31 dic. 2013

Resumen 2013

¿Cómo que ya es 31 de diciembre? ¿Es que ya tengo que despedirme del 2013? Con lo bien que nos lo hemos pasado juntos, con tanto cine que hemos compartido… ¿Me prometéis que 2014 traerá aún más y mejor cine? ¿Por favor? ¿Y del independiente? Aún me quedan pendientes de 2013, pero me encantaría tener mucho más que ver en 2014.

 

Lo positivo

 

Las decepciones

 

Os dije que 2013 fue un año positivo. Este repaso me ha llevado a pensar que he tenido un año en el que aún a lo malo le he podido encontrar algo bueno. Y confieso que me gustaría que siguiera siendo así, en todos los aspectos de la vida.

Después del receso regresaré con cosas interesantes: me esperan títulos de esos que ya se habla y se hablará hasta marzo, y una lista de películas independientes que necesito descubrir cuanto antes. Quedan cosas del 2013 por ver, y 2014 viene con títulos que he estado esperando ansiosa. Seguro escribiré mucho, y espero hacerlo con muchas ganas. Sobre todo, porque sé que hay gente que me lee del otro lado :)

¡Feliz 2014!

20 dic. 2013

Doodlebug, un corto de Christopher Nolan

La mayoría de los directores de cine han jugado con una idea, en cortos o en pequeñas historias dentro de otras películas, antes de llevarla al cine: Almodóvar, Woody Allen, Tim Burton -por nombrar a algunos de mis favoritos-…  Me atrevería a decir que si repasamos la filmografía de cualquier director, encontraremos la semilla de algo que hizo o que hará.

Hoy os traigo un corto de la época universitaria de Christopher Nolan: Doodlebug. Tiene como protagonista a Jeremy Theobald, el mismo actor que trabajó en su primer largometraje: Following (1998). Definitivamente se puede encontrar en este corto al Nolan que hoy dirige grandes proyectos: mundos paralelos, efectos visuales… Doodlebug es Nolan, no hay dudas.

Antes de despedirme, os recuerdo que mañana es “El día más corto”, y que se celebra un festival de cortometrajes a nivel mundial. Podéis visitar la web de ED+C para descubrir cortometrajes españoles, o la de MyFrenchFilmFestival para cortometrajes franceses (subtitulados), entre otras. Me encantaría que, si decidís participar, me contéis qué cortos habéis visto, porque ¡seguro que descubrís muchas joyas!

Que tengáis un buen fin de semana, un buen viaje los que estáis de camino a ver a vuestras familias y, de paso: ¡Felices Fiestas!

18 dic. 2013

Un poco más sobre Mary Poppins

Desde hace años tengo una cita a la que no puedo faltar cuando se acerca la Navidad: ver Mary Poppins. Por eso, y porque se acerca el estreno de Saving Mr. Banks -película que tengo muchísimas ganas de ver-, pensé que sería interesante contaros un poco más acerca de la película.

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Mary Poppins fue uno de los proyectos que más le interesaron a Walt Disney. Tan orgulloso estaba del proyecto, que su inversión fue la más grande hasta entonces. Además, asistió a la premiere, cosa que no hacía desde Snow White and the Seven Dwarfs. Su proyecto resultó bien recibido (fue una de las películas que más recaudó ese año), y ganó 5 de los 13 Oscars a los que estaba nominado (incluido Mejor Película).

La idea de llevar Mary Poppins al cine surgió en 1938, cuando Walt Disney intentó comprar los derechos a P.L. Travers, autora de los libros de Mary Poppins. La autora no aceptó venderlos porque pensaba que la película no haría justicia a su personaje.

Sin embargo, no fue el único que pensó en llevarla al cine: Maureen O’Hara le presentó un proyecto a Disney para hacerlo, poco antes de que consiguieran los derechos de la película. Pero su proyecto fue rechazado. Supongo que porque Disney tenía una idea muy clara de lo que quería hacer con Mary Poppins.

 

Disney vs Travers

El trailer de Saving Mr. Banks anuncia que veremos la difícil relación entre Walt Disney y P.L. Travers, aunque también nos contará una versión “muy Disney” de la historia. Lo cierto es que la autora no le puso las cosas nada fáciles al amigo Walt, y no le gustó nada el resultado: según cuenta la leyenda, abandonó la premiere llorando y odió lo que hicieron con su personaje.

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El primer contacto de ambos, como conté más arriba, fue en 1938. Pero no fue hasta 1959, después de conocerle personalmente, que P.L. Travers aceptó venderle los derechos de Mary Poppins a Disney. La razón por la que aceptó fue monetaria: las ventas de los libros habían bajado. Pero lo hizo bajo una condición: tendría derechos sobre el guión, y su opinión debía ser escuchada. Disney aceptó, pero no cumplió con su palabra completamente.

La autora, una vez el guión estuvo terminado, entregó una lista con todo lo que quería cambiar: que no se sugiriera un romance entre Bert y Mary, no le gustaba la música de los hermanos Sherman (sólo quería piezas de la época), y no le gustaba la secuencia de las pinturas de Bert que cobraban vida. También pidió que se cambiara el nombre de Mrs. Banks de Cynthia a Winifred porque sonaba “más inglés”. Walt Disney le respondió que tenía derecho a aprobar el guión, pero no la última palabra sobre el guión.

La relación entre ambos se enfrió tanto, que no invitaron a Travers al estreno de Mary Poppins. La autora tuvo que pedir a Disney que la dejaran asistir. Posteriormente, criticó que Mary Poppins no fuera lo suficientemente fría e intimidante. Además, tuvo su venganza: visto el éxito, Disney preparaba una secuela. La autora vetó el proyecto.

 

La música de Mary Poppins

Un elemento fundamental de Mary Poppins son sus canciones: todos las sabemos y las cantamos hasta el cansancio. Lo que quizás no sabemos, es que se tardaron dos años y medio en componerlas.

Los responsables fueron los hermanos Sherman (Robert y Richard), quienes también jugaron un papel muy importante en otras decisiones de la producción. Por ejemplo, fueron quienes sugirieron que la historia de Mary Poppins ocurriera en la era eduardiana en lugar de los años treinta, y que Mrs. Banks fuera una suffragette para explicar por qué hacía poco caso a los niños.

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Los hermanos Sherman compusieron más de treinta canciones para la película. La inspiración para las composiciones fue surgiendo en su vida cotidiana y de su familia:

  • “A Spoonful of Sugar” surgió cuando, después de dos semanas buscando una frase para que se convirtiera en el “himno” de Mary, la hija de Robert Sherman volvió del cole y le contó que había sido vacunada ese día. Sherman le preguntó si le había dolido, y la niña le respondió: “No. Me la dieron en un terrón de azúcar, sólo tuve que tragarlo”.

  • “Let’s go fly a kite” fue inspirada en el padre de los hermanos, Al Sherman, quien solía hacer cometas para los niños del vecindario. En la película, cometa representa a la familia: cuando se unen los cuatro trozos de cometa, la familia se reúne. Y al usar el lazo de suffragette de Mrs. Banks, ella se está implicando con su familia.

  • La palabra “Supercalifragilisticoespialidoso” surgió de un recuerdo de la infancia de los hermanos Sherman: recordaban que en el campamento de verano se inventaron una palabra que los adultos no supieran. Pensaron que sería bonito que los pequeños Banks también tuvieran la suya. El coro animado que la canta en la película estaba compuesto por Richard Sherman, J. Pat O’Malley (entrenador vocal de los actores) y Julie Andrews.

  • “Chim-Chim-Cheree” iba a ser la única canción que sonaría en los tejados; pero cuando el supervisor de efectos Peter Ellenshaw enseñó la canción inglesa “Knees Up Mother Brown” a los compositores, ellos decidieron adaptarla para la escena. Y nació “Step in Time”.

La canción favorita de Julie Andrews es “Stay Awake”. Más adelante os contaré más sobre ella. La favorita de Walt Disney era “Feed the Birds” y, le gustaba tanto, que cuando visitaba a los compositores le bastaba con decir “tocadla” para que ellos supieran a qué canción se refería.

 

Dando vida a Mary Poppins

Mary Poppins fue el debut en cine de Julie Andrews. La actriz tenía experiencia en teatro y televisión, y esa experiencia fue la que la posicionó entre las favoritas para interpretar a Mary. No lo tuvo fácil: Disney también consideraba a Mary Martin, Bette Davies y Angela Lansbury. Pero fue Julie Andrews la que obtuvo el visto bueno de P.L. Travers.

En febrero de 1961, Disney fue a Broadway a ver a Julie Andrews interpretar Camelot. La invitó a visitar Los Angeles y considerar el papel de Mary Poppins. La actriz, que estaba esperando que le confirmaba si obtenía el papel principal en la versión para cine de My Fair Lady, pidió tiempo para decidirse.

Walt Disney le ofreció retrasar el rodaje si esto sucedía. Finalmente, Audrey Hepburn se quedó con el papel principal de My Fair Lady: seleccionaron a Julie Andrews porque pensaban que no era lo suficientemente famosa para el papel protagonista en My Fair Lady. El rodaje de Mary Poppins comenzó casi al mismo tiempo que el de My Fair Lady

Julie Andrews fue nominada y ganadora del Golden Globe y un Oscar por el papel. Audrey Hepburn sólo fue nominada al Golden Globe. En su agradecimiento por el Golden Globe, Julie Andrews recordó a Jack Warner y su negativa.

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Durante el rodaje de Mary Poppins, Julie Andrews trabajó duro. Para grabar “Stay Awake” hizo casi 50 tomas hasta lograr dar con el tono adecuado para la canción y, cuando se enteró de que pensaban eliminarla de la película, escribió una carta a P.L. Travers para que la ayudara a convencerles de que no podían quitarla.  

La actriz trabajaba constantemente con cables en su traje: cuando no eran para controlar los animatronics, eran para ayudarla a volar. Y durante el rodaje de una escena hubo un problema técnico y estuvo suspendida en el aire durante varios minutos.

La dedicación de Julie Andrews era tal, que cuando Robert Wise y Ernest Lehman visitaron el set le ofrecieron automáticamente el papel protagonista en The Sound of Music.

 

Bert

Bert no era un personaje de los libros. En realidad, se trataban de varios personajes condensados en uno. Entre ellos el del deshollinador, que inspiró “Chim-Chim- Cheree”.

Se pensó en Danny Kaye, Fred Astaire y Cary Grant para el papel. Finalmente, Dick Van Dyke, con cero experiencia en danza hasta el momento, fue el elegido. El actor ha reconocido que piensa que es su mejor película; pero que considera que Jim Dale o Ron Moody habrían hecho un mejor trabajo.

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A pesar de tener el papel de Bert, Dick Van Dyke quería interpretar a Mr. Dawes Padre, y ofreció hacerlo gratis porque lo encontraba muy divertido. Walt Disney le le hizo una prueba antes de aceptar. Además, Disney agregó la escena de los escalones en el banco después de verle en una prueba de maquillaje haciendo el tonto.

 

Otros personajes

  • Mr. Banks está basado en el padre de la autora: Travers Goff (dato importante para quienes vean Saving Mr. Banks). El actor elegido para interpretarlo fue David Tomlinson, quien pensaba que no era suficientemente bueno porque jamás había cantado profesionalmente. El actor consiguió el papel compitiendo por él con Richard Harris, Terry Thomas, George Sanders, James Mason y Donald Sutherland. Además, dio voz a varios personajes animados de la escena del parque animado (el pingüino y el jockey, entre ellos).

  • Jane Darwell estaba retirada cuando Walt Disney le ofreció ser la dama de los pájaros. No le interesaba, pero Disney la visitó personalmente y la convenció de aceptar un último papel. No fue la única cuyo último papel fue en Mary Poppins: Arthur Treacher tampoco volvió a hacer cine luego de interpretar al Constable Jones.

  • El tío Albert debía tener un acento vienés; pero Ed Wynn nunca intentó cambiar el suyo. De hecho, fue el único actor al que se le permitió improvisar, y tuvo que doblar algunas de sus líneas posteriormente.

  • Matthew Garber tenía miedo a las alturas, y para convencerle de rodar la escena del té le pagaron 10 céntimos extra por toma.

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Curiosidades varias

  • Se utilizaron los cuatro estudios de sonido de Disney para la producción, iluminados mucho más de lo habitual. Se trataba de la producción de Disney más cara de la época.
  • Las casas en la calle Cherry Tree se construyeron de diferentes tamaños, y se colocaron de la mayor a la menor para que se vieran más pequeñas cuanto más se avanzaba. Los árboles se hicieron de plástico importado de Francia y Portugal, y las flores y hojas se montaron una por una a mano.
  • Se utilizaron más de cien pinturas de cristal para recrear el skyline del 1910 londinense.
  • La secuencia de “Step in Time” tuvo que rodarse dos veces porque la cinta estaba dañada. Tardó una semana en rodarse y dura 14 minutos.
  • Los cables que sostenían a Julie Andrews cuando volaban se oscurecieron con betún para zapatos para eliminar el reflejo de las luces del estudio.
  • Karen Dotrice y Matthew Garber trabajaron juntos en tres películas de Disney: The Three Lives of Thomasina (1963), Mary Poppins y The Gnome-Mobile (1967). Los niños no sabían muchas de las cosas con las que se encontrarían durante la película. La cara de la niña cuando Mary Poppins saca tantas cosas de su bolso y su grito cuando les da medicinas de diferentes colores son genuinos. Tampoco sabían quién era Mr. Dawes Padre, y estaban preocupados de que se cayera durante el rodaje.
  • En el musical hay una escena donde los juguetes cobran vida. La escena so rodó para la película, pero se eliminó porque asustaba a los niños.

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¿Te habías fijado?

  • Sí, el pelo de Julie Andrews era una peluca.

  • En la escena de las entrevistas a las nuevas nanas, muchas de ellas eran hombres disfrazados de mujeres.

  • Mary Poppins y Mrs. Banks jamás se dirigen la palabra.

  • Mary Poppins cita el poema “Endymion” de John Keats cuando dice “A thing of beauty is a joy forever” (“una cosa bella es un goce eterno”).

 

Termino el post con la invitación a escuchar la banda sonora de la película, y a uniros a mi pequeña tradición anual de verla. Os aseguro que os alegrará el día.

16 dic. 2013

Spring Breakers

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No tenía ningún interés por ver Spring Breakers. Imaginaba que sería prácticamente lo mismo que Savages, que no iba a encontrar nada nuevo. Pero las opiniones opuestas y extremas, y la campaña por el Oscar para James Franco me convencieron: necesitaba saber qué hacía que algunos la odiaran y otros hablaran de “maravilla”, y por qué tanto ruido con el trabajo de James Franco.

En cuanto a la historia, no me equivocaba: tiene cosas en común con Savages. Otra vez no logré conectar con los personajes: no sé mucho sobre las cuatro chicas, y de Alien apenas sé poco. No sé sus historias, no sé sus motivaciones. No los conozco. Me falta algo, sólo conozco pinceladas.

Muy bonito lo de “Spring Break forever”, pero me he quedado fría con la historia. Muy interesante ese montaje, los colores. Mucho exceso, mucha juventud y necesidad de vivir al máximo; pero al final no sé si Harmonie Korine quiso decirnos algo o sólo hacer una película de culto. Me he decantado por lo segundo.

Spring Breakers no me movió. No conecté y no me despertó ni odio ni fascinación. No es un tostón, porque no sentí la necesidad de dejar de verla; pero tampoco es una película tan bien lograda. ¿Es una película de culto? Para mí no. Pero parece que lo ha conseguido, y quizás con el tiempo cambie de opinión. De momento, para mí es sólo una película más.

En cuanto a James Franco, me gustó. Me gusta siempre. Creo que es un genio, y como genio es incomprendido. Creo que muchas veces hace las cosas de forma irónica, y que la gente le toma mucho más en serio de lo que él se toma a sí mismo. Creo que va dos pasos por delante de todos, y que muchas veces se burla de nosotros. ¿Por qué eligió interpretar a Alien? ¿Por qué no iba a hacerlo? Creo que sabía muy bien lo que iba a lograr con Spring Breakers.

Sin embargo, no veo que sea una gran interpretación. No me parece que se tomara tan en serio el trabajo y creo que dio lo justo, porque dando lo justo ya iba a destacar. Y lo ha conseguido. Su interpretación no es inolvidable. Le he visto hacer mejores cosas. Y me ha despertado la duda de si la crítica que le está nominando –y apoyando su carrera al Oscar- lo está haciendo para divertirse. Del mismo modo que él se divierte con la situación. Esta situación que empezó un poco como broma, y que cada vez parece ser más en serio.

Dudo verlo nominado o subiendo a recibir el Oscar en 2014, pero me parece divertido ver cómo todo esto acabará. De momento, la situación y el ruido ayudan a que Spring Breakers se convierta en película de culto, y a aumentar la figura de James Franco como ícono incomprendido. Este chico va a llegar lejos, y él lo sabe.

13 dic. 2013

La vuelta a la Tortilla

Hoy quiero aportar mi granito de arena a una buena causa: Paco León y Buckler 0,0 se han unido para rodar este corto solidario, que vale la pena ver porque tiene un mensaje muy bonito.

Os dejo La vuelta a la Tortilla y os animo a ayudar, sea donando a la causa o compartiendo el corto para que el mensaje llegue a más gente.

Buen fin de semana, y que siempre haya motivos para celebrar.

11 dic. 2013

Detrás de Edward Scissorhands

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Edward Scissorhands es una de esas películas que se graban en la memoria de quien las ve, o al menos eso ocurrió en mi caso: era una niña cuando la vi por primera vez, y la escena final de Vincent Price me afectó muchísimo. Entonces, aún no había leído Frankenstein, y apenas empezaba a comprender el lado oscuro de la vida.

Hoy, aún cuando ya he leído Frankenstein y he visto cosas que mi ingenua mente de aquella época jamás habría imaginado, Edward y su historia, y sobre todo esa escena de Vincent Price, siguen haciéndome sentir como cuando era niña y vi la película por primera vez.

Por eso, y porque estamos en las fechas en las que ocurre la historia, he decidido contaros un poco más sobre Edward Scissorhands (la que, por cierto, dicen que es la favorita de Tim Burton).

Edward nació de un dibujo adolescente de Tim Burton, y el primer borrador fue escrito pensando en la película como un musical. La idea, originalmente, era que Edward tuviera la necesidad de una conexión emocional y del tacto de otras personas, pero que fuera imposible tocarlo porque los objetos afilados podían hacer daño al que lo intentara.

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El pelo de Edward fue inspirado por Robert Smith (de The Cure), al que Burton le propuso componer la banda sonora de la película. El músico no pudo aceptar porque estaba grabando un disco, y Danny Elfman acabó haciéndose con el trabajo (también cuenta la leyenda que es la banda sonora favorita del compositor).

El barrio en el que se desarrolla la historia está inspirado en el barrio de Burbank donde se crió el director, pero lo que vemos en la película está ubicado en el estado de Florida (Carpenter’s Run, Lutz). Sólo se cambió el color del exterior de los edificios y se agregaron las plantas y los setos que Edward modela. Los habitantes de las 50 casas del vecindario se hospedaron en un hotel cercano durante el rodaje. Algunos, además, fueron extras en la película.

El centro comercial también está en Florida, en Lakeland, y el restaurante estaba ubicado exactamente del otro lado de la calle del centro comercial; pero se trataba de un restaurante abandonado (de la cadena americana Sambo’s). La casa de Edward, sin embargo, fue construida en un set de la Fox. Burton indicó que quería que fuera como “la casa de Martha Stewart cuando sea vieja y esté loca”.

Todos estamos acostumbrados a ver a Johnny Depp trabajar con Tim Burton. De hecho, muchos piensan que el dúo ha estrenado muchas más películas de las ocho que han hecho juntos. Edward Scissorhands fue la primera, pero pudo no haberlo sido: Tom Cruise, Jim Carrey, Robert Downey Jr. y Michael Jackson querían el papel.

Michael Jackson tenía muchísimo interés en convertirse en Edward. Tom Cruise era uno de los preferidos para el papel, pero no le gustaba el final de la historia y se negó a trabajar en el proyecto. Y Gary Oldman, que recibió la oferta de protagonizarla, decidió que el papel no era para él.

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Johnny Depp fue el elegido y adelgazó unos 12 kilos para meterse en un papel que, aunque sólo le exigía pronunciar 169 palabras, le exigió bastante físicamente: el traje le causaba calor en exceso, al punto que durante el rodaje de la escena en la que huye corriendo a casa se desmayó, y en la escena en que los vecinos le alimentan acabó vomitando después de rodar demasiadas tomas. El traje, según Burton, estaba creado de látex, cuero, un viejo sofá de su piso y cello, entre otras cosas. Para acostumbrarse a las manos de tijera, Johnny se las llevó a casa y las usaba a diario.

Crispin Glover audicionó para el papel de Jim, pero no lo consiguió. Lamentablemente (al menos para mí), Crispin no trabajó para Burton hasta Alice in Wonderland (2010).

Drew Barrymore, compañera de Crispin Glover en las Charlie’s Angels, fue la primera que se tuvo en mente para el papel de Kim. Pero quien se lo quedó fue Winona Ryder, quien iba a interpretar a Mary en The Godfather Part III y renunció al papel que le ofrecía Francis Ford Coppola. Ella dice que porque tenía gripe, pero otros aseguran que Johnny Depp la convenció de hacerlo. Y siempre nos quedaremos con la duda de si se habría criticado tanto a Winona como se critica a Sofia Coppola (seguro que no, pero que Mary es bastante sosa nadie puede negarlo…).

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No he olvidado al inventor: Vincent Price. El papel fue escrito específicamente para él, ídolo de Tim Burton, y con quien ya había trabajado en Vincent (1982). La escena de su muerte me afectaba de pequeña, pero me ha afectado aún más de mayor al enterarme que se trata de la última aparición del actor en pantalla. Aunque, confieso que me gusta repetirme que alguien como él no podría haberse despedido mejor de sus fans.

Como siempre, os invito a aportar datos interesantes sobre la película en los comentarios.

8 dic. 2013

The Family

Cuando vi el trailer de The Family quedé encantada: Luc Besson, Martin Scorsese, Tommy Lee Jones, Michelle Pfeiffer y Robert De Niro se habían unido para darme una nueva película con uno de mis temas favoritos, la mafia. Y el trailer prometía diversión.

 

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Sin embargo, hubo algo que no terminó de convencerme. Ha algo que falta en la película. Malavita, el perro, parece tener un protagonismo que no termina de explicarse (¿quizás esperando hacer una secuela?). La comedia oscura no terminó de llegarme. Y no fue hasta el final que me enganché con la historia.

En cuanto a los personajes, el de Diana Argon me pareció un poco exagerado; pero interesante. Me gustó ver a una Michelle Pfeiffer que, además de estar tan guapa como siempre, es capaz de ponerme nerviosa con sólo un gesto. Y de De Niro sólo puedo decir que la comedia negra le sienta muy bien. Y que en la escena de Mean Streets su sonrisa y la luz en sus ojos me alegraron el día.

The Family se me hizo mucho más ligera de lo que esperaba al enterarme de los nombres del cartel, un poco lenta. El final está bastante bien. Pero me he quedado con una sensación de desconexión, como si me faltara una parte de la historia. De Besson sólo puedo decir que sigue tratando la violencia de una forma que me gusta, pero que creo que esta vez no terminó de convencerme su trabajo. En resumen, me han gustado cosas de la película, pero me he quedado un poco fría. Si fuera a calificarla con el sistema de las estrellas, le daría tres.

6 dic. 2013

Freiheit

¿Qué es la libertad? Eso me he preguntado varias veces. Y eso se preguntaba George Lucas en uno de sus cortos como estudiante, allá por 1966. Hoy os dejo Freheit, un corto del joven Lucas que hoy siento mucha necesidad de compartir.

 

 

También quería contarnos que me han comentado que este año se celebrará El Día Más Corto en España (21 de diciembre). Os invito a visitar el website de ED+C para descubrir de qué va y, por supuesto, a participar (como espectadores o presentando vuestro corto).

Que tengáis un buen fin de semana.

4 dic. 2013

Consejos de cine: las cinco reglas de Jim Jarmusch

Otra vez quiero probar algo diferente. Hoy se trata de contaros los consejos de un director. El elegido es Jim Jarmusch, conocido por sus películas independientes, de las cuales Coffee and Cigarettes sea posiblemente mi favorita.

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Jarmusch suele hacer un cine que me atrae, que me resulta diferente, y por ello me interesé muchísimo en conocer sus consejos, sus reglas para hacer una buena película. Leí estas reglas hace unos cuantos años. La quinta me ha enseñado muchísimo y la cumplo siempre que puedo.

Os invito a leer sus consejos mientras esperamos al estreno de Only Lovers Left Alive, la ganadora del Premio del Jurado en Sitges 2013.
 
  1. No hay reglas. “Hay tantas reglas para hacer una película como potenciales cineastas. Nunca le diría a alguien qué hacer o cómo hacerlo. Va en contra de mi filosofía. Por tanto, estas no son reglas, sino algo así como notas mentales. Cada uno debería hacer sus propias ‘notas’ porque no hay forma correcta de hacer las cosas. Si alguien te dice que hay un sólo modo de hacer algo, su modo, corre.”
  2. No dejes que te ganen. “La gente puede ayudar o no, pero no puede detenerte. La gente que financia las películas, que las distribuye, las promueve y las exhibe, no son cineastas. No dejarán que los cineastas les digan cómo hacer negocios, así que nosotros no deberíamos dejarles decirnos cómo hacer una película. Y evita a la gente que quiere hacer cine para enriquecerse, por la fama o para conseguir acostarse con gente guapa”.
  3. La producción tiene que estar al servicio de la película. “La película no está al servicio de la producción. Lamentablemente, en el mundo del cine suele ser al revés; pero la película no debería hacerse para cumplir con el presupuesto, el calendario o los currículums de los que trabajan en ella”.
  4. El cine es un proceso colaborativo. “Puedes trabajar con gente cuyas mentes e ideas son más fuertes. Asegúrate de que se preocupen por cumplir sus funciones y no el trabajo de otros. Trátalos a todos como colaboradores y pares. Un asistente de producción que detiene al tráfico mientras se rueda una escena es tan importante como los actores en esa escena, el director de fotografía o el propio director. La jerarquía es para los que tienen egos inflados o fuera de control. Quienes elijas para colaborar contigo, si los eliges bien, pueden mejorar la calidad y el contenido de una película. Si no quieres trabajar con otras personas, no hagas cine”.
  5. Nada es original. “Roba de cualquier lugar que te inspire y nutra tu imaginación. Devora películas viejas, películas nuevas, música, libros, pinturas, fotografías, poemas, sueños, conversaciones azarosas, arquitectura, puentes, señales de tránsito, árboles, nubes, cuerpos acuáticos, luces y sombras. Elige para robar solamente cosas que le hablen directamente a tu alma. Si haces esto, tu trabajo será auténtico. La autenticidad es invaluable; la originalidad es inexistente. Y no te molestes en cubrir tus robos -celébralos si tienes ganas. En cualquier caso, siempre recuerda lo que dijo Jean-Luc Godard: "No importa de dónde tomas las cosas –lo importante es hacia dónde las llevas"”.

Podéis encontrar el artículo original (en inglés) aquí.




2 dic. 2013

The Hunger Games: Catching Fire

La primera parte de The Hunger Games me hizo reflexionar. Con el tiempo, lo que se quedó en mi memoria fue lo que más me interesó: la crítica social. Y, por eso, tenía muchas ganas de ver la segunda parte y descubrir cómo continuaba la historia (he decidido dejar los libros para después, cuando ya haya visto las películas).

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Catching Fire comienza un año después de Los Juegos del Hambre, en los que Katniss y Peeta desafían al sistema y cambian las reglas del juego. Katniss se ha convertido en un símbolo de esperanza para su pueblo, y el gobierno intentará acabar con esa esperanza. No os destriparé la película, no. Os diré que hay que verla. Y que hay que prestar atención al mensaje (o al subtexto, como lo llaman los de un lenguaje un poco más elevado que el que uso por aquí).

Esta parte de la historia continúa criticando a la sociedad y al circo en que se han convertido los medios de comunicación, pero nos dice que recordemos que juntos podemos lograr el cambio. Katniss ya no está sola en la lucha –aunque nunca lo estuvo-, y si bien sigue participando del “juego” porque no cree que haya forma de vencer al enemigo, no puede evitar rebelarse y enfrentarse a las imposiciones.

Catching Fire está mucho más “cuidada” que The Hunger Games: muchos más efectos visuales, un vestuario que me enamoró… diría que es más espectacular. Me gustó que no se centraran demasiado en las escenas de la arena, aunque es verdad que a algunos puede resultarle un poco más lenta. A mí no se me hizo lenta, las dos horas y media (aproximadamente) se me hicieron cortas. Me recordó un poco a V for Vendetta, y cuando terminó sentí la necesidad de saber cómo acaba la historia.

Me encantó ver a Katniss un poco más relajada, por decirlo de algún modo. Jennifer Lawrence pudo soltarse un poco en esta película y hacernos reír con sus gestos. Catching Fire le permite demostrar que puede hacernos reír y emocionarnos, que es una de las mejores actrices jóvenes de la actualidad. A Josh Hutcherson le ha tocado un personaje que no me gusta nada, pero no puedo decir que la damisela en apuros le salga mal porque resulta creíble (y me pone de los nervios).

Me encanta ver a Woody Harrelson, Lenny Kravitz y Stanley Tucci; pero esta vez mis grititos internos de fan han salido al ver a Philip Seymour Hoffman. El eterno segundón que siempre me conquista en los pocos minutos que sale en pantalla, lo hizo otra vez. Es verdad que su malo está bastante suavizado; pero como no he leído el libro y considero que siempre interpreta sus papeles perfectamente, no puedo criticarlo. A decir verdad, no tengo nada que criticar sobre ninguno de los actores, porque han logrado que me meta mucho en la historia y me crea sus personajes.

En resumen The Hunger Games: Catching Fire me ha gustado muchísimo. Me he quedado reflexionando sobre lo visto, y me lo he pasado genial viéndola. Rescato ese: “Recuerda quién es el verdadero enemigo” y me quedo ansiosa por saber cómo continúa la historia de Katniss Everdeen y el pueblo de Panem.