31 oct. 2013

Detrás del espejo

Hoy no os quito mucho tiempo. ¿Qué hay detrás del espejo? Tendréis que descubrirlo.

¡Feliz Halloween, que descanséis con el puente y que tengáis un buen fin de semana!

30 oct. 2013

Spooky Halloween 2013: detrás de Scream

Desde pequeña adoro Halloween, y mi afición por el cine de terror me llevó a ver muchísimas películas del género. Los que habéis consumido este tipo de cine sabéis que hay cinco reglas que se cumplen siempre en las slasher:

1. Morirás si te acuestas con alguien
2. Morirás  si bebes o te drogas
3. Morirás si dices “Enseguida regreso”
4. Cualquiera puede ser el asesino

Wes Craven, mítico en el género, se animó a incluir dos más:

5. Morirás si preguntas “¿Quién anda ahí?”
6. Morirás si vas a investigar ese extraño sonido afuera

La película en que lo hizo es la que espero que todos estéis pensando: Scream. Y de ella voy a hablaros hoy. 


Originalmente titulada Scary Movie, Scream está inspirada en un asesino del estado de Florida conocido como Gainesville Ripper (su nombre real: Danny Rolling). 

Wes Craven eligió para el asesino una máscara que encontró en una casa californiana donde planificaba rodar. La máscara estaba inspirada en el “Grito” de Edvard Munch. Le hizo una foto y solicitó que se creara una similar para no pagar derechos de autor. La túnica del asesino iba a ser blanca para que pareciera un fantasma, pero la producción decidió cambiarla para evitar que se asociara con el Ku Klux Klan. 

Bob Weinstein pensó que la máscara era “idiota” cuando vio las primeras tomas rodadas, y solicitó que se rodara una escena con siete máscaras diferentes para elegir la mejor. Los productores respondieron amenazando con cancelar el rodaje. Le dijeron que esperara a ver la primera secuencia de la película antes de hacer cambios.  Al ver la secuencia protagonizada por Drew Barrymore, Weinstein se tragó sus palabras y no solicitó más cambios durante todo el rodaje. 

El rodaje en el instituto tuvo que moverse del Santa Rosa High School (California) porque la directiva del instituto se negó a ceder el establecimiento -a pesar de haberlo aprobado antes- debido a la violencia de la película. La venganza de Wes Craven por cancelarle el rodaje a último momento fue simple: en los créditos de la película se lee "NO THANKS WHATSOEVER TO THE SANTA ROSA CITY SCHOOL DISTRICT GOVERNING BOARD" (No se agradece a los directivos del Santa Rosa).

Scream se encontró con otra traba: la MPAA revisó la película nueve veces, pensando en clasificarla para mayores de edad. Cada revisión resultó en recortes de las tomas más gore. Cuando la película estaba a punto de perder toda su esencia, Bob Weinstein intervino y obtuvo la clasificación adecuada. Pidió que vieran la película como una comedia y no como una película de terror, y eso fue suficiente.

Una de las cosas que la MPAA quería eliminar era la toma del asesino apuñalando a Casey. Wes Craven les dijo que no podía cambiarla porque no habían rodado otra toma. Y así se quedó.

Scream se estrenó a cinco días de Navidad porque pensaban que sería mejor que los espectadores de cine de terror tuvieran algo que ver en una época en la que todo lo que se estrena es cine familiar. Al principio no recaudó más de 6 millones y medio; pero el boca a boca hizo que la afluencia del público a las salas aumentara. La película recaudó 100 millones solamente en Estados Unidos.

Casting 



Drew Barrymore iba a interpretar a Sidney Presscott, pero insistió en interpretar a Casey para sorprender a los espectadores. Sólo aparece 12 minutos en pantalla. La primera opción para el papel de Sidney, sin embargo, fue ¡Molly Ringwald! Lo rechazó porque no pensaba que fuera coherente interpretar a una adolescente con 27 años. Reese Witherspoon también rechazó el papel de Sidney. Las actrices que intentaron obtenerlo sin éxito fueron Alicia Witt, Brittany Murphy, Melissa Joan Hart, Melanie Lynskey, Melinda Clark y Tori Spelling. Neve Campbell fue la elegida.


El rol de Billy iba a ser para David Arquette, que lo rechazó porque prefería interpretar a Dewey. Otro que lo rechazó fue Joaquin Phoenix. Justin Whalin llegó a hacer pruebas de cámara para el papel junto a Neve Campbell. Kevin Patrick Walls también audicionó para el rol de Billy, y como compensación por perderlo obtuvo el papel del novio de Drew Barrymore.

Matthew Lillard, que interpreta a Stu, fue considerado para el papel de Billy. David Arquette, que también fue ofrecido el papel de Billy, inicialmente probó el rol de Stu. Otro que intentó interpretar a Stu fue Freddie Prinze Jr.

Breckin Meyer, Jason Lee y Jamie Kennedy se disputaron el rol de Randy. Se lo quedó Jamie Kennedy. Brooke Shields fue considerada para el papel de Gale después de que Jeaneane Garofalo lo rechazara. Se lo quedó Courtney Cox.

Detrás de cámaras


Para lograr que Drew Barrymore estuviera toda su secuencia asustada y ahogada en llanto, Wes Craven le contaba historias sobre crueldad hacia los animales. 

La voz en el teléfono es de Roger Jackson a quien no conocieron ni Drew Barrymore ni Neve Campbell. Durante el rodaje hablaban con él por teléfono, sin verle la cara. Las llamadas se hacían en el propio set desde un teléfono móvil, y aparentemente la policía contactó al equipo para interrogarles porque pensaban que se trataba de un asesino real.


¿Quién estaba detrás de la máscara del asesino? En la mayoría de las escenas se trata de un actor desconocido, pero hay dos en las que el actor cedió su puesto. En la primera secuencia, cuando el asesino atraviesa su cabeza por una ventana y Casey le golpea con el teléfono se trata de Wes Craven. El director recibió un buen golpe en la cara. Y en la escena en la que el asesino está detrás de Randy, se trata de Skeet Ulrich. El actor pidió usar el traje al menos en una escena. 

Hubo dos escenas en las que Wes Craven decidió quedarse con tomas que salieron “mal” por su autenticidad: cuando el teléfono se cae de la mano de Billy y golpea en la cabeza de Stu, y cuando Sidney sale del armario y apuñala a Billy con un paraguas (debía darle en un parche acolchado del pecho, pero en el segundo golpe le dio de lleno en el pecho).

La escena de la fiesta dura 42 minutos. Se rodó en 21 días, desde el anochecer hasta el amanecer. Una vez terminó el rodaje de esa escena, el equipo recibió camisetas con un mensaje: “Sobreviví a la escena 118”.



Dewey iba a morir como resultado de la puñalada en la espalda; pero Wes Craven rodó una escena en la que le llevaban al hospital por si cambiaba de opinión al respecto del personaje. Durante la proyección de prueba el público adoró a Dewey, y Craven decidió salvarle. Por lo tanto, Dewey no está inconsciente cuando Billy ataca a Gale, está muerto. Si os fijáis, se supone que no respira.

Referencias y guiños


La primera vez que vemos a Billy, suena Don’t fear the reaper (una pista que, sospecho, muy pocos habían captado).


El bedel es una referencia a Freddy Krueger: no sólo viste de verde y rojo, se llama Fred. Wes Craven se homenajea interpretando el papel de Fred. También se homenajea, y a John Carpenter, cuando Tatum dice que la situación es “como una película de Wes Carpenter”.

Halloween, de John Carpenter, tiene otro guiño en Scream. Cuando Randy le grita a Jamie Lee Curtis que se gire, y el asesino está detrás suyo, se trata de una broma interna: coincide que el actor se llama Jamie (Kennedy) y él también debería girarse.

Scream es una de mis películas favoritas, porque homenajea a películas con las que crecí y se ríe de sí misma. Wes Craven es una persona que admiro mucho, y cuando estrenó Scream me pareció una genialidad. Marcó una época, revivió el género y recuerdo que todo lo que escribía y quería hacer entonces era cine slasher. Y por eso, este Halloween lo comienzo hablando de él.

28 oct. 2013

Les femmes du 6ème étage

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Les femmes du 6ème étage es una de esas pelis que dan buen rollo. La historia es muy simple: inmigrantes españolas en París, una familia rica y conservadora, intercambio cultural. No es de esas películas que cambian el modo en que ves las cosas, sino solamente una historia que combina esos ingredientes. Y que entretiene.

Me gustó, aunque luego de conocer a los personajes me hubiera gustado saber más de los secundarios. Quizás me habría enfocado en ellos, y seguramente mi película habría sido diferente. Me interesó el personaje de Carmen Maura, que se conforma con lo que tiene y con el objetivo de su casa, su marido y su bañera. Su personaje me hizo pensar en muchas cosas. Sin embargo, la historia de su personaje queda en segundo plano, como el de Lola Dueñas (otro que habría explotado más).

Les femmes du 6ème étage me pareció una historia bonita, que me dejó de buen humor. Pero con el paso de los días, me quedé con esos personajes secundarios mucho más que con los principales. Sin embargo, me lo pasé muy bien y me divertí con la historia. Lo habría contado de una forma diferente, pero el resultado es entretenido.

25 oct. 2013

El gran Vincent

Hoy se cumplen 20 años del día en que Vincent Price nos dejó. Así que he decidido homenajearlo con un cortometraje narrado por él y dirigido por su mayor admirador: Tim Burton.

Por supuesto, se trata de Vincent (1982).

¡Buen fin de semana!

23 oct. 2013

The Bling Ring

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A veces pasa que ves una película y crees que está bien ejecutada, pero no conectas con la historia. Es lo que me ha pasado con The Bling Ring. Tenía muchas ganas de verla, esperaba ansiosa descubrir lo nuevo de Sofia Coppola. Y me dejó fría.

The Bling Ring critica la fascinación con la fama y la fortuna, la facilidad con la que cualquiera pasa de ser nadie a ser una “estrella” y cómo la juventud de hoy aspira a aparentar esa fama, a llegar a eso al precio que sea. Y lo cuenta inspirándose en una historia real.

Historia que, en su momento, me resultó poco interesante. Pero cuando supe que Sofia la iba a llevar al cine, pensé que la vería de otra manera. Quizás fue eso lo que me dejó fría: que no me interesaban para nada los personajes. Porque reconozco que la película está bien, que los actores están muy bien -especialmente Emma Watson- y no sé si tengo algo que criticar.

Simplemente no conecté: se me hizo una historia tan superficial como sus protagonistas. Imagino que era a lo que apuntaba Sofia, pero también supongo que apuntaba a hacernos reflexionar acerca de todo eso que critica The Bling Ring, y yo no he reflexionado mucho.

Lo primero que dije al terminar de ver The Bling Ring fue que parecía una película hecha por alguien más, intentando imitar algunas cosas del cine de Sofia Coppola. The Bling Ring sigue insistiendo en el vacío de la fama y el dinero que tantas veces comunicó Sofia, y sin embargo a mí me ha movido mucho menos que sus otras películas.

Me resulta curioso que se hablara tan mal de Somewhere -película que me encantó-, y ahora se aplauda The Bling Ring. Las comparo porque ambas son lo más reciente que ha hecho Sofia Coppola, y porque creo que muestran dos posiciones dentro del mismo tema (el famoso y el que quiere serlo). Se critica a Sofia por hablar de lo vacío que es el mundo de la clase media-alta, pero The Bling Ring no habla de gente pobre. Habla de lo mismo. Entonces, ¿qué criticamos?

The Bling Ring tiene mucho que me ha recordado a Marie Antoinette, la que es considerada como lo peor de Sofia. Es que no entiendo. No entiendo por qué me gustó Marie Antoinette y The Bling Ring me dejó fría. Al final creo que es cuestión de estética, de gustos personales y del interés que nos generen la historia y los personajes. Porque, en el fondo, Sofia Coppola sigue hablando de lo mismo.

21 oct. 2013

Una noche en el Bates Motel

Llevo tiempo mordiéndome la lengua, pero ha llegado el momento de contarlo: gracias al Canal TNT he pasado una velada en el Bates Motel. Una velada inolvidable, por supuesto, que he decidido contaros hoy.

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A principios de septiembre recibí una invitación que no podía rechazar: junto a un grupo de bloggers iba a descubrir la serie Bates Motel. No podía rechazarla por dos razones: me interesaba ver cómo resolvían la precuela de la película de Hitchock (Psycho) y Norman está interpretado por uno de esos actores a los que les sigo la carrera desde el comienzo, Freddie Highmore.

La experiencia resultó muy interesante. Nos invitaron a ver cinco episodios de la serie. Episodios que nos dejaron con ganas de ver más. Y, como sorpresa, una vez terminamos de ver los episodios Norma y Norman Bates nos invitaron a cenar.

No se trataba de Vera Farmiga y Freddie Highmore (los actores que los interpretan en la serie), sino de dos actores que supieron meterse en la piel de los personajes y hacernos pasar una cena de lo más divertida (Teresa Jiménez y Eduardo Ferrés). En un escenario bastante terrorífico, pasamos por situaciones que viven los personajes de la serie y nos llevamos de recuerdo un llavero de nuestra habitación en el Bates Motel.

La serie tiene muchos guiños a la película (y es muy entretenido buscarlos); pero también se sale un poco de la historia original. Por ejemplo, Norman Bates perdía a su padre a los 5 años en la historia original y en Bates Motel un poco más adelante. Tanto Vera Farmiga como Freddie Highmore están geniales: ella en un papel que me interesaba ver vivo, y él interpretando a un Norman que me ha encantado. Sé que no es justo comparar el trabajo de dos actores en un mismo papel, pero es inevitable. Y Freddie no tiene nada que envidiar a Anthony Perkins.

Tampoco hay que ver la serie esperando ver algo exacto a la visión Hitchock, porque es obra de otras personas y está concebido para extenderse contando más historias. Pero sí, como os digo más arriba, Hitchcock y su visión tienen un homenaje dentro de Bates Motel. Algo que destaco muchísimo es la estética: tardé en darme cuenta de que estaba ambientada en la actualidad, porque los protagonistas parecen estar detenidos en el tiempo. Dentro del Bates Motel parece estar todo detenido en el pasado, pero el motel tiene su website y los personajes usan smartphones.

El pueblo también es muy interesante: todos coinciden que les recuerda a Twin Peaks. Y, sí, está completamente inspirado en Twin Peaks: Carlton Cuse se confiesa fanático de la serie y dice sin tapujos que Bates Motel son los episodios que le faltaban para completarla. El pueblo en sí es un personaje. Y si dentro del Bates Motel ocurren cosas raras, fuera de él también hay misterios que descubrir.

Y, por supuesto, no hay que olvidar que quienes ya vimos Psycho estamos esperando ver qué ocurre en la vida de Norman y qué ocurrió con Mrs. Bates. Queremos saber más sobre ella, saber qué relación tenía con su hijo y los sucesos que llevaron a ese final que Hitchock nos mostró en los sesenta. Espero ansiosa descubrirlo todo.

 

La película de Hitchcock

Para ir abriendo boca, he decidido contaros también un poco más sobre la película de Hitchcock de la que Bates Motel es precuela. El director en sí mismo es una leyenda, pero además de sus famosos cameos hay otras cosas interesantes. Haré como él, y os revelaré pronto su aparición en Psycho, para que os centréis ;)

Hitchcock se decidió a producir Psycho cuando sus planes de rodar No Bail for the Judge con Audrey Hepburn se pincharon. Compró los derechos de la novela de forma anónima a Robert Bloch por 9.000 dólares. Y compró todas las copias que pudo, para mantener en secreto el final de la historia.

Psycho se trataba de su última película en blanco negro y su última película para Paramount. Eligió rodarla en este formato porque creía que el color la haría demasiado gore, y porque quería invertir menos de un millón en la producción.

Usó el mismo equipo de su programa de tv, Alfred Hitchcock Presents, para ahorrar tiempo y dinero. El rodaje duró aproximadamente tres meses: del 30 de noviembre de 1959 al 1 de marzo de 1960. Se rodó en los estudios Universal, donde Hitchcock ya estaba instalado. Psycho costó 800.000 dólares, y ganó más de 40 millones. Hitch se llevó gran parte de las ganancias, porque el estudio no creía que sacaría dinero de la película y se las cedió por adelantado.

Seguro que todos sabéis que en la entrada de los cines que exhibían Psycho había una imagen de cartón de Hitchock señalando su reloj, la cual decía algo como:

“El manager de esta sala está obligado a no permitir entrar personas una vez la película ha comenzado. Su vida depende de ello. Cualquiera que intente entrar a través de puertas laterales, salidas de incendio o pozos de ventilación será castigado. El objetivo de esta política es que disfrutéis de la completa experiencia de Psycho. Alfred Hitchcock”.

Lo que quizás no sabéis es que, gracias a esto, entrar a las salas de cine antes de que comience la película se convirtió en una costumbre (antes, se podía entrar en cualquier momento).

 

Actores

Antes de decantarse por Janet Leigh, Hitchock consideró a Eva Marie Saint, Lee Remick, Angie Dickinson, Piper Laurie, Martha Hyer, Hope Lange, Shirley Jones y Lana Turner para el rol de Marion. Hitchock le dijo a Leigh: “Te contraté porque eres una actriz. Sólo te dirigiré si A: intentas acaparar más de lo que debes, B: no acaparas lo suficiente, o C: tienes problemas para motivar el movimiento a tiempo”.

Se permitió improvisar a Janet Leigh y Anthony Perkins. Leigh rodó durante tres semanas, una de ellas solamente la escena de la ducha. Durante el rodaje, Hitchock llamaba a Anthony Perkins “Master Bates”. El actor recibió 40.000 dólares por su trabajo, exactamente la misma cantidad que Marion se roba en la película.

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Durante la preproducción, Hitchcock dijo que consideraba a Helen Hayes para el papel de Mrs. Bates, una mentira por la que recibió varias cartas de actrices solicitando que las probara para el papel. Eso no le detuvo, y siguió creando misterio alrededor del personaje: en el set siempre había una silla para Mrs. Bates.

Hitchcock  probó la eficacia de “Mrs. Bates” con Janet Leigh: la dejó sentada en su camerino y esperó a escuchar cuán fuerte gritaba. La voz de la madre de Norman pertenece a tres actores diferentes: Paul Jasmin, Virginia Gregg y Jeanette Nolan. Las tres voces están mezcladas, pero podéis oír a Nolan cuando los gritos al descubrir el cadáver de Mrs. Bates, y el último discurso es Gregg.

 

En el set

El primer día de rodaje, se pidió a todo el equipo que prometiera solemnemente que no contarían ni una palabra de la historia. Además, ninguno de los actores tenía en su guión el final, y no lo conocieron hasta el momento de rodarlo. Todos llamaban a la película “Production 9401” o “Wimpy”, en honor a un cameraman que aparecía en las claquetas y las hojas de producción.

La primera escena en rodarse fue en la que Marion es detenida por un policía. Se rodó en la autopista del Golden State. Para implicar al espectador y hacerlo sentirse como un voyeur, Hitchock eligió una lente de 50 mm para su cámara de 35 mm. Esto logra un efecto similar a la visión humana, y podréis notarlo específicamente cuando Norman espía a Marion.

El efecto de la toma de la ducha, en la que la cámara es la alcachofa, se logró construyendo una alcachofa de casi dos metros de diámetro. La casa de Norman era el set más caro de la película, y costó 15.000 dólares. Se utilizaron piezas de otras películas para construirla, incluida una torre de la casa de Harvey (1950).

La inspiración para la casa fue una pintura: “House by the Railroad”, de Edward Hooper (1925). La casa se ha movido, y está en los estudios de Universal. Se ha reutilizado para series de tv: Laredo en 1965-66, Emergency! en 1972, Captains and the Kings de 1976, entre otras. Pero no, no se utilizó el set original para Bates Motel.

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La escena de la ducha

Para la famosa escena de la ducha se dedicaron 7 días de rodaje, 70 ángulos de cámara y 90 cortes. La escena dura 45 segundos, y sólo en dos de ellos vemos al cuchillo tocar el cuerpo de Marion.

En un principio, iba a ser una escena totalmente en silencio. Bernard Hermann compuso música de todas formas, y cuando Hitchcock la vio junto a la música, cambió de opinión. El sonido del cuchillo cortando la piel es el de un cuchillo apuñalando un melón y la sangre es sirope de chocolate.

Anthony Perkins no participó del rodaje de esta escena por decisión de Hitchcock: no quería que se reconociera la figura del actor y adivináramos el final. Contrario a la leyenda, el agua de la ducha no cambiaba de temperatura repentinamente. Janet Leigh aseguró que fue agua tibia durante todo el tiempo.

Ella no iba desnuda, llevaba parches adhesivos cubriendo “sus partes privadas”. Se supone que, por esta razón, es imposible que saliera cualquier cosa en cámara que la censura pudiera vetar. Pero algunos aseguran que los parches cedieron al mojarse y que Hitchcock utilizó en el corte final una toma que hizo con la actriz desnuda. También se habla de una doble (Marli Renfro), y de que en la toma en la que ella cae pueden verse sus pechos. Dejaré que cada uno juzgue.

Al final de la escena, la toma que se aleja de Janet Leigh es un fotograma congelado. Se decidió que fuera así porque Alma, la esposa de Hitchcock, notó durante unas pruebas que el pulso de Janet Leigh se veía claramente en su cuello.

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Me dejo para el final la leyenda de que Saul Bass fue quien dirigió la escena. Está comprobado que él realizó el storyboard, pero no que la haya dirigido. Cuánto es suyo y cuánto de Hitchcock, sólo ellos lo saben.

 

Metafórico

Hitch no dejaba nada al azar, y Pyscho tiene muchos detalles interesantes para señalar:

  • Nada del vestuario de Leigh estaba elegido al azar. La ropa se compró en tiendas populares, para que los espectadores la vieran vestida con ropa que cualquier secretaria podía llevar y se identificaran con ella.
  • En la escena inicial, Marion lleva un sujetador blanco. Y también la vemos con un bolso blanco. Representan su inocencia. Después de que ha efectuado el robo, la vemos con un sujetador y un bolso negros.
  • La última toma de Norman Bates es un fotograma detenido, con una calavera sobreimpresa: la de su madre.

 

Varias curiosidades

Originalmente, Psycho iba a tener una banda sonora de jazz. Bernard Hermann compuso una banda sonora únicamente con instrumentos de cuerda. A Hitchcock le gustó tanto, que dobló el salario del compositor a 34.501 dólares.

En el trailer, la actriz que aparece gritando no es Janet Leigh, sino su doble: Vera Miles. Janet no estaba disponible cuando se rodó el trailer.

La escena de la ducha traumatizó a Janet Leigh tanto que no volvió a ducharse en su vida. Pero no fue durante el rodaje que se traumatizó, sino al ver la escena en pantalla: la actriz confesó que le hizo darse cuenta de lo vulnerable que es uno en la ducha. No fue la única: Hitchcock recibió una carta de un padre enfadado porque su hija se negaba a darse baños después de ver Les diaboliques (1955), y ahora que había visto Psycho tampoco quería ducharse. Hitchock le respondió: “envíela a la tintorería”.

No fue la única carta que recibió Hitch: varios oftalmólogos le escribieron diciendo que las pupilas de Janet Leigh estaban contraídas en los primeros planos después de su muerte. Debían estar dilatadas. Le recomendaban que usara gotas de belladonna para lograr el efecto. Hitchcock tomó nota y utilizó el truco en sus películas posteriores.

Anthony Perkins también resultó “afectado” por Psycho: hasta el día de hoy todos (y me incluyo) le asociamos con Norman Bates, y por ello él se negaba a hablar de ese personaje. De todas formas, confesó que aún si hubiera sabido que esto iba a ocurrir, hubiera aceptado el papel.

 

Bates Motel se estrena en TNT el 22 de octubre, a las 23.20 horas. ¿La vais a ver?

18 oct. 2013

Bedhead

Hoy toca mostraros el primer corto de otro director que está “de estreno”. Se trata de Bedhead, de Robert Rodriguez. El corto dura 8 minutos y lo realizó cuando estudiaba en la Universidad de Texas (1991).

Los protagonistas son sus hermanos, David y Rebecca. Su hermano David escribió la historia junto a Robert y Bryant Delafosse. El equipo de rodaje estaba compuesto por su familia, y el corto costó 800 dólares. La animación de los créditos es de Robert Rodríguez. Bedhead le ayudó a cerrar su contrato con Miramax, con la promesa de convertirlo en un largometraje (que a estas alturas no sé si realizará), y ganó varios premios en festivales (que le ayudaron a producir El Mariachi).

¡Buen fin de semana!

16 oct. 2013

Detrás del Mago de Oz

Me sorprende no haber dedicado una entrada aún a The Wizard of Oz, siendo que es una de mis películas favoritas y un clásico de clásicos. Siempre hay tiempo para enmendar un error, y hoy es el día en que os contaré sobre la película, aprovechando que el domingo pasado se cumplió el aniversario del inicio del rodaje de la película.

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La MGM compró los derechos de la novela “The Wonderful Wizard of Oz” junto con los del musical y los de una comedia muda de Larry Semon inspirada en la novela (The Wizard of Oz, 1925). Se pagaron 75.000 dólares.

La idea de MGM era superar el éxito de Snowhite and the Seven Dwarfs, y ganarle a Walt Disney en la carrera por llevar la novela de L. Frank Baum al cine. Si bien se hicieron con los derechos y fueron los primeros en llevar la aventura de Dorothy al cine, Disney se desquitó años después produciendo tres películas inspiradas en el mundo de Oz: Return to Oz (Walter Murch, 1985), The Muppets’ Wizard of Oz (Kirk R. Thatcher, 2005) y Oz the Great and Powerful (Sam Raimi, 2013).

The Wizard of Oz es resultado de mezclar las tres obras (novela, musical y película): los compañeros de Dorothy (granjeros que conocía en Kansas) y el final son inspirados en la película de Larry Semon; la tormenta de nieve forma parte del musical (en la novela el Espantapájaros y el Hombre de Hojalata cargan con Dorothy a hombros, mientras que el León es llevado en un camión tirado por ratones). A pesar de tener los derechos del musical, el estudio decidió componer nuevas canciones, ya que consideraban que las originales no tenían mucha relación con la trama y los personajes.

La novela y la película son bastante diferentes aunque, en el fondo, creo que la historia de Dorothy sigue siendo bastante oscura. La sinopsis de Rick Polito es mi favorita, y la que más se ajusta a esto que afirmo: “Transported to a surreal landscape, a young girl kills the first person she meets and then teams up with three strangers to kill again” (Después de ser transportada a un escenario surrealista, una joven asesina a la primera persona que se encuentra. Posteriormente, se une a tres extraños para matar nuevamente).

Si habéis leído el libro sabéis que hay tigres-osos descuartizados, lobos decapitados, abejas que se auto-inmolan, y que los cuatro protagonistas reciben la orden del Mago de matar a la Bruja. Tratar de adaptar la historia a una película que la censura aprobara no fue nada fácil. Catorce guionistas fueron los responsables del proyecto. Pensaron en nuevos conflictos mucho más inocentes, siguiendo la indicación de convertir la historia en una comedia musical.

Los primeros borradores incluían nuevos personajes y situaciones: un hijo para la Bruja (al que ella quería colocar en el trono de Oz), una sobrina para Miss Gluch, un rescate del globo del Mago por parte del departamento de bomberos Munchkin, una princesa cantarina y un pretendiente cobarde que se transforma en león, un puente-arcoiris-trampa de la Bruja para Dorothy, y un interés romántico para Dorothy (uno de los granjeros).

Las ideas no colaron, y los guionistas retornaron a la novela para no alejarse demasiado de la historia original. El guionista “principal”, Noel Langley, recibe este título en los créditos por ser quien más ideas logró plasmar en el guión final; pero no le gustó demasiado el resultado final.

The Wizard of Oz no sólo fue difícil para los guionistas, también se dificultó encontrar un director. Cinco directores trabajaron en la película:

  • Richard Thorpe no tuvo mucha suerte: ninguna de sus escenas entró en el montaje final, y el estudio le reemplazó con George Cukor.

  • Cukor no llegó a rodar, sólo se limitó a cambiar el maquillaje de Judy Garland y Ray Bolger.

  • Victor Fleming rodó la mayoría de la cinta, hasta que se le asignó Gone With the Wind.

  • King Vidor rodó las secuencias que Fleming no completó: las escenas en blanco y negro. Sí, él es el responsable del tornado y de esa escena que todos tenemos en mente cuando escuchamos “Over the Rainbow”.

  • El quinto director en realidad era uno de los productores: Mervyn LeRoy. Se encargó del rodaje de algunas escenas de transición.

Si bien el trabajo de Richard Thorpe nunca llegó a verse en pantalla, en las dos semanas que llegó a dirigir rodó las escenas en las que Dorothy conoce al Espantapájaros y las del castillo de la Bruja. Las diferencias con la película que llegó a las salas son varias: Dorothy era rubia e iba maquillada como una muñeca, el Espantapájaros llevaba otro maquillaje y pantalones, la Bruja también llevaba otro maquillaje, Buddy Ebsen era el Hombre de Hojalata, el Camino Amarillo no se curvaba y estaba hecho de otro tipo de ladrillos. Todo esto se sabe por cintas caseras de Harold Arlen, ya que la cinta de Thorpe nunca vio la luz.

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El rodaje de The Wizard of Oz comenzó el 13 de octubre de 1938 y terminó el 16 de marzo de 1939. Costó 2.777.000 dólares, y ganó 3.000.000.

 

Recortes

El primer montaje de The Wizard of Oz duraba 120 minutos, lo que para entonces era demasiado. Había que recortar al menos 20 minutos de la cinta. El productor Mervyn LeRoy fue el encargado de decidir qué eliminar, y lo hizo a partir de tres proyecciones. El montaje original sólo fue proyectado una vez en California y los asistentes fueron los únicos en ver la famosa escena del baile Jitterbug: fue el primero en desaparecer en la sala de montaje, junto con la versión larga del baile del Espantapájaros (“If I Only Had a Brain”).

La segunda proyección fue de 112 minutos. LeRoy recortó la segunda versión de “Over the Rainbow” (en el castillo de la bruja), una escena en la que el Hombre de Hojalata se convertía en una especie de colmena, la escena en Ciudad Esmeralda donde volvían a cantar “Ding Dong The Witch is Dead”, una escena en la que Hickory construía una máquina para protegerse de los tornados, y muchas líneas de diálogo de la Bruja.

Para la tercera proyección, la película duraba 101 minutos. Y así se quedó, aunque podría haber durado menos: el estudio pensaba que la secuencia de Kansas era demasiado larga y quería eliminar la escena de Dorothy cantando “Over the Rainbow”. Además, pensaban que los niños no la entenderían, y que ver a Judy Garland cantar en una granja era degradante. Me alegra que al final no la quitaran.

En 1998, Warner Bros. consideró volver a montar la escena del baile del Espantapájaros, pero no lo hizo. Sin embargo, podréis verla en el DVD de extras de la Edición Especial. Y aquí:

 

Casting

MGM tenía en mente una lista de nombres para The Wizard of Oz que finalmente no hicieron historia: W.C. Fields como el Mago y Charlotte Henry como Dorothy. Ninguno de los dos se encontraba disponible, por lo que el proyecto no avanzó hasta que apareció Judy Garland.

Y, aunque Judy Garland se quedó con el papel, varias actrices más fueron consideradas para el papel de Dorothy: Shirley Temple, Deanna Durbin y Bonita Granville, por ejemplo. Como Judy era mayor de lo que se suponía que debía ser Dorothy, usaba una especie de corsé que le aplanaba el pecho para que pareciera menor.

La Bruja del Oeste originalmente sería una mujer hermosa, y sería interpretada por Gale Sondergaard. Pero el que fuera guapa iba en contra de la idea de que las brujas son feas, idea que los productores consideraban importante para la historia. Probaron maquillar a Gale Sondergaard para convertirla en bruja fea, pero la actriz renunció al papel al ver el resultado.

Sondergaard fue reemplazada por Margaret Hamilton, quien siempre adoró la novela. Margaret imaginó a su bruja como una persona que odiaba todo, que era infeliz y solitaria. Su bruja era una mujer frustrada, que nunca obtuvo lo que quería. Lo que no esperaba: su bruja asustaba a los más pequeños. Trabajó 23 semanas, aunque fue contratada para seis. La mayoría de sus escenas fueron recortadas o eliminadas.

Ray Bolger iba a interpretar al Hombre de Hojalata; pero prefirió interpretar al Espantapájaros porque su ídolo, Fred Stone, había interpretado el papel en teatro durante 1902 (fue considerado para la película, pero era muy mayor). Buddy Ebsen iba a ser el Espantapájaros, y accedió a intercambiar papeles con Bolger. El papel del Espantapájaros obligó a Bolger a llevar una prótesis de goma que imitaba tela. La marca de esa textura le quedó grabada en la cara durante más de un año.

El maquillaje del Hombre de Hojalata también trajo problemas. Tenía aluminio, lo que afectó los pulmones de Ebsen y le causó una alergia tan grave que acabó en el hospital. Fue reemplazado por Jack Haley; pero su voz puede escucharse en “We’re off to see the Wizard” e “If I were King of the Forest”. La voz de Haley es la de “If I only had a heart” e “If I only had the nerve”. Jack Haley tiene, además de voz de Ebsen, una voz falsa cuando es el Hombre de Hojalata. Su voz real es la de Hickory, en Kansas. La voz del Hombre de Hojalata es la que Haley usaba para contar historias a su hijo.

El León Cobarde iba a ser interpretado por Jackie the Lion (el león de la MGM), y doblado por un actor; pero se decantaron por un humano: Bert Lahr. Su maquillaje incluía una bolsa de papel, lo que le prohibía comer sin arruinar el maquillaje. Cansado de la sopa y los batidos, Bert Lahr decidió que sería mejor que le maquillaran dos veces al día. Su traje pesaba unos 40 kilos y estaba hecho de piel de león. El set era tan caluroso que le hacía sudar, y por la noche debían secarlo para que pudiera usarlo al día siguiente. No olería muy bien.

El Mago fue escrito para W.C. Fields, a quien le ofrecieron 75.000 dólares y varios pequeños papeles más para darle más tiempo en pantalla. Fields quería 100.000, y rechazó el trabajo. El elegido para reemplazarlo fue Frank Morgan, a quien podemos ver como el Mago, el Profesor Marvel, el portero, el cochero con un caballo de otro color y el guardia del Mago.

Judy Garland hangs out with the Munchkins while taking a break from filming the Wizard of Oz

Los Munchkins fueron interpretados por los Singer Midgets, un grupo europeo. Muchos no eran verdaderos cantantes y apenas hablaban inglés, por lo que fueron doblados. Sólo dos de ellos hablan realmente en la cinta final: los que dan flores a Dorothy cuando sube al carruaje. Tenían un salario menor que Toto: el perro cobró 125 dólares a la semana, y ellos 50. Trabajaron 6 días a la semana.

Toto (Terry) no sólo cobró más que los Munchkins, tuvo un doble: lo pisaron durante una escena y fue sustituido durante dos semanas. Al finalizar el rodaje Judy Garland intentó adoptarlo; pero su dueño no quiso regalárselo.

 

Detrás de cámaras

  • Para poder maquillar a todos los actores que necesitaban prótesis, la MGM contrató personal al que entrenó en la aplicación de un tipo específico de prótesis. Los maquilladores se colocaban en fila e iban colocando su prótesis a los actores como si se tratara de una línea de ensamblaje.
  • El tornado era de muselina, medía casi 11 metros, y se agitó alrededor de miniaturas de una granja en Kansas.
  • La toma de la caída de la casa de Dorothy se hizo dejando caer una casa en miniatura sobre una pintura de un cielo. La cinta se revirtió para lograr el efecto.
  • Los caballos de Ciudad Esmeralda fueron pintados con cristales de gelatina. Había que rodar rápido, porque los caballos se lamían y se quitaban el color.
  • La nieve de la escena del campo de amapolas era asbesto. Ya se sabía que no era bueno para la salud.
  • Durante la escena del bosque encantado, varios actores interpretando a los Monos resultaron heridos: los cables que los sostenían se rompieron y los actores sufrieron varias caídas.
  • Surrender Dorothy” fue escrito en un tanque de agua, con una bruja en miniatura que llevaba una aguja hipodérmica llena de leche. Se filmó desde abajo, por lo que se escribió en espejo.
  • Cuando la bruja intenta robarse las zapatillas, es rechazada por “fuego”: zumo de manzana. Se aumentó la velocidad de la película en esta toma para lograr el efecto.
  • El camino amarillo revelaba verde en las primeras pruebas de Technicolor. Se ajustó el color durante el proceso, algo que en aquella época aún no era común.
  • Las zapatillas eran plateadas (como en el libro), pero Louis B. Mayer las prefirió rojas porque consideraba que al ser una película en Technicolor se verían mejor.
  • La escena en la que Dorothy “entra” en Oz se hizo pintando el interior de la casa de sepia. La Dorothy que abre la puerta es una doble, vestida de sepia.
  • La escena en la que el Mago entrega premios a los protagonistas iba a ser musical. Las líneas de diálogo iban a ser cantadas, pero se decantaron por transformarlas en prosa.
  • Se consideró hacer una secuela con los actores originales. Aún con Judy Garland siendo una estrella, el estudio pensó que gastaría demasiado y que se retrasaría lo mismo que la primera, no valdría la pena.

Hay muchísimas cosas más que contar sobre The Wizard of Oz, así que os invito a aportar vuestras curiosidades en los comentarios.

14 oct. 2013

Todas las mujeres

He visto nacer series de películas y películas de series; pero creo que Todas las mujeres es la primera película que veo que es resultado de un “remontaje” de una serie. Normalmente podemos ver nuevos montajes de una película, pero convertir una serie en una película me resultó de lo más interesante.

Poster 700x1000 AF

Una serie da más tiempo para contar una historia, aunque está claro que en una película se puede contar lo mismo. Más resumido, eso sí. Así que, a pesar de que puede que a algunos les falte parte de la historia, cualquiera que no haya visto la serie puede ver la película. Y, posiblemente, pocos notarán gran diferencia entre una y otra. De hecho, lo que me “incomodó” un poco de Todas las mujeres fue la fotografía en algunas escenas interiores: estaban iluminadas para televisión, y yo lo noté. Pero, vamos, que no es nada grave.

Además, el guión y el trabajo de Eduard Fernández hacen que uno se lo pase tan bien viendo Todas las mujeres que al salir de la sala sólo recordará a ese personaje tan caradura y lo que es capaz de hacer. Es tan bueno el trabajo de Eduard Fernández, que aún pienso en su Nacho y me encuentro riendo incrédula ante su historia. Posiblemente no sea la única: asistí al preestreno acompañada de una amiga que pasó las horas posteriores reflexionando y analizando al personaje.

 

Fui a ver Todas las mujeres con la curiosidad de ver lo que hizo Mariano Barroso con la serie, y porque había escuchado –y leído- muy buenas cosas cuando el Festival de Málaga. Salí de la sala confirmando todo lo que había escuchado y leído, y muy contenta con el resultado.

11 oct. 2013

Reflections

A Bernie le gusta jugar con su reflejo. Bernie es un adulto, y su sombra es un niño. Así comienza Reflections, un corto de Alon Ziv y Bosmat Agayoff. Y, esta vez, no se trata de un cortometraje ganador en festivales: es simplemente un examen que presentaron en la academia de arte y diseño a la que asistían.

 

Me ha parecido de lo más bonito. Y un recordatorio de que no dejemos ir a ese niño que todos llevamos dentro.

¡Buen fin de semana!

9 oct. 2013

Un poco más sobre Inception

Inception es una de esas películas que invitan a verlas varias veces. Uno descubre detalles que antes se le habían escapado; y cuanto más la ve, más descubre. Hoy he decidido contaros un poquito más sobre esta película, algo que tenía pendiente desde hace mucho tiempo.



Christopher Nolan presentó la idea de Inception a Warner Bros. apenas terminó su tercera película (Insomnia, 2002). El estudio aprobó la idea. Se trataría de la segunda película completamente original del director.

Inception aún no estaba escrita, y Nolan decidió entregar el guión completo y presentarlo nuevamente en lugar de entregarlo por partes para que el estudio aprobara a medida que escribía. Nolan pensaba que la tarea le llevaría un par de meses. Tardó prácticamente ocho años en entregar el guión.

Nolan tuvo mucho cuidado en que no se conocieran detalles de la trama de Inception: la describía como un thriller contemporáneo de acción y ciencia ficción que se enmarcaba “en la arquitectura de la mente”. El secretismo se mantuvo hasta el final: las películas llegaron a los cines empaquetadas con el título Hour Glass.
 
Los ejecutivos de la Warner propusieron al director rodar en 3D, pero Nolan no estaba convencido: pensaba que distraería al espectador, y que no experimentaría con propiedad la narración de la película. También se pensó en rodar en IMAX de 65 mm (formato de The Dark Knight), pero la cámara es demasiado pesada para rodar “cámara en mano”, y Nolan quería usar esta técnica durante gran parte del rodaje.

La película fue rodada enteramente por Nolan y Wally Pfister, sin segunda unidad. Tiene un total de 500 tomas con efectos visuales.
 

Referencias

Inception está “plagada” de referencias: mitología, diseño, arte… ¿Las habéis descubierto?
 

Edith Piaf

Su canción “Non, je ne regrette rien” es una parte muy importante de la trama. La canción principal de la banda sonora de Inception está basada en una versión más lenta del comienzo de la canción (como le ocurre a los personajes cuando escuchan una canción durante un sueño). Y, cuando la escuchamos al final de los créditos, nos están diciendo que estamos a punto de “despertar” (cine = ensoñación… y otra razón para ver los créditos hasta el final).

Nolan ha dicho que eligió la canción de Piaf por su letra, ya que la identificaba con la temática de la película: los efectos de la memoria, cómo nos afecta no olvidar las memorias negativas relacionadas con lo afectivo y cómo esto afecta al subconsciente. La letra de la canción habla de eso.


Además, la frase  "Ni le bien qu'on m'a fait ni le mal" (ni lo bueno que me han hecho, ni lo malo) tiene doble interpretación: el nombre de la esposa de Cobb se llama Mal. Y la película dura 2 horas y 28 minutos, la canción original 2 minutos y 28 segundos. ¿Coincidencia?
 

Personajes

  • El personaje de Cillian Murphy, Robert Fischer, es un homenaje al campeón de ajedrez Bobby Fischer.
  • El padre de Robert, Maurice Fischer (Pete Postlethwaite), es un homenaje a M.C. Fischer. El arte de éste es la inspiración de muchos de los efectos especiales de Inception.
  • Aridne (Ellen Page) es, en la mitología griega, quien ayudó a Teseo a vencer al minotauro en el laberinto. Cuando Cobb le da a Aridne el puzzle, la solución final de Ariadne es un diagrama del laberinto del minotauro. Ariadne se dedica a crear laberintos.
  • Eames (Tom Hardy) fue nombrado en homenaje a Charles y Ray Eames, la pareja diseñadora de mobiliario, arquitectos y creadores de documentales y películas avant-garde.
  • Mal (Marion Cotillard), o Malorie, es un nombre derivado de la palabra francesa “malheur” (infelicidad). La versión corta, “mal”, significa “mal” o “maldad”.
  • El objetivo final de Dom Cobb (Leonardo DiCaprio) es volver a casa. La palabra “dom” significa “casa” en algunos lenguajes eslavos (deriva del latín “domus”). Cobb es un homenaje a Henry N. Cobb, un arquitecto norteamericano especialista en rascacielos. El universo que Cobb y Mal se crean en el Limbo consiste en su mayoría de rascacielos.
 

Elementos

  • Las sillas del comedor de Saito (Ken Watanabe) fueron diseñadas por Frank Lloyd Wright en 1937. Saito se sienta en una réplica de la silla Willow de Charles Rennie Mackintosh, de 1903.
  • Cuando Mal y Cobb tienen una conversación en la propiedad de Saito, Mal hace un comentario sobre una pintura. Cobb le responde que Saito tiene preferencia por los pintores británicos de posguerra. Se refiere a Francis Bacon. La pintura es “Estudio de la cabeza de George Dyer”.
  • Cuando Arthur (Joseph Gordon-Levitt) explica que es imposible implantar una idea , dice “no pienses en elefantes”. Esto hace que Saito piense en ellos, y por tanto le implementa la idea. Se trata de una referencia a un libro: “No pienses en un elefante”, de George Lakoff. El libro describe el uso de ciertas palabras para insertar ideas sobre un tema en la mente de las personas sin que ellas sean conscientes.
  • Cuando Nolan nos presenta a Cobb y Miles (Michael Cane), Cobb dice que la extradición desde Francia a Estados Unidos es una pesadilla burocrática. En Catch me if you can, el personaje de Leonardo DiCaprio vive esa situación.
  • El exterior de la fortaleza de nieve de Fischer está basado en la biblioteca de la Universidad de California, en San Diego (del arquitecto William L. Pereira).
  • Las escaleras Penrose que Arthur le muestra a Ariadne hacen referencia a una litografía de M.C. Escher, “La escalera infinita”.


Simbolismo

  • Cada personaje de Inception tiene un rol similar al de un participante en una película: Cobb es el director, Arthur el productor, Ariadne la diseñadora creativa, Eames el actor, Saito el estudio y Fischer el espectador. Nolan dijo que a la hora de escribir a un equipo creativo, se basó en lo que mejor conocía.
  • En el primer nivel del sueño de Fischer (la ciudad), el mensaje escrito en las placas de los coches es “El Estado Alternado”.
  • Los números son muy importantes en Inception: el número que Fischer da a Cobb/Arthur es 528491, las habitaciones de hotel son 528 y 491, el número que Eames da a Fischer es 528-491, la combinación de la habitación blindada es 528-491; el tren lleva el número 3502, el taxi el 2305 y una habitación de hotel 5302.
  • Las primeras letras de los personajes principales –Dom, Robert, Eames, Arthur, Mal y Saito- forman “dreams” (sueños en inglés).
 

Casting

  • Joseph Gordon-Levitt se presentó en la prueba, apenas conociendo su personaje, vestido de traje. Lo hizo “por si acaso”, y era justamente como Nolan imaginaba que vestiría Arthur. Sin embargo, el que iba a interpretar a Arthur era James Franco, quien no pudo hacerlo por problemas de agenda.
  • Marion Cotillard fue fichada después de que se había elegido la canción de Edith Piaf para la banda sonora de la película. Haciendo la conexión con su personaje en La vie en rose, Nolan consideró eliminar la canción para que nadie más conectara ambos puntos. Hans Zimmer le convenció de que no debía hacerlo.
  • Evan Rachel Wood era la primera opción para el papel de Ariadne, pero rechazó la oferta. Antes de llegar a Ellen Page, Nolan consideró a Emily Blunt, Rachel McAdams, Emma Roberts, Jessy Schram, Taylor Swift y Carey Mulligan.
  • Según rumores, Brad Pitt y Will Smith recibieron ofertas para interpretar a Cobb, y ambos las rechazaron.
  • Saito fue escrito para Ken Watanabe. Nolan quería compensarle por la falta de tiempo en pantalla en Batman Begins.
  • Michael Cane cobró como un actor principal, pero sólo aparece tres minutos de la película.
  • Kate Winslet rechazó el papel de Mal porque no se veía interpretando ese personaje.
  • Nolan fichó a Tom Hardy por su trabajo en RocknRolla. Hardy pensaba que había sido por su papel en Bronson (película que Nolan no había visto).
  • Cillian Murphy es una víctima de Nolan: Inception es una de varias películas de Nolan en las que su personaje pasa gran parte de la película con una bolsa en la cabeza.
  • La prima del director, Miranda Nolan, aparece en Inception. Es una de las asistentes de vuelo.
La continuidad fue un pequeño problema durante el rodaje de Inception: para preservarla en la persecución en la nieve, se utilizó un helicóptero para mover la nieve y simular al viento que de a ratos daba tregua al equipo de rodaje; y el pelo de Ariadne en la secuencia del hotel está recogido porque el equipo no sabía cómo debía moverse su pelo en gravedad cero.

En cuanto a detalles interesantes y SPOILERS o explicaciones, hay dos datos muy importantes: Cobb sólo lleva su anillo de bodas en las escenas en las que sueña y en los flashbacks, y Browning (Tom Berenger) sólo es “real” cuando está en la oficina de Maurice Fischer (todas sus demás apariciones son una proyección del subconsciente de alguien más, o en realidad es Eames).

Hay muchísimas cosas más que seguro se me han escapado. Os invito a aportar en los comentarios.

7 oct. 2013

L’écume des jours

Una de las cosas que más disfruto es sentarme a ver una película firmada por Michel Gondry. El universo que crea con su cine me fascina, me entretiene, y se queda conmigo durante días. Me encanta cuando juega con el stop-motion, cómo me pinta un mundo en el que me encantaría vivir. Y si bien no he leído aún el libro, tenía muchas ganas de ver L’écume des jours.

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Aparentemente, no puedo comentar con propiedad porque no he leído el libro: la crítica más dura que he leído comenta que no se captura correctamente el universo de la novela. Quizás me ha jugado a favor no haberlo leído: el universo que pinta Gondry es el que él adapta a partir del libro y lo que él puede hacer con esa historia. Y a mí me alcanzó.

L’écume des jours es una historia que se va oscureciendo, que va cayendo y que va perdiendo la alegría con la que comienza. Gondry lo captura dándonos un mundo de fantasía y color, para después hacerlo opacarse y caer en decadencia. Y lo acompaña apagando esos colores, no sólo los que rodean a los personajes sino que también los de los propios personajes.

Ese final, que uno ve venir desde el principio, nos cae encima como un nubarrón apagando la luz del sol. La historia deja de ser esa fantasía y ese mundo tan maravilloso donde todo es posible, y los personajes empiezan a enfrentarse a la realidad (trabajo, enfermedad, paso del tiempo). Todo se opaca, y el espectador que diga que no se empezó a opacar junto con ellos, miente.

Como no sabía exactamente los detalles del libro, me entretuve mucho con los juegos de palabras sobre Sartre y sus obras. Y también intentando descubrir lo que realmente significaba cada detalle de la historia. Hay cosas que son muy obvias, y hay cosas que pueden tener muchas interpretaciones. Pero, leyendo luego por ahí comentarios del libro, creo que interpreté lo que había que interpretar.

Normalmente, si uno quiere buscar interpretaciones y analizar las escenas de mil maneras, puede hacerlo. Suelo ser de las que interpretan las cosas de una forma más simple: lo veo, o no lo veo. Sin embargo, cuando me enfrento a películas como ésta, me gusta tratar de ver más allá. L’écume des jours me ha dejado mirar tan lejos que no quería que terminase. De hecho, aún me acompaña la sensación de tristeza que tenía cuando la película terminó.

También siguen conmigo los personajes. Desde Audrey Tatou y Romain Duris, pasando por –mi adorado- Omar Sy y terminando en ese ratoncito tan mono que nos deja Sacha Bourdo. Me gustó ver a Michel Gondry haciendo un pequeño papel. Y a su hijo Paul, quien hace una pequeña aparición. ¿Quién se arriesga a adivinar cuál es el papel de Paul Gondry?

Soy de las primeras en decir que las películas rara vez hacen justicia al libro: lo que el director imagina no tiene por qué coincidir con lo que nosotros imaginamos. Sin embargo, a veces la película es buena, y creo que L’écume des jours es una película buena. No contentará a todos, pero no es mala. La novela fue llevada al cine tres veces y una vez al teatro (la ópera de Edison Denisov), y la verdad es que tengo curiosidad por ver las otras adaptaciones. Pero en el fondo, algo me dice que la visión de Michel Gondry es la que más se acerca a la visión de Boris Vian. Habrá que comprobarlo.

4 oct. 2013

Los caracoles de Joseph Gordon-Levitt

Hoy vuelvo a hurgar en el pasado de alguien que ya tiene un nombre en la industria cinematográfica. El elegido es Joseph Gordon-Levitt, quien está presentando su primer largometraje como director: Don Jon. Si miráis en su ficha de IMDB figura como director de varios cortos; pero este que os traigo no está en esa lista.

Escargots es su primer corto como director, un ejercicio que realizó con la ayuda de Rian Johnson, Noah Segan y Jeff Sudakin. Es una adaptación del poema “Chanson des escargots qui vont à l’enterrement”, de Jaques Prévert. Sí, es en francés. Os dejo la traducción del poema más abajo.

Al entierro de una hoja seca
se van dos caracoles
tienen la concha oscura
crespón llevan de moño
bajo los arreboles
se fueron sin premura
una tarde de otoño
Cuando llegaron era
ay, ya la primavera
todas las hojas secas
habían resucitado
y cada caracol
se sintió muy frustrado
mas aparece el sol
el sol que apenas nace
les habla y así empieza
sentaos aquí si os place
un vaso de cerveza
tomárselo en un tris
mas si lo preferís
tomad quizá os aguarde
el bus para París
partirá por la tarde
veréis a vuestro antojo
la campiña feliz
sin luto así me alegro
lo digo sin sonrojo
porque el luto de negro
pone el blanco del ojo
y lo vuelve a uno feo
esos cuentos de féretros
oírlos no deseo
por ser de triste género
revestid por favor
de la vida el color
luego animal y bestia
los árboles las plantas
entonaron con brío
perdiendo la modestia
forzando las gargantas
la canción del estío
como el calor les arde
brinda todo el gentío
es una linda tarde
linda tarde de estío
y los dos caracoles
se van a casa en fila
se van sin desencanto
dichosos los alcoholes
como bebieron tanto
vacilan un poquito
desde el cielo infinito
la luna los vigila.
(Versión de Enrique Uribe White)

¡Buen fin de semana!

2 oct. 2013

Lugares de Cine: Pinewood Studios

Los Pinewood Studios son probablemente los estudios más famosos de la Historia del Cine, o por lo menos son los estudios británicos más famosos. Localizados a 32 kilómetros del centro de Londres, han sido el sitio donde se han rodado todo tipo de anuncios comerciales, series de televisión y películas. Seguro que todos hemos visto más de una producción que fue rodada en Pinewood.

Pinewood-Studios

Los estudios Pinewood se construyeron en el estado de Heathern Hall. La propiedad fue una casa victoriana del canadiense Grant Morden y un country club perteneciente a Charles Boot antes de que se asociara con J. Arthur Rank en 1935, y juntos la convirtiesen en un estudio de cine.

El diseño del estudio se basó en las ideas que se estaban aplicando en los estudios de Hollywood. El nombre, Pinewood, nace de la arboleda que había en el área y el hecho de que sonaba “a estudio americano”. La construcción de los estudios comenzó en diciembre de 1935, completando un plató cada tres semanas.

 

Historia

Los estudios Pinewood se inauguraron el 30 de septiembre de 1936. El primer director en rodar fue Herbert Wilcox. Terminó de rodar allí London Melody, cuya producción se había parado debido a un incendio en los estudios Elstree. La primera película enteramente rodada en Pinewood fue Talk of the Devil, de Carol Reed. Pronto, el estudio se puso a la cabeza de la producción británica, rodando varias películas simultáneamente (“unity system”).

Durante la Segunda Guerra Mundial, los estudios Pinewood produjeron exclusivamente documentales de guerra para la corona británica. En 1948, se estrenaron dos películas que han hecho historia y que fueron rodadas en Pinewood: Oliver Twist (David Lean) y The Red Shoes (Michael Powell y Emeric Pressburger).

También hubo pérdidas: en 1949 se reportó la pérdida de 3,5 millones de libras debido a fracasos como Caesar y Cleopatra (Gabriel Pascal, 1946). Los estudios rivales se hicieron con varios de los directores de Pinewood prometiéndoles mayor independencia, y Pinewood se vio obligado a recortar gastos despidiendo empleados y produciendo películas comerciales, en lugar de arriesgarse con producciones experimentales.

Durante la década de los cincuenta produjeron dos series de películas exitosas: Carry On… y Doctor…, dirigidas por Gerald y Ralph Thomas. En los sesenta se dedicaron a alquilar los estudios de sonido, y fue en 1962 que la franquicia de James Bond comenzó a rodarse en los estudios (Dr. No, Terence Young).

En los setenta, los estudios Pinewood fueron sede del rodaje de programas de televisión y de la franquicia de Superman, la que los salvó de una grave crisis económica. Los ochenta trajeron más películas de James Bond y la Batman de Tim Burton. En los noventa, Pinewood volvió a sufrir otra crisis: los impuestos británicos no favorecían a las producciones. Pero los estudios sobrevivieron gracias a títulos como Alien 3, Batman Returns, GoldenEye, Tomorrow Never Dies y The World Is Not Enough.

En 1995 el Grupo Rank vendió los estudios a un grupo perteneciente a Michael Grade e Ivan Dunleavy. Estos se hicieron también con los estudios Shepperton, y nació el Grupo Pinewood Studios: Shepperton Studios, Teddington Studios, Pinewood Toronto Studios, Pinewood Indomina Studios, Pinewood Studio Berlin y Pinewood Iskandar Malaysia Studios. En 2009, Pinewood y Shepperton recibieron un premio BAFTA por su contribución al cine.

 

Un estudio mágico

Algunos de los escenarios de cine más importantes se construyeron en Pinewood. Ya os hablé de varias películas que fueron rodadas allí, pero ahora quiero profundizar en algunos escenarios.

El Stage 007, el cual se quemó en un incendio en 1984, se construyó para The Spy Who Loved Me (1977). Se trata del más grande del Grupo: mide aproximadamente 18.000 metros cuadrados. Fue reconstruido poco después del incendio, y su nombre pasó a ser Albert R. Brocccoli’s 007. Allí se rodó A View to a Kill. En julio de 2006 volvió a incendiarse, y volvió a reconstruirse en menos de seis meses. Desde entonces se han rodado en él Prince of Persia: The Sands of Time (2010), Quantum of Solace (2008), y fue donde se construyó la villa de pescadores de Mamma Mia! (2008).

007_Stage

Pinewood también tiene sets para televisión: el T Stage (tv y cine) es el segundo más grande y los TV One y TV Two tienen galerías, platós de televisión y en ellos se puede grabar en SD y HD.

La casona, los jardines y los exteriores del antiguo Heatherden Hall también han sido escenarios de cine. En Peeping Tom (1960) podemos ver el portal principal y varias tomas de los estudios (detrás de cámaras), las oficinas y los corredores. En Return of the Edge of the World (1978) y My Week with Marilyn (2011) también podemos ver el portal. Además, en My Week with Marilyn podemos ver los corredores de los camerinos del bloque de maquillaje.

Algunas películas decidieron utilizar Heatherden Hall de otra forma: la “quemaron” para The Amazing Mr Blunden (1972) y se convirtió en la residencia india del gobernador en Carry On up the Khyber. En los backlots se construyeron grandes escenarios: castillos y villas enteras. Allí se rodaron varias escenas de las Harry Potter.

Cerca de los estudios está situado un bosque antiguo: Burnham Beeches. El bosque también ha sido escenario de varias películas: Robin Hood Prince of Thieves, First Knight, Goldfinger, The Princess Bride y Harry Potter and the Order of the Phoenix, entre otras.

 

El Proyecto Pinewood

Project Pinewood es un plan de expansión de los estudios, presentado en 2007. La idea era replicar calles, zonas y paisajes del Reino Unido, Europa y E.E.U.U.: universidades, la ciudad de Amsterdam, Venecia, el lago Como, París, Praga, New York, Chicago, Viena, Chinatown… gran variedad de escenarios. La idea, además, era que esos escenarios fueran residencias. Y crear puestos de trabajo para la región. El coste del proyecto era de unos 200 millones de libras.

Se consultó a los residentes de la zona y se intentó integrar las sugerencias de los mismos, pero el consejo local lo rechazó. Un grupo de residentes hizo campaña en contra del proyecto, el grupo “Stop Project Pinewood”. El Grupo Pinewood volvió a insistir en 2011 y 2013, la última vez con un proyecto mucho menos ambicioso, sin éxito. Ivan Dunleavy aseguró que volverán a insistir, así que pronto sabremos más al respecto. O no.

En abril de 2013 Pinewood anunció  que para 2014 comenzarán a producir cine en Estados Unidos. El sitio elegido: al sur de Atlanta, Georgia, en el condado de Fayette. Sospecho que pronto habrá un Pinewood Studio en cada ciudad (risas).

Muchos creen que tanta expansión afecta a lo que significa Pinewood, y que ha perdido toda la magia que tenía cuando solamente se trataba del estudio en Heathern Hall. Yo creo que Pinewood siempre será el de Heathern Hall, y que el resto son simplemente otros estudios donde se ruedan películas. Y a mí nunca me sobran estudios, porque significan más oportunidades de hacer cine.