warner. El último aceptó hacer su aparición después de que William Haines declinara la oferta.
  • Cecil B. DeMille aceptó realizar un cameo por 10.000 dólares y un Cadillac. Después del rodaje de su escena, Wilder regresó para pedirle rodar un primer plano. DeMille le cobró 10.000 dólares más.
  • Jay Livingston y Ray Evans, el dúo de compositores de la Paramount, aparecen durante la escena de la fiesta de Nochevieja. En su escena, interpretan una parodia de "Buttons and Bows", de la película The Paleface (Norman Z. McLeod, 1948), por la que ganaron un Oscar.


Anécdotas del rodaje

Como resultado del miedo de los guionistas a que Hollywood reaccionara negativamente al proyecto, Sunset Boulevard recibió un nombre en código durante la producción: “A Can of Beans” (literalmente, una lata de judías).

En una de las tomas de la escena inicial la cámara parece estar en el fondo de la piscina, mostrándonos el cuerpo de Joe y los policías que van a sacarlo. Rodar bajo agua y lograr una imagen tan clara era imposible, por lo que se colocó un espejo en el fondo de la piscina y se filmó el reflejo. 

La película, en realidad, no comenzaba con la escena de la piscina. Iba a comenzar y terminar en la morgue de Los Angeles: el cuerpo de Joe entraba en la morgue para unirse a otros cadáveres, y allí conversaba con ellos sobre la forma en la que habían muerto. La escena se rodó y se probó en varias proyecciones, en las que el público reaccionó con risas. Como no era lo que Wilder buscaba, retrasó el estreno (seis meses) y rodó la escena de la piscina. 

John Seitz creó el ambiente de algunas escenas echando polvo en el aire para que las luces lo atraparan, una técnica que también utilizó en Double Indemnity (Billy Wider, 1944). Hans Dreier, el diseñador de arte, había sido decorador de estrellas del cine mudo: entre sus clientas estaban Bebe Daniels, Norma Shearer y Pola Negri.

Wally Westmore (diseñadora de maquillaje) comenzó su trabajo partiendo de la idea de que Gloria Swanson necesitaba verse mayor. Pero Swanson creía que su apariencia no debía cambiar, ya que su personaje debía estar obsesionada con mantenerse joven. Wilder estuvo de acuerdo, y Westmore tuvo que conseguir que William Holden se viera mayor. Los protagonistas tenían unos 20 años de diferencia.

Edith Head (diseñadora de vestuario), tuvo muchos problemas para decidirse sobre qué vestiría Norma. Consultó con Gloria Swanson, ya que pensaba que la actriz tendría una mejor idea sobre lo que le gustaría llevar a su personaje. No lo tuvo tan difícil con otros personajes: Erich von Stroheim y Nancy Olsen usaron prendas propias para resultar más auténticos. 

Durante el rodaje de la escena del beso entre William Holden y Nancy Olson, Wilder quiso hacerles una broma: les dejó besarse durante varios minutos, sin cortar la escena, a pesar de que ya había conseguido lo que buscaba en la primera toma. Quien detuvo la escena fue la esposa de Holden, Brenda Marshall, quien estaba de visita en el set.

Cuando el equipo preguntó a Wilder cuál era el plan de rodaje de la escena del entierro del mono, el director respondió: “Ya sabéis, una secuencia típica de funeral de mono”.

Eric von Stroheim no sabía conducir. Todas las escenas en las que conducía se rodaron con un coche remolcando al que llevaba a los actores, y la escena de la llegada a los estudios Paramount con un grupo de hombres que tiraban de una cuerda atada al coche. 

Gloria Swanson rodó la escena final descalza: tenía pánico de caerse si usaba tacones, porque no podía mirar dónde pisaba. Cuando terminó la escena, se largó a llorar.

Guiños y referencias

Joe se presenta como un guionista que vive en los apartamentos de la calle Ivar. Si prestáis atención, en esa escena puede verse el nombre de esos apartamentos: Alto Nido. Se trata de una referencia a un guionista, de los años veinte y treinta, que vivía en los apartamentos Alto Nido (1851, Ivar Street): Eugene Walter.

Cuando Joe dice: “They’ll love it in Pomona” (le encantará a los de Pomona), se trata de una referencia al pueblo de Pomona, en la ciudad de California. Se trata de uno de los pueblos que se utilizaban durante la Era Dorada de Hollywood para los preestrenos de prueba con audiencia.

La película que ven Joe y Norma es Queen Kelly (1929), protagonizada por una joven Gloria Swanson. El director de esa película fue Erich von Stroheim, quien interpreta al mayordomo, y quien proyecta la película durante esa escena. 

La farmacia Schwab’s es un guiño a una verdadera farmacia y fuente de sodas que se encontraba en el cruce de Sunset Boulevard y Crescent Heights Boulevard: el sitio era frecuentado por actores, directores, guionistas y productores; y es allí donde muchos dicen que fue descubierta Lana Turner (aunque otros sitúan el descubrimiento en otra farmacia). Schwab’s fue derruida en 1988, y en su lugar se construyó un cine y un centro comercial.

Cuando Joe explica que el cuadro que cubre la pantalla de la mansión de Norma fue un regalo de alguna Cámara de Comercio de Nevada, se trata de un guiño a la actriz Clara Bow: su marido, Rex Bell, fue presidente de la Cámara de Comercio de Nevada.

El grito de Cecil B. DeMille: “Wilcoxon!” hace referencia a Henry Wilcoxon, quien protagonizó Cleopatra (1934), The Crusades (1935) y Unconquered (1947) antes de convertirse en productor asociado de DeMille

El set donde se desarrolla el cameo de DeMille es el de una de sus películas: Samson and Delilah (1949), la cual estaba rodando en ese momento. Billy Wilder quería que Hedy Lamarr también hiciera un cameo durante esa escena, pero DeMille pidió 25.000 dólares extra y Wilder prefirió no hacerlo.

Cecil B. DeMille llamaba cariñosamente "Young Fellow" (jovencito) a Gloria Swanson. Decía que el apodo se debía a que ella era más valiente que cualquier hombre. Es el mismo apodo con el que el director llama a Norma durante su escena juntos.

Durante la escena de DeMille, se menciona que Paramount llama a Norma porque quieren alquilar su coche para una película de Crosby. Se refieren a Bing Crosby, quien se había ganado el disgusto de Billy Wilder durante el rodaje de The Emperor’s Waltz: el actor había improvisado parte de sus diálogos, y Wilder detestaba que cambiaran o agregaran cosas a sus guiones.

Cuando Joe y Betty dan un paseo por los estudios, pasan por la plaza Washington que se usó en The Heiress (William Wyler, 1949). 


Como siempre: si sabéis algún dato interesante sobre la película, estáis invitados a aportar en los comentarios.

17 nov. 2014

Lucy



Lucy es un despropósito muy bonito de ver. Tan simple como eso. Por momentos creí que iba a alguna parte, pero cuando al terminar dice: "La vida nos fue entregada hace un billón de años. Ahora sabes qué hacer con ella", sólo pude preguntarme "¿qué se supone que tengo que hacer con lo que acabas de contarme?".

Creo que el mensaje se pierde. La teoría de que el tiempo es la unidad de medida me ha gustado mucho, pero no termino de comprar la historia. No entiendo muchísimas cosas que ocurren durante la película: ¿quién es el traficante y qué clase de droga trafica?. ¿por qué elige a Lucy?, ¿quiénes son las otras mulas?, ¿qué significa la escena en el baño del avión?, ¿por qué todo es tan irreal y no termino de conectarlo con este mundo?

Se supone que Lucy critica nuestro hambre por el poder, por destruirlo todo. Critica lo que hemos hecho con el mundo. ¿Era eso? ¿Había necesidad de mezclarlo con una historia de drogas para contarme la historia? ¿No había otra forma?

Veréis que tengo mil preguntas. De hecho, en este mismo instante me encantaría tener a Luc Besson delante para pedirle que me lo explique. Su cine me encanta, y sin embargo después de haber visto Lucy me he quedado ¡con tal sensación de desilusión!

Se han mezclado tantas cosas que al final no me he quedado con nada de lo que he visto. Pero, sí, hay recursos interesantes y planos que me han gustado mucho. Poco más. De ahí que piense que es un despropósito muy bonito de ver. Porque bonito es. Pero mi cerebro aún está confundido. Y creo que necesito ver una buena película de Besson para poder superar lo que acabo de ver.

14 nov. 2014

La petite mort

La petite mort llegó a mí gracias a uno de sus directores, Tensin R. Márquez. Desde aquí mi agradecimiento a Tensin y mi enhorabuena a él y a Eduardo Tejada, por haber realizado un cortometraje que me ha encantado y que me ha despertado unas enormes ganas de dedicar todo el fin de semana a ver nouvelle vague.


¡Buen fin de semana!

12 nov. 2014

5 claves del cine de Frank Capra

Eyes on Cinema es un canal de YouTube que se dedica a recopilar entrevistas en las que los directores desvelan sus técnicas o dan más detalles sobre sus películas. Hoy os traigo cinco claves del cine de Frank Capra, extraídas de una de esas entrevistas (la cual podéis ver al final del post).

Una película, un hombre

Capra puso como condición para su primera película que él sería quien se haría cargo de todo: escribir el guión, dirigir y editar. Y siempre lo hizo así porque creía que le permitía experimentar, cometer errores, solucionar problemas y mejorar.

No creía en los ensayos

Reunía a los actores por la mañana, les hacía leer sus líneas y corregía el tono. Posteriormente, mientras se montaba el escenario, les explicaba la escena y cómo esperaba que se desarrollara. Les hacía "ensayar" frente a la cámara y se quedaba con esa toma; porque creía que era la más cruda, la más real.

Buscaba la naturalidad de la escena en todo momento

Creía que la forma en que se rodaban los primeros planos hacía que el actor se quedara estático, no le permitía moverse naturalmente. Pensaba que las escenas no resultaban igualmente intensas. El proceso que seguía para hacerlos más realistas era rodar el plano general, solicitar el sonido, reproducirlo para el actor, e ir pausando cuando éste debía interpretar sus líneas en primer plano. 

Cuando el estudio le hizo saber que consideraba este proceso una pérdida de tiempo, comenzó a rodar con tres cámaras, rodando la escena general y los primeros planos al mismo tiempo. De este modo, lograba que la escena tuviera la naturalidad que pretendía.

Supervisaba siempre el montaje

Pensaba que el director es quien tiene en mente cómo quiere contar una historia, y por eso siempre estaba presente en la sala de montaje supervisando el proceso. Buscaba a los mejores editores y les pagaba muy bien para que hicieran su trabajo; pero no dejaba que lo hicieran a ciegas, sino que les guiaba. Y creía que no les molestaba su presencia en la sala.

Miraba sus propias películas en la sala, junto al público

Haciendo esto, notó que sus películas resultaban lentas, que el público -y él mismo- necesitaban que la acción fuera más rápida. Aprendió que las tomas panorámicas que duraban demasiado aburrían, y decidió acortarlas. Del mismo modo, comenzó a exigir a los actores que actuaran más rápido.

Claro que, a veces, la acción rápida no es lo mejor para mantener atenta a la audiencia. Esto era lo que funcionaba para sus historias; pero no funciona para todas. Creía que cada director debe encontrar la forma de contar una historia que funciona para cada situación (y para él mismo). 

Lo importante para Capra era hacer que la audiencia se metiera en la historia, que sintiera lo que debe sentir en cada escena. Y la mejor forma que encontró para descubrir qué funcionaba para él era sentarse en la sala junto a otras personas y observar las reacciones (las de los demás y las suyas).


Os dejo la entrevista completa (en inglés):