30 ago. 2013

Salience

Figuras invisibles caminan por un bosque. Las vemos gracias a polvos de colores, que nos ayudan a descubrirlas y a sus movimientos. Salience, de Paul Trillo, es el corto que he elegido compartir esta semana.

 

 

¡Buen fin de semana (y retorno a casa a los que aún están de vacaciones)!

28 ago. 2013

Only God Forgives y las opiniones extremas

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Desde su estreno en Cannes, todas las personas que han visto Only God Forgives tienen una opinión bastante radical acerca de ella: quienes la odian han dicho que se trata de lo peor que han visto, y los demás creen que se trata de una obra maestra. Aparentemente los primeros son más, al punto en que temí estar de acuerdo con ellos. Y me sorprendí encontrándome entre los segundos.

Quizás no la clasificaría de obra maestra, pero Only God Forgives me pareció brutal. “Brutal” es justamente la palabra más perfecta que encuentro para describirla: es directa, es cruda, y es bellísima. La fotografía me encantó, la actuación de Ryan Gosling y Kristin Scott Thomas me enamoró, y el estilo me pareció de lo más interesante. Mientras la veía pensaba en el cine asiático, pensaba en Jodorowsky, y entendía por qué no conquistó a todo el mundo.

Only God Forgives no es una película fácil. Tengo la teoría de que Nicolas Winding Refn quiso hacer una especie de secuela de Drive; pero hacerla de un modo completamente diferente. La violencia aumenta, quizás sea demasiada para algunos. Yo la encontré poética. El personaje del policía (Vithaya Pansringarm) me pareció de lo más interesante y me hubiera encantado poder hurgar más en su vida, saber cuánto tenía en común con el personaje de Ryan Gosling. Me quedé con ganas de saber más, y me quedé fascinada con lo que vi.

Me recordó la primera vez que vi cine asiático, ese estilo y esas historias, esa cultura tan diferente a la nuestra. Me gustó ver que un occidental puede contarnos ese tipo de historias, con ese estilo, y hacerlo del mismo modo que ellos sumándole su toque personal sin que la historia falle. Entiendo que eso no puede gustar a todo el mundo, y por eso entiendo que muchas personas criticaran Only God Forgives.

No puedo hablar con propiedad del cine del director porque no he visto todo lo que ha hecho, pero aún si ahora ha encontrado esta forma de contar historias me parece que ha dado en el clavo. Only God Forgives no es mala, es diferente. Drive también lo es. Drive tampoco gustó a todos. Lo interesante es que el trabajo de Nicolas Winding Refn no ha pasado desapercibido, y creo que eso es lo destacable. Para bien o para mal, a todos nos ha generado algo. Y esa debe ser la intención de todo cineasta.

 

Only God Forgives llegará a las salas españolas en noviembre. Hasta entonces, os invito a ver cine asiático y también algo de Alejandro Jodorowsky si aún no lo habéis hecho.

26 ago. 2013

Drinking Buddies

Antes que nada, pido disculpas por desaparecer sin avisar. Simplemente porque suelo avisaros por educación, aunque quizás muchos ni os enteráis de la falta de mis posts. No ha ocurrido nada, simplemente que no me ha dado tiempo a avisaros que me iba a tomar unos días de descanso. Me hacían falta. Quizás este post resulte un poco soso porque aún no aterrizo; pero que sepáis que os he tenido en mente todos estos días y de haber tenido un respiro habría preparado algo mejor. Nuevamente pido disculpas, y os paso a hablar de cine, que de eso es que va el blog.

drinking buddies

Quizás no habéis escuchado hablar de Drinking Buddies aún. Si no es así, os cuento que se trata de una película indie –de esas que tanto me gustan-, que ha sido estrenada en festivales, VOD (servicio bajo demanda, eso que defiendo muchísimo a pesar de que vacíe mis adoradas salas), y muy pocas salas. Seguramente ni llegue a las salas españolas, y dudo que la encontréis en la sección de DVD/Bluray de los grandes almacenes. Pero quiero que si tenéis la oportunidad la veáis, de verdad.

Los actores no son súper reconocidos, lo sé. Está Olivia Wilde, también la adorable Anna Kendrick, Ron Livingston, y los que veis New Girl seguramente reconoceréis a Jake Johnson (Nick Miller) de la serie (los que no, ya mismo vais a verla y me agradecéis luego). Ellos, son actores de bajo perfil y tan interesantes como Drinking Buddies. Fue por ellos que quise verla.

Drinking Buddies es una película que respira indie, pero no al estilo del indie “comercial”, sino ese indie que no suele sonar tanto (el “verdadero”, que dirían algunos). Es una película que engancha, que hace que uno se meta en la historia tanto que el tiempo se nos pasa volando. No voy a destriparla porque quiero que la veáis, pero quiero deciros que me ha dejado bastante sorprendida. Una vez terminó, me quedé un poco cabreada, lo confieso. Cuando la veáis sabréis por qué.

Sí, lo sé, no os estoy diciendo nada. Pero es mi estrategia: daros el nombre, deciros qué estilo esperar y qué caras ver, y picaros el bichito. Quiero que os suene Drinking Buddies y que la veáis, porque se lo merece. Puede que no os vaya el indie, puede que cuando acabe me queráis apedrear; pero la defenderé porque me ha tocado la fibra y me ha parecido muy buena. Y sé que si me leéis es porque os suele interesar de lo que hablo, así que sé que aunque sea uno de vosotros estará de acuerdo conmigo. Y espero que se acuerde de mí y de esos personajes cuando se beba una cerveza.

12 ago. 2013

Cine y cultura pop: citas mal citadas

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Los cinéfilos tenemos una costumbre muy particular (y que suele poner nerviosa a alguna gente): citamos películas constantemente. Muchas veces tenemos que explicar las cosas que decimos, pero otras veces todo el mundo entiende lo que queremos decir. ¿Por qué? Porque son citas ultra-conocidas, de esas que ya forman parte de la cultura popular. De hecho, son tan conocidas, que hasta las decimos en inglés. Lo que muchas veces no sabemos, es que algunas de esas citas no son correctas.

Hoy os traigo quince que suelo repetir mal por costumbre. Seguramente algunas ya las conocéis, pero espero sorprenderos con otras.

Casablanca

Incorrecta: “Play it again, Sam.” (“Tócala otra vez, Sam”)

Correcta: Lo cierto es que esta frase no es de Casablanca, sino de una obra de teatro de Woody Allen. Los que habéis visto la película seguro habéis esperado el momento para descubrir que en realidad Ingrid Bergman dice “Play it once, Sam, for old time’s sake, play ‘As Time Goes By.’” (“Tócala, Sam. Déjame recordar. Tócala, Sam. Toca ‘El tiempo pasa’”)

Y aquí la escena doblada al español:

 

 

 

Field of Dreams

Inorrecta: “If you build it, they will come.” (“Si lo construyes, vendrán”)

Correcta: “If you build it, he will come.” (“Si lo construyes, vendrá”)

Si prestáis atención al segundo 35 del siguiente clip, se entiende claramente:

 

Sunset Boulevard

Incorrecta: “I’m ready for my close-up, Mr. DeMille.” (“Estoy lista para mi acercamiento, Sr. DeMille”)

Correcta: “All right, Mr. DeMille. I’m ready for my close-up.” (Está bien, Sr. DeMille. Estoy lista para mi acercamiento”)

 

Star Trek

Esta cita es en realidad de la serie, pero por supuesto que ha llegado al cine con una pequeña variación

Incorrecta: “Beam me up, Scotty.” (“Teletranspórtame, Scotty”)

Correcta: “Beam us up, Scotty.” (“Teletranspórtanos, Scotty”)

 

Snow White and the Seven Dwarfs

Incorrecta: “Mirror, mirror, on the wall, who is the fairest of them all?” (“Espejito, espejito, en la pared, ¿quién es la más bella?”)

Correcta: “Magic mirror, on the wall, who is the fairest one of all?” (“Espejo mágico, en la pared, ¿quién es la más bella?”)

El clip está disponible en este enlace.

 

Wall Street

Incorrecta: “Greed is good.” (“La codicia es buena”)

Correcta: “The point is, ladies and gentlemen, that greed, for lack of a better word, is good. Greed is right, greed works.” (Es un poco más larga: “El punto es, señoras y señores, que la codicia, a falta de una palabra mejor, es buena. La codicia está bien, funciona”)

 

Apocalypse Now

Incorrecta: “I love the smell of napalm in the morning. It smells like victory!” (“Adoro el olor a napalm en la mañana. ¡Huele a victoria!”)

Correcta: “You smell that? Do you smell that? Napalm, son. Nothing else in the world smells like that. I love the smell of napalm in the morning. You know, one time we had a hill bombed for 12 hours. When it was all over, I walked up. We didn’t find one of ‘em, not one stinkin’ dink body. The smell, you know, that gasoline smell, the whole hill. Smells like victory.” (de nuevo, estamos diciendo una versión resumida: “¿Hueles eso? ¿Hueles eso? Es napalm, hijo. Nada en este mundo huele igual. Adoro el olor a napalm en la mañana. Sabes, una vez bombardeamos una colina durante 12 horas. Cuando acabó, fui hasta allí. No encontramos a uno sólo de ellos, ni un sólo cadáver putrefacto. El olor, sabes, ese olor a gasolina, estaba en toda la colina. Huele a victoria”)

Jaws

Incorrecta: “We’re going to need a bigger boat.” (“Necesitaremos un bote más grande”)

Correcta: “You’re going to need a bigger boat.” (“Necesitarás un bote más grande”)

White Heat

Incorrecta: “Top of the world, ma!” (“¡En la cima, ma!”)

Correcta: “Made it, ma! Top of the world!” (“¡Lo logré, ma! ¡En la cima!”)

 

Star Wars

La famosa frase “May the force be with you” siempre se atribuye a Obi-Wan Kenobi, cuando en realidad quien la dice es Han Solo. Obi-Wan Kenobi dice: “Remember, the Force will be with you always” (“Recuerda, la Fuerza siempre estará contigo”).

 

The Empire Strikes Back

Incorrecta (y muy popular): “Luke, I am your father.”

Correcta: “No, I am your father.”

 

A Few Good Men

Incorrecta: “You want the truth? You can’t handle the truth.” (“¿Quieres la verdad? No puedes soportar la verdad”)

Correcta:

Nicholson: “You want answers?” (¿Quieres respuestas?”)

Cruise: “I want the truth.” (“Quiero la verdad”)

Nicholson: “You can’t handle the truth!” (“¡No puedes soportar la verdad!”)

 

 

All About Eve

Incorrecta: “Fasten your seat belts. It’s going to be a bumpy ride.” (“Ajústense los cinturones. Habrá sobresaltos”)

Correcta: “Fasten your seat belts. It’s going to be a bumpy night.” (“Ajústense los cinturones. Será una noche llena de sobresaltos”)

 

The Graduate

Incorrecta: “Mrs. Robinson, are you trying to seduce me?” (“Sra. Robinson, ¿intenta seducirme?”)

Correcta: “Mrs. Robinson, you’re trying to seduce me, aren’t you?” (“Sra. Robinson, intenta seducirme, ¿verdad?”)

The Wizard of Oz

Incorrecta: “Toto, we’re not in Kansas anymore.” (“Toto, me temo que ya no estamos en Kansas”)

Sigue estando incorrecta: “Toto, I don’t think we’re in Kansas anymore.” (“Toto, creo que ya no estamos en Kansas”)

Correcta: “Toto, I’ve a feeling we’re not in Kansas anymore.” (“Toto, presiento que ya no estamos en Kansas”)

 

¿Se os ocurre alguna más? En español e inglés, es lo mismo. Os invito a pensar alguna y dejármela en los comentarios.

9 ago. 2013

Meme les pigeons vont au paradis

La codicia, el miedo a la muerte… temas que encontraréis en Meme les pigeons vont au paradis, el corto elegido esta semana. Aunque no sepáis francés -y se os complique leer los subtítulos en inglés-, este corto de Samuel Tourneux merece que le deis una oportunidad. Al menos por su nominación al Oscar de 2007.

 

 

¡Buen fin de semana!

7 ago. 2013

Historia del Cine: El nuevo Hollywood y el cine moderno

Con la caída del Studio System, ese que hacía del cine una producción sistemática y prácticamente industrial, Hollywood se vio obligado a dejar a actores y técnicos en libertad, de modo que ya no debían responder a un contrato por varias películas. Además, coincidió con la llegada de una nueva generación de creadores, que impusieron una nueva forma de contar historias. Ya se podía ver cambios en películas de los años cincuenta; pero, formalmente, es en los sesenta que nace el Nuevo Hollywood.

Scorsese, Spielberg, Coppola, Lucas

También conocido como Cine Post-Clásico, Renacimiento de Hollywood y Nueva Ola Norteamericana, el Nuevo Hollywood se caracterizó por mezclar la cronología en las historias, finales con un giro, y poca definición entre el límite protagonista-antagonista. Esta nueva generación de cineastas había recibido clases de cine y aplicaba la técnica europea. Francis Ford Coppola, George Lucas, Martin Scorsese, Roman Polanski y William Friedkin son algunos de los nombres de esos directores que cambiaron la forma de contar historias en Hollywood. Ellos son los que crearon el cine que hoy conocemos como blockbuster, ese en el que los estudios se preocupan por producir hits en la taquilla. Esto no significa que sólo se produjeran películas “grandes”, también hubo cine de bajo presupuesto que tuvo éxito: Bonnie and Clyde y Easy Rider son ejemplo de ello.

Os pongo un poco en situación (podéis profundizar los antecedentes en el post anterior): después de los problemas legales con el Estado de algunos estudios (particularmente Paramount) y con el nacimiento de la televisión, la industria se vio obligada a aplicar nuevas estrategias para seguir siendo rentable. La gran mayoría de las películas que se producían eran en Technicolor, pantalla widescreen, Cinemascope y sonido estéreo. Además, por esa época surgió el 3D. Los estudios recurrieron a géneros como el musical, las épicas históricas y todo tipo de películas que se vieran favorecidas en la gran pantalla, con la intención de que la televisión no atrapara a la audiencia y la alejara de las salas. Sin embargo, no veían resultados en la taquilla.

El problema de los estudios era que aún seguían haciendo cine para una generación, olvidando a la que ahora era el público que podía darles ganancias. La generación baby boomer era una generación más y mejor educada, con mayor poder adquisitivo. La mayoría de las personas que iban al cine pertenecían a ese grupo, y solía elegir cine europeo (Commedia all’italiana, Nouvelle Vague, Spaghetti Western) y japonés. El cine estaba vivo, pero el cine norteamericano no estaba dando en el clavo con sus producciones. Una vez lo comprendieron, decidieron arriesgarse y contratar a directores jóvenes, además de dejarles la libertad de hacer el cine que ellos quisieran. Esto, junto al nuevo sistema de ratings (en el que se segmentaba al público permitido para cada película), permitió el nacimiento de esa nueva generación que “salvó” al cine norteamericano.

 

La narrativa cinematográfica de los setenta

En la década de los setenta, el cine norteamericano sufrió una gran transformación, la cual es comparada a la llegada del sonido a las salas. Esta transformación no es técnica: lo que cambió fue la forma de contar historias. Esta nueva narrativa cinematográfica tiene cinco características estratégicas:

  1. Tendencia a integrar información y recursos estilísticos contrarios a las reglas narrativas habituales.
  2. El estilo tiene influencias del cine europeo, asiático, y el cine clásico de Hollywood.
  3. Buscan que las reacciones de los espectadores sean diferentes, muchas veces les incomodan.
  4. Énfasis en la falta de resolución de los conflictos, particularmente durante el clímax o el epílogo (donde el cine clásico solía atar todos los cabos).
  5. Narrativa no lineal, que se aparta del momentum (no busca crear suspenso o expectación).

Los cineastas del Nuevo Hollywood ponían su énfasis en el realismo. La facilidad de rodar en exteriores ayudaba a ese realismo al que apuntaban. También se decantaban por editar sus películas para darles un efecto artístico, por tener un mensaje político, y por ser liberales. Los protagonistas de las películas de la época se convirtieron en íconos para la contracultura: la audiencia tenía más conocimientos, estaba interesada en temas controversiales. El cine reflejaba la realidad, y las salas se llenaban de gente que quería ver ese cine.

tarantino

El mercado se amplía

Los ochenta llegaron con una nueva oportunidad de mercado: el vídeo. Y muchas de películas que no funcionaron bien en taquilla encontraron el éxito en ese nuevo mercado, como The Shawshank Redemption. También muchos de los directores que surgieron en la época actual deben su educación cinematográfica al vídeo. El cine independiente y la caída de los costes de producción también influyeron para dar paso a una nueva forma de hacer cine, en la que no hacía falta tener demasiado dinero para hacer producciones de calidad.

Con la llegada del DVD y el vídeo en línea, los estudios fueron capaces de generar aún más ganancias, y de aportar extras a los espectadores. Tenemos algo que los espectadores de épocas anteriores no pudieron disfrutar: versiones extendidas, detrás de cámaras, podemos ver escenas que no se vieron en las salas, y hasta podemos ver las películas con comentarios de quienes participaron en ellas. En resumen, tenemos la posibilidad de disfrutar una experiencia cinematográfica muy diferente de aquella que disfrutaban los espectadores del siglo pasado.

El cine actual se divide –a grosso modo- entre blockbusters y cine independiente. La prioridad es invertir en las películas de grandes presupuestos, en las que se busca el espectáculo, crear estrellas y el alto valor de producción. Y, por supuesto, se busca atraer a las audiencias. Los nombres en el cartel vuelven a ser importantes, ya que ellos son los que atraen al público. De este modo, los estudios se aseguran de que sus películas cubran los costes de producción y generen ganancias. Por supuesto que corren riesgos: últimamente parece que se estrellan estrepitosamente, al fichar nombres y entregar productos que, si bien son buenos “técnicamente”, no terminan de gustar. Quizás sea hora de volver a cambiar la estrategia.

Por otro lado, tenemos las producciones independientes, que tienen su énfasis en la calidad de la actuación, dirección, los guiones, etc. En lugar de recurrir a las grandes estrellas, suelen depender de la crítica para obtener audiencia (aunque, las estrellas también están eligiendo participar más de este tipo de cine). Dado que las producciones independientes tienen presupuestos mucho menores que los de las blockbusters, es más fácil alcanzar el éxito y el fracaso no es tan estrepitoso.

Este cine independiente “renació” a finales de los ochenta, gracias a directores como Spike Lee, Steven Soderbergh, Kevin Smith y Quentin Tarantino. Sus producciones eran innovadoras e irreverentes, con estilos fuera de lo convencional en Hollywood. Además de ser un éxito, se han convertido en clásicos de la cultura popular, algo que facilitó el mercado comercial para el cine independiente posterior. Las producciones independientes son cada vez más atractivas para el público y algunos estudios, viendo un mercado nuevo, crearon subsidiarios para producir este tipo de cine (por ejemplo, Fox Searchlight Pictures).

La competencia es dura: las blockbusters, el cine independiente y el cine extranjero deben hallar su hueco frente a un público que va poco a las salas, compra pocos DVDs, consume descargas y streaming online. La piratería no ayuda a la industria (pero, en mi opinión, favorece a la propagación de la cultura tanto como antes se regrababan vídeos). Como dije más arriba, quizás sea hora de volver a cambiar la forma de hacer cine. Pero esto me lo guardo para otro post.

5 ago. 2013

Pineapple Express

Pineapple_Express

Os dije que cuando vi This is the End me dio curiosidad Pineapple Express (y, en sí, ese tipo de comedia que no suelo ver). Dicen que cuando alguien quiere algo busca la manera de conseguirlo. Y supongo que realmente quería verla porque, a la primera oportunidad, la vi.

Supongo que tener como precedente This is the End no es muy justo, ya que Pineapple Express es una película mucho más “light”. Eso no significa que no me haya gustado, simplemente que no la disfruté tanto como quizás podría haberlo hecho sin expectativas. Pero sí, me ha gustado. Me he reído, sobre todo con las escenas de lucha y la del bosque. Ahora comprendo cosas de This is the End que no me habían hecho “click”, porque eran guiños que no pillé al no haber visto Pineapple Express.

Es verdad que el resultado no fue el mismo. Empiezo a sospechar que me va el grotesco extremo (risas). Pero es entretenida y tiene escenas muy locas y ese punto de surrealismo que, si estamos suficientemente relajados, logra arrancar carcajadas. Y sí, creo que es hora de abrir un poco la cabeza y empezar a ver más de ese cine que raramente veo.

2 ago. 2013

Doctor of Doom

Ya que estoy en fase “Historia del Cine”, esta semana he decidido meterme nuevamente en la filmografía de mi director favorito: Tim Burton. Esta no es la primera vez que comparto uno de sus cortometrajes, en el archivo del blog podéis encontrar Frankenweenie y uno de sus primeros ejercicios: Houdini.

El elegido esta semana es Doctor of Doom (1979), un homenaje –intencionalmente- “malo” a las películas de terror mexicanas (de hecho, el título del corto es el mismo que el de una película de René Cardona).

Datos curiosos del corto:

  • El voice-over  (que apenas se escucha) es de Brad Bird, animador de The Incredibles y Ratatouille
  • Fue codirigido por Jerry Rees, productor de Space Jam y diseñador de varias atracciones de los parques de Disney

 

 

A Tim siempre le gustó homenajear a sus influencias, está claro.

¡Buen fin de semana!