29 nov. 2013

Scripted Content: la moda de los cortos

Los cortos están de moda: las grandes marcas se asocian con directores y actores, y juntos crean historias para promocionarse. La última marca en sumarse a la moda de los cortos es la revista Vogue. Y lo hacen de una forma muy interesante: las actrices que ilustran sus portadas ahora protagonizan un corto que, por supuesto, se publica en todas las redes sociales para lograr viralizarlo.

Me sorprende que Vogue haya tardado tanto en unirse al movimiento, pero me alegra que lo haya hecho. ¿Por qué? Porque una de las actrices que ha participado en la serie de cortos Scripted Content es Jessica Chastain. Y el corto me ha causado tanta risa que no dudé un instante en que sería el corto de esta semana.

La situación es la siguiente: te encuentras a alguien famoso en un lugar público. ¿Qué es lo primero que haces? Obviamente, estando en el SXXI, lo normal es que lo twittees, lo pongas en Facebook o le envíes un mensaje a algún amigo. ¿Y qué pasa después? Que tienes que probarlo. ¿Y cómo lo pruebas? Pues haciendo una foto al famoso en cuestión. Pero no quieres molestarle, entonces intentas hacerle una foto disimuladamente. No lo notará, ¿verdad?

¿Os ha pasado algo similar alguna vez? ¿Lo habéis logrado u os han pillado?

¡Buen fin de semana!

27 nov. 2013

10 cosas que quizás no sabías de Rashomon

Hoy quiero probar algo diferente. En lugar de redactar un post largo con mucha información, hoy os traigo una lista. Y no es cualquier lista, es una lista de diez cosas que quizás no sabéis sobre un clásico de Akira Kurosawa: Rashômon.


http://criterion-images.s3.amazonaws.com/current/current_131_121.jpg


  1. El equipo tenía problemas para comprender lo que se quería comunicar en la película, así que acudieron al director para que lo aclarara. Kurosawa les respondió: “El ser humano es incapaz de ser honesto consigo mismo y sobre sí mismo. No puede hablar de sí mismo sin adornar lo que dice. El guión habla de ese ser humano que no puede sobrevivir sin mentiras que le hagan sentir mejor persona de lo que realmente es. Muestra esa necesidad de embellecerse aún después de morir: el personaje que muere no puede dejar de mentir aún cuando habla a través de un médium. El egoísmo es un pecado que el ser humano lleva consigo desde el nacimiento, y del que más cuesta arrepentirse. La película es como si nos mostrasen una imagen a través del ego. Decís que no podéis entender el guión, pero eso es porque el corazón humano es imposible de entender. Si os enfocáis en la imposibilidad de comprender completamente la psicología humana, y leéis el guión una vez más, lo comprenderéis”.
  2. Rashômon es la primera película en la que la cámara mira hacia el sol.
  3. También es una de las primeras en usar la cámara en mano para seguir a los personajes.
  4. Uno de los mayores problemas del equipo de rodaje era que al filmar en el bosque les caían sanguijuelas encima, las que les dejaban heridas que no cerraban. Lo solucionaban echándose sal antes de comenzar a rodar.
  5. El rodaje en el bosque era difícil: no había suficiente luz, aún durante el mediodía. Kurosawa y Kazuo Miyagawa (director de fotografía) cogieron un espejo de cuerpo entero del departamento de vestuario, y lo utilizaron para rebotar la luz a través de las hojas de los árboles para imitar la luz natural.
  6. La lluvia de las escenas en la Puerta de Rashômon se logró con tinta negra mezclada con agua para que resaltara frente al fondo gris.
  7. La inspiración para el personaje de Toshiro Mifune era un león: Kurosawa le pidió que modelara sus movimientos a partir de los leones de los documentales de Martin y Osa Johnson.
  8. La música de la escena de la visión de la esposa no estuvo disponible hasta la postproducción. Curiosamente correspondía casi exactamente con la acción de la escena, y no hizo falta rodar posteriormente o corregirla.
  9. A pesar de que muchos piensan que Kurosawa se inspiró en Citizen Kane para los flashbacks y las diferencias de interpretación a partir de ellos, el director no había visto la película cuando rodó Rashômon. La veradera inspiración de Kurosawa eran las películas avant-garde francesas de los años veinte: su idea era recuperar eso que hacía mágico al cine mudo.
  10. Rashomôn tiene un Oscar, pero un Oscar honorífico: aún no existía la categoría de Película en Habla No Inglesa, por tanto le dieron uno honorífico. Es la quinta película en obtener un Oscar honorífico “a la mejor película extranjera estrenada en Estados Unidos”. Las galardonadas antes que Rashômon son: Sciuscià (Ragazzi) y Ladri di biciclette de Vitorio de Sica (1947 y 1949), Monsieur Vincent de Maurice Cloche (1948) y Le mura di Malapaga de René Clément (1950). También recibió una nominación por su Diseño de Arte, aunque esta nominación ocurrió un año después de obtener el Oscar honorífico.
Espero que os haya gustado, y si tenéis algún otro dato interesante, me encantaría leerlo en los comentarios.


25 nov. 2013

La nouvelle guerre des boutons

Hacía mucho tiempo que no veía a Guillaume Canet, o al menos eso me parecía. Así que ver La nouvelle guerre des boutons fue doblemente positivo: la película me gustó mucho, y volví a ver a Guillaume. Además, está ambientada en marzo de 1944, en un pequeño pueblo francés. Justo lo que necesitaba.

la-nouvelle-guerre-des-boutons

La nouvelle guerre des boutons, a pesar de estar ambientada en una época dura, es en cierto modo inocente y positiva. Me hizo sonreír, reír, emocionarme, sentir ansiedad, y me dejó con ganas de verla muchas veces más. Me encantó ver a los niños “jugar” a una guerra mientras en la “vida real” había una guerra de verdad. Me gustó verles mantener la inocencia a pesar de lo que estaba ocurriendo (aún cuando su propia guerra se les va de las manos), y me encantó el mensaje final de la alianza por una buena causa. La nouvelle guerre des boutons no sólo entretiene, sino que nos da un mensaje mu bonito. Y me ha dejado fascinada con el pequeño Clément Godefroy, al que me encantaría volver a ver en pantalla (lamentablemente, no he encontrado nada más suyo).

Vi la La nouvelle guerre des boutons porque me habían contado que el libro era muy bonito. Cierto es que se llama “nouvelle” porque es una nueva adaptación de la historia; pero ahora tengo muchísimas ganas de leerlo. Y de ver la primera película que se rodó basada en el libro (de 1962). Aparentemente, también se rodó otra versión más similar al libro en 2011. He visto que trabajaron en ella Eric Elmosnino y Alain Chabat, así que no tardaré mucho en verla. ¿Habéis visto alguna de estas versiones, o leído la novela?

22 nov. 2013

Plane Crazy

Esta semana ha cumplido 85 años el ratón más famoso del cine: Mickey Mouse. Para celebrarlo, he decidido que lo mejor era compartir su primer cortometraje. ¿Steamboat Willie? No, ese fue el primero en estrenarse.

Os dejo Plane Crazy, el primer corto del ratón que dirigido por Walt Disney, estrenado el 17 de marzo de 1929 gracias al éxito de Steamboat Willie.

¡Buen fin de semana!

20 nov. 2013

The Crow

A veces ocurre que la vida va demasiado rápido, que pasa mucho y no tenemos tiempo de disfrutarlo. O de parar un minuto a respirar. No tenemos tiempo para nada. En esos momentos decido poner pausa, y ocupar un par de horas en disfrutar. Es cuando me refugio en una de mis películas favoritas.

Recientemente, me encontré en uno de esos momentos. Y me refugié en una película que me impactó mucho la primera vez que la vi, una película que llevaba meses con muchas ganas de volver a ver: The Crow. Realmente no sé si fue la estética, el trabajo de Brandon Lee, o simplemente que era inocente y la historia me mostró algo que no existía en mi mundo.

the-crow-original-poster

Vi The Crow por primera vez poco después de ver Dragon: The Bruce Lee Story, con curiosidad por conocer al hijo de Bruce Lee. Nunca había leído un cómic del personaje, por lo que no tenía idea de lo que iba la historia. Recuerdo que al verla me hizo pensar en la historia de Batman, y que no logré comprender todo lo que veía. Pero, por alguna razón, la película se convirtió en una película de culto para mí y para varios de mi generación. Y aún hoy sigue siendo una de mis favoritas, y por ello siempre esto atenta a datos interesantes sobre ella.

Posiblemente mi dato favorito es que se pensaba en Johnny Depp para el papel principal. Podría haber sido perfecto, pero creo que Brandon lo hizo genial. También se quería a Iggy Pop para el papel de Funboy, porque el cantante había inspirado al personaje. Iggy no pudo participar debido a conflictos de agenda, pero participó en la secuela. Cameron Diaz pudo haber interpretado a Shelly, pero no le gustó el guión y no aceptó la oferta. Siempre me pregunto si la película habría sido más popular de haber contado con Johnny, Iggy y Cameron o si el resultado habría sido el mismo.

Otro dato que me resulta interesante es que el director quería rodar en blanco y negro, utilizando el color solamente en los flashbacks. El estudio no se lo permitió: consideraban que la idea era muy arriesgada. El director ajustó sus ideas al color a partir del rojo y el gris. Si bien me encanta el resultado, creo que la idea del director era muy buena (y se ajustaba más al cómic).

Todos sabéis que Brandon Lee murió poco antes de terminar The Crow, en un accidente con un arma de fuego durante el rodaje de una de las escenas. Según cuentan, el rodaje fue bastante accidentado y Brandon resultó herido un par de veces. La escena en la que ocurrió el fatal accidente es la escena en la que su personaje llega y descubre a los villanos atacando a su novia. Contrario a la leyenda, la cinta con la escena ha sido eliminada (luego de usarla en la investigación).

Después del accidente, el rodaje se paralizó, y la película pudo no haberse terminado. Alex Proyas decidió completarla en homenaje a Brandon. Utilizó dobles y agregó la cara del actor con CGI. No sé si alguien por ahí ha logrado descifrar qué escenas son las que Brandon no llegó a rodar, pero son muy pocas:

  • Cuando Eric regresa al apartamento después de resucitar: se utilizó una toma de Brandon caminando por un callejón para hacerle atravesar la puerta.
  • La escena en la que cae por la ventana: se trata de un doble, al que le agregaron digitalmente la cara de Brandon y la sangre.
  • La escena en la que se maquilla: también es un doble, la cara de Brandon se agregó al espejo.
  • Cuando camina hacia la ventana con el cuervo sobre el hombro: otra vez el doble. La cara de Brandon se agregó sólo en los momentos que la ilumina un relámpago.
  • Cuando Sarah visita el apartamento, nunca vemos la cara de Eric. Es un doble.

Confieso que si no me lo dicen, no me entero de cuáles son. Y que sólo he podido ver la secuela (City of Angels). Una sola vez. No he podido ver nada más. Pero siempre vuelvo a ver The Crow.

15 nov. 2013

Castello Cavalcanti

Hace tiempo que no comparto advertisements. Antes era algo poco común que una marca contratara a un director para que realizara un corto anunciando un producto, pero actualmente es algo bastante extendido. En este caso he decidido compartirlo, porque se trata de un advertisement que no termino de entender.

¿Por qué? Porque no termino de entender qué producto nos presenta Wes Anderson. Castello Cavalcanti es un corto bueno, muy del estilo de Wes Anderson; pero no veo más producto que la marca en sí (en este caso, Prada). Quizás la idea sea esa, crear un corto que defina el estilo Prada. No lo sé. Quizás más adelante continúe la historia, y se trate de algo más. Sólo el tiempo lo dirá.

Mientras tanto, os dejo con Castello Cavalcanti, protagonizado por Jason Schwartzman.

Por cierto, no se trata del primer trabajo de Wes Anderson para Prada. Hace muy poco se asoció a Roman Coppola y Léa Seydoux para anunciar un perfume en otro advertisement. Lo podéis ver aquí.

¡Buen fin de semana!

13 nov. 2013

El cine en el S XXI y la insistencia en no evolucionar

La industria cinematográfica culpa en gran parte a las webs piratas de los cierres de las salas: el espectador no paga por ver la película, consume gratis un producto y afecta a la industria. Ver una película gratis es robar, ya lo decían los VHS hace unos cuantos años. Pero, ¿es que la piratería no existía antes? ¿Realmente es la razón por la que cierran tantas salas? ¿Y qué pasa con el VOD? Creo que ya he comentado alguna vez que no creo que esas webs sean las únicas culpables, pero me gustaría analizar la situación y que juntos lleguemos a una conclusión (si se puede).

pirata

Las piratería en el cine estuvo presente siempre. Actualmente existen las webs donde podemos descargarnos o ver online contenidos audiovisuales que van desde clásicos hasta los últimos estrenos con sólo un click y por ningún coste (descontando el de la banda ancha, claro); pero antes teníamos otras formas de consumir cine a un módico precio: la televisión, el videoclub, el cable. Entonces podíamos grabarnos las pelis de la tele o copiarnos los VHS, sólo había que esperar un poco más.

Después llegaron el TiVo y el DVR con los que nos podíamos “grabar” lo que se emitía en tv, los DVDs que podíamos copiar. Y no hay que olvidar que el cable también se pirateaba: muchas personas “robaban” a sus vecinos el servicio, o varios hogares compartían una suscripción. Siempre se pirateó el cine, aunque antes había que asistir a las salas para poder ver los estrenos. Entonces no era nada fácil acceder a copias de estos estrenos, algo que hoy resulta mucho más fácil.

Con la llegada de internet el pirateo se expandió. Podíamos descargarnos estrenos en una calidad pésima: grabaciones en las salas, que alguien se tomaba la molestia de hacer y compartir gastando el dinero de la entrada y sin sacar ganancias. O podíamos esperar a que saliera el DVD, que alguien lo comprara, lo copiara y lo compartiera. De nuevo, sin obtener ganancias. Entonces, a la industria le molestaba; pero no parecía verse tan afectada.

Posteriormente, comenzaron a aparecer copias en muy buena calidad de películas apenas estrenadas. Copias que no podía obtener gente que no estuviera relacionada de algún modo con la industria. Copias con un “Property of… Studios” sobreimpreso, que estaban pensadas para visionados privados de personas relacionadas con la industria. Y copias de alta calidad que pudieron obtenerse de varios modos. Os explicaré la algunos de las más comunes:

  • CAM – copia grabada dentro de la sala, en mala calidad
  • TS – copia grabada con una cámara profesional desde la sala del proyeccionista, con conexión directa al audio para aún mayor calidad
  • WP – el work print es la película sin terminar, a la que le faltan efectos visuales o tiene un montaje que no es exactamente igual que el que llega a las salas
  • TC – copia capturada desde la cinta análoga y digitalizada. La técnica es la misma que se utiliza para los DVD, por tanto la copia tiene la misma calidad
  • Screener – son las copias que se hacen por adelantado para enviar a críticos, votantes de premios y ejecutivos. Llevan un mensaje sobreimpreso (del que os hablé más arriba) o algunas escenas están en blanco y negro. La calidad es un poco inferior a la de un DVD

Existen muchos más formatos, y cada cierto tiempo surgen nuevos. Lo curioso es que cada vez mejora la calidad, pero una persona que no se relaciona con la industria tiene muy pocas chances de ser quien distribuye originalmente la copia. Eso me hace sospechar que dentro de la propia industria facilitan este tipo de distribución, simplemente porque internet significa más público para la película aunque se “pierda” dinero. No digo que sea algo que ocurre el 100% de las veces, pero ¿por qué no? Sobre todo cuando algunas personas de la industria audiovisual valoran datos como “el episodio más descargado”, porque eso significa que su producto funciona.

¿Es malo que las personas compartan contenidos? Si siempre existió, ¿por qué ahora es que son los culpables de todos los males? Se supone que ahora afecta más a salas y estudios por su masividad (y que algunas, que no todas, de esas webs obtienen dinero con publicidad); pero muchas películas que no han funcionado en las salas ahora pueden llegar a mucho más público con sólo un click. Y eso es lo que la gente que se ha dejado el alma en la película quiere: que se vea su película.

 

La costumbre y la comodidad

Ver una peli en casa es cómodo, pero ¿realmente dejamos de ir a las salas para quedarnos en casa a buscar una peli en internet? Las opciones se amplían cuando buscamos en internet, pero también hay puntos en contra: no siempre encontramos esa peli que queremos ver, nos arriesgamos a descargar un virus (que a la larga es más caro que ir al cine), la calidad de la copia disponible puede ser pésima… Sí, el espectador está acostumbrado a consumir cine en casa; pero aún buscando opciones seguras como el VOD, no tiene por qué encontrar lo que quiere. Y eso le lleva a la sala, como lo hizo toda la vida (cuando en la sala está lo que quiere ver).

Si el espectador deja de ir a la sala no es porque pueda ver la peli pirateada, posiblemente le afecten los precios altos de las entradas. Está comprobado que cuando bajan los precios, las salas se llenan. Y que cuando se quiere ir a ver una película, se va. A mí, por ejemplo, me molesta muchísimo esperar -a veces años, y no exagero- para poder ir a la sala a ver una película que tengo muchas ganas de ver.

Para mí no hay mejor experiencia que sentarme en una sala oscura frente a una pantalla enorme y ver una película. Voy al cine; pero no voy a ver cualquier cosa: como muchos valoro qué películas hay disponibles y ya no me arriesgo tanto a llegar al cine y elegir el primer título que me resulta atractivo.

El streaming o VOD nos da la alternativa de poder acceder por un precio menor a contenidos en buena calidad y, muchas veces, a contenidos que no llegan a las salas. A mí, que me gustan tanto las películas independientes, es la alternativa que me queda para poder ver lo que me gusta. No es lo mismo que ir al cine, pero es el cine que quiero ver.

Lo malo es que el VOD tampoco me ofrezca todo lo que quiero ver, lo que me da dos opciones: pirateo para poder verla, o debo cambiar la IP de mi ordenador para consumir VOD geolocalizado. La industria limita el contenido que llega al público, y nosotros queremos elegir qué ver. Estamos en un mundo global, pero la industria insiste en limitarnos y decidir qué consumimos.

 

¿Es internet la muerte de las salas?

Creo que lo es si la industria no permite que la situación cambie: estrenos globales (está comprobado que se puede coordinar para estrenar cine doblado, así que no es excusa), precios más asequibles y variedad es lo que nos hace falta.

Las salas de cine son una experiencia única que no debe morir, el espectador sigue necesitándolas. Sobre todo los espectadores que no consumen VOD ni piratean, esos que no consumen tantas blockbusters y están acostumbrados a ver cine en salas. Esos parece que no contaran. Las blockbusters siguen llenando las salas, el 3D y el IMAX son cosas que se disfrutan mejor o sólo en los cines. Hay público, pero habrá aún más si ese público puede pagarse las entradas y puede ver las películas que quiere ver.

Comprendo las dificultades que atraviesan las salas cinematográficas y las razones que tienen para cerrar. Pero el problema no viene del pirateo, sino de una industria que insiste en un modelo anticuado. La industria debe adaptarse, como ya lo hizo antes. Debe asumir que existen otras formas de distribución, y que no por ello debe morir la experiencia única de asistir en masa a una sala oscura y entregarse a una historia.

Las salas no cerraron con la llegada de la televisión, no murieron con la llegada del VHS y el DVD, y no tienen por qué morir ahora. Sí, los videoclubes han muerto físicamente, pero porque han evolucionado al streaming y el alquiler online. Nada sustituye a la experiencia de la sala, ni los proyectores en casa (que ya llevan años en el mercado). El espectador tiene una nueva necesidad de consumo, y el mercado debe adaptarse a eso; pero eso no significa que el espectador no quiera consumir cine en una sala. Es más, veo la muerte de la televisión tal y como la conocemos antes que la muerte de las salas de cine. Creo que no es cuestión de rendirse y bajar los brazos, es cuestión de adaptarse.

Se está apuntando a un culpable que sólo es indicador de una necesidad de mercado. Es verdad que las webs de pirateo están haciendo dinero con publicidad, pero para vencerlas la industria sólo necesita ofrecer contenido de calidad con la misma facilidad que esas webs. Ninguna persona quiere banners molestos o posibles virus, y todos preferiremos pagar si tenemos la posibilidad de consumir en buena calidad eso que queremos consumir.

No hay que olvidar que lo que llamamos pirateo, que existió siempre y siempre encontrará el modo de renovarse, ha jugado un papel importante en el acceso a la cultura de personas que de otro modo no podrían acceder a ella. Si les facilitamos el acceso a esas personas, no tendrán la necesidad de buscar ese contenido en otra parte. El cine es cultura, y no hay que olvidarlo por más que también sea un negocio. En lugar de buscar culpables, habría que enfocarse en buscar soluciones.

11 nov. 2013

The To Do List

The-To-Do-List-Poster

No sé si es la llegada del frío o las ganas de no pensar demasiado, pero últimamente se me ha dado por recurrir mucho a la comedia. Desde que había visto el trailer de The To Do List tenía muchas ganas de verla, y me ha sabido a poco. Tenía la idea de que me gustaría tanto como Easy A -me encanta y la he visto quizás demasiadas veces-; pero resultó ser una película que se me quedó un poco corta.

The To Do List es graciosilla, entretenida, tiene algún que otro momentazo; pero no me terminó de gustar. Además del final 100% predecible, no me gustó el papel principal. Se supone que se trata de una cerebrito, pero al final no es más que otra nerd con tendencia a los accidentes. Aubrey Plaza lo hace bien, es el papel lo que no me convence. El resto de personajes no está mal, hay algunos que apenas salen en pantalla y arrancan bastantes risas.

Repito, la peli no está mal; pero no es la gran cosa. Y eso me desilusionó: que esperaba más. The To Do List es entretenida y bastante directa, simplemente no es lo que pensaba que iba a encontrarme. Quizás sea hora de dejar la comedia de lado y ponerme a ver otras cosas.

8 nov. 2013

Next Floor

Llegó el fin de semana, tiempo de excesos para algunos. Y con él el corto de la semana, que va de uno de esos excesos que nos gustan tanto: la comida. Next Floor va de glotones, de un festín bastante extraño, con personajes igual de extraños. Se trata de un cortometraje del director Denis Villeneuve, del que si no habéis visto algo ya, seguro habéis escuchado hablar: su película Incendies fue nominada al Oscar en 2011.

 

Buen fin de semana y cuidado con los excesos ;)

6 nov. 2013

Un tranvía llamado deseo y una mujer llamada Vivien Leigh

El 5 de noviembre de 1913 nació en la India una actriz inolvidable: Vivien Leigh. Para celebrar su cumpleaños número 100, he decidido hablaros de una de sus películas. Os he hablado ya de la película por la que ganó su primer Oscar, Gone with the Winddos veces-, así que esta vez escribo sobre su segundo Oscar y una de mis películas favoritas: A Streetcar Named Desire.

a-street-car-named-desire-poster

Protagonizada por Vivien Leigh y Marlon Brando, A Streetcar Named Desire fue candidata a 12 Oscars y ganó 4: Mejor actriz (Vivien Leigh), Mejor actor de reparto (Karl Malden), Mejor actriz de reparto (Kim Hunter) y Mejor dirección de arte en blanco y negro. Pero llevar la obra de Tennessee Williams al cine no fue fácil: debido a su temática nadie quería hacerlo. Elia Kazan ya había dirigido la obra en teatro y estaba más que satisfecho con el resultado, por lo que no quería hacerlo en cine. Tennessee Williams fue quien le convenció de hacerlo.

A Streetcar Named Desire se rodó en 36 días. La compañía Desire había pasado a ser una compañía de autobuses, pero aún quedaban tranvías en funcionamiento y le cedieron uno a la producción para el rodaje. La producción comenzó con ensayos en New York. Vivien Leigh se sentía completamente fuera de lugar, lo que Elia Kazan explotó para ayudarla a interpretar a su personaje. Vivien tampoco se sentía cómoda con Marlon Brando. Era mutuo; pero pronto lograron conectar y acabaron siendo amigos.

318713<br />

Se solicitaron varios cambios para el guión, sobre todo lo que hacía referencia a la homosexualidad y violación. Tennessee Williams dijo que el resultado final le gustó; pero no le gustó tanto el final hollywoodiense.

Hay tres diferencias fundamentales con la obra de teatro:

  • Se excluyó la homosexualidad del marido de Blanche. En la obra ella lo encuentra en la cama con otro hombre y él se suicida, y ella se siente culpable por no comprenderle. En la película simplemente dice que ella lo mató al llevarlo al suicidio.
  • La escena de la violación es aún menos clara que en la obra. Originalmente se eliminaron diálogos de Stanley por la censura, por lo que la escena puede no resultar del todo clara para el espectador que no conoce la historia.
  • El final no es el mismo: en la obra Stella se queda con Stanley, pero en la película le abandona como castigo (esto fue solicitado por el código moral de Hollywood).

Además, la película incorpora más escenarios a la historia: se suman la estación de autobuses, la bolera, el salón de baile, un puerto, y la planta de Stanley al apartamento y el patio.

 

El casting

El rol de Stanley fue ofrecido inicialmente a Robert Mitchum, pero la RKO no le permitió aceptarlo. John Garfield también lo rechazó, pero porque no quería que la actriz que interpretara a Blanche le quitara protagonismo.

Se consideró adaptar la obra con Bette Davis en mente para el papel de Blanche, aunque posteriormente se ofreció el papel a Olivia de Havilland (tenía un caché muy alto) y Jessica Tandy (había interpretado el papel en Broadway). Sin embargo, la elegida fue Vivien Leigh (por su status de estrella). Vivien tenía 36 años, por lo que se la maquillaba para aparentar más edad. La actriz ya había interpretado el papel en teatro, dirigida por su marido: Laurence Olivier. Vivien solía decir que fue el trabajo junto a Laurence Olivier el que más le influyó en su interpretación en la película.

Del grupo original que interpretó la obra en Broadway, nueve de ellos repitieron sus papeles en la versión cinematográfica: Marlon Brando, Kim Hunter, Karl Malden, Rudy Bond, Nick Dennis, Peg Hillias, Richard Garrick, Ann Dere y Edna Thomas.

BTS a streetcar named desire

 

¿Lo has notado?

A medida que la película avanza, la casa de los Kowalski parece cada vez más pequeña. El set se encoge. Literalmente. La idea era que el espectador sintiera la claustrofobia de Blanche. Creo que lo consiguen perfectamente.

 

Y hasta aquí mi humilde homenaje a la gran Vivien Leigh. Lo siguiente será ver sus películas, por supuesto. ¿Cuál es vuestra favorita?

4 nov. 2013

Girl most likely

girl_mostlikely_quad#13.indd

¿Os he hablado ya de mi girl crush, Kristen Wiig? Por ella estaba esperando –ansiosa- ver Girl most likely. Sabía que Annette Bening y Matt Dillon compartían cartel con Kristen, lo que me aseguraba un par de risas. El trailer no prometía demasiado, pero se trataba de una película con Kristen Wiig y todo lo que hace pasa por mis ojos.

Reconozco que no es una película inolvidable. Es una película entretenida, cuyo mensaje es no olvidar jamás quiénes somos y de dónde venimos en nuestro camino por alcanzar nuestros sueños. Me gustó ver a Kristen en un papel “nuevo”: la he visto ser una madre, una amiga, y ahora le tocaba ser la persona que aspiraba a algo en la vida y se ha quedado por el camino. Lo consiguió con la misma facilidad que consigue hacerme reír. Y logró que conecte con su personaje.

Las risas vinieron de la mano de Annette Bening y Matt Dillon, que poco hacen; pero lo hacen bien. Destaco a Christopher Fritzgerald en el papel de Ralph, el hermano autista. Tengo especial debilidad por ese tipo de personajes, y el suyo me ha encantado. Darren Criss hace de chico bueno, guapo, etc. No lo hace mal; pero quizás es el que menos aporta a la historia.

No esperaba mucho de Girl most likely, y no me desilusionó. En el momento en que la vi no pensé demasiado en el mensaje, pero una vez me senté a escribir logré conectar los puntos y darme cuenta de que ese “There’s no place like home” de la escena inicial tenía mucha importancia: la familia, esas personas a las que siempre podemos volver y nos estarán esperando de brazos abiertos. No hay que olvidar jamás de dónde venimos. Eso es lo que más me ha gustado de Girl most likely.