31 jul. 2013

Historia del Cine: la Edad de Oro de Hollywood

Continuemos con la Historia del Cine norteamericano o, mejor dicho, la historia de la industria cinematográfica norteamericana. La semana pasada os conté cómo se establecieron los primeros estudios y por qué. Hoy cubriremos la época dorada de la industria, que oficialmente va desde finales de los años veinte hasta principios de los sesenta.

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La Edad de Oro de Hollywood nace oficialmente con el estreno de The Jazz Singer en 1927. El final de la era “silenciosa” del cine significó el aumento de las ganancias en taquilla. Las películas eran producidas con una fórmula efectiva: westerns, comedias, musicales, animadas, biográficas… Se solían utilizar los mismos equipos creativos para cada producción de los estudios. Se podía saber qué estudio producía cada película porque cada uno tenía un estilo particular y características únicas (hoy podemos adivinar quién dirige la peli, o quién hizo la fotografía o el sonido; pero os reto a adivinar qué estudio la produce).

Los estudios también eran dueños de las salas de cine: Warner Bros. tenía los Stanley Theaters y los First National Productions, MGM los Loews, Fox los Fox Theatres y RKO tenía hasta su propio sistema de audio en sus salas (Photophone), y Paramount tenía el monopolio de las salas en la ciudad de Detroit. Esos cinco estudios eran los dueños de todas las salas en los USA.

Básicamente, los estudios eran dueños de todo el proceso en la industria. En el post anterior os hablé un poco del Studio System, el sistema que aplicaban los estudios en la época. Ese sistema consistía en tener a actores, productores, guionistas, utileros, técnicos y todo el equipo de las películas bajo contratos con un salario fijo. Los estudios también eran dueños de ranchos “cinematográficos” al sur de California, en los que rodaban los westerns y las películas más grandes.

MGM

Durante la década de los treinta, la MGM dominó el mercado: tenía fichadas a las grandes estrellas de Hollywood. El estudio es, además, el que se lleva el crédito como creador del Star System. Algunas de sus estrellas eran Clark Gable, Lionel Barrymore, Jean Harlow, Norma Shearer, Greta Garbo, Joan Crawford, Jeanette MacDonald, Gene Raymond, Spencer Tracy, Judy Garland y Gene Kelly. Otro estudio que destacó fue la Disney, que en 1937 estrenó Snow White and the Seven Dwarfs. Al final de la década se rodó una de las películas más taquilleras de la historia: Gone with the wind.

Durante esta época, los estudios producían cine en masa –unas 400 películas al año-, de modo que a veces arriesgaban (como en el caso de Citizen Kane, con un director debutante). Esto no era así siempre: Howard Hawks, Hitchcock y Frank Capra se enfrentaron varias veces a los estudios para conseguir plasmar su visión en sus películas. El año 1939 es, quizás, el mejor año de la historia del cine: se estrenaron clásicos como The Wizard of Oz, Gone with the wind, Stagecoach, Mr. Smith goes to Washington, Wuthering Heights, Only angels have wings, Ninotchka y Midnight. Otros clásicos de la época son Casablanca, It’s a wonderful life, It happened one night, King Kong, Mutiny in the bounty, Top Hat, City Lights, Red River, The lady from Shanghai, Rear Window, On the Waterfront, Rebel without a cause, Some like it hot y The Manchurian Candidate.

 

La caída del Studio System

El estreno de Snow White and the Seven Dwarfs en 1937 cambió la historia: la Disney aprovechó un período en el que no se estrenaron películas de los grandes estudios, y arrasó en taquilla. Se trataba de una película independiente y sin actores empleados por grandes estudios. Esto aumentó la frustración de los cines, que seguían un sistema llamado block-booking: los estudios les vendían la producción de un año completo para cubrir las pérdidas, pero limitaban a las salas.

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Como consecuencia, los ocho mayores estudios fueron demandados por violar el Acto Sherman Anti-Trust. El acto prohibía a ciertas industrias realizar acciones anticompetitivas y limitaba monopolios. Warner, MGM, Fox, RKO y Paramount cedieron ante la presión y acordaron eliminar el block-booking a los cortometrajes y cinco de sus largometrajes anuales, ya no se comprarían películas sin verlas antes (los cines las verían dos semanas antes del estreno), y se creó una administración encargada de comprobar que estas acciones se cumplían al pie de la letra.

Las tres restantes de las ocho compañías más grandes –Universal, United Artists y Columbia- se negaron a participar del acuerdo, ya que no tenían salas de cine. Varios productores independientes tampoco estaban de acuerdo con las nuevas reglas y formaron una sociedad de productores independientes (Society of Independent Motion Picture Producers), a través de la cual demandaron a Paramount por su monopolio sobre los cines de Detroit.

Durante la Segunda Guerra Mundial los estudios rompieron las reglas sin consecuencias, pero una vez la guerra terminó se unieron a Paramount para defenderse en un juicio al respecto. La Corte Suprema falló en su contra, y los estudios se vieron obligados a liberar a los actores y técnicos de sus contratos. Como consecuencia, el modelo de producción cinematográfica cambió. Algunos artistas se mantuvieron en el sistema de contratos hasta el final de sus carreras (por ejemplo, Cecil B. DeMille), pero fueron pocos.

DeMille, Cecil B. (Four Frightened People)

A partir de ese momento, la producción de cine dejó de identificarse a partir de los estudios, ya que perdieron sus marcas registradas de estilo. El número de películas producidas disminuyó, al igual que los presupuestos destinados a cada producción. Esto significó un cambio de estrategia para la industria: ahora los estudios buscaban producir historias espectaculares, que no pudieran ser emitidas por televisión, aunque también vendían parte de sus bibliotecas a las cadenas de televisión. Para 1949, los estudios habían cedido la posesión de sus salas de cine a otros empresarios.

La televisión fue otra de las razones por las que la Edad de Oro de Hollywood decayó, ya que el entretenimiento audiovisual ya no pertenecía sólo a la industria cinematográfica. El cine extranjero había entrado al mercado norteamericano cuando los estudios perdieron la hegemonía en las salas, y la censura ya no era tan dura como antes: el Código Hays –profundizaré en él en otra ocasión-, fue reemplazado por el sistema de rating de la MPAA.

Lo que vino después fue el Nuevo Hollywood, o cine post-clásico. De él os hablaré la próxima semana, cuando nos acerquemos un poco más a nuestra época.

29 jul. 2013

This is the End

Cuando estábamos en medio de aquella espera del Fin del Mundo Maya, vi un clip de una película que me dejó con muchas ganas de verla. Se trataba de una simple grabación de Seth Rogen y James Franco, los mismos de Pineapple Express (película que confieso que no he visto aún), promocionando una película sobre el fin del mundo. La curiosidad me llevó a ver el clip, y me quedé con ganas de saber qué me esperaría cuando viera la película completa. Se trataba de This is the End.

 

This-Is-The-End-Poster

 

Confieso que una vez comenzaron a llegarme comentarios sobre la película, comencé a pensar si realmente valía la pena verla. No es el tipo de cine que prefiero, y como sólo había visto los clips de Seth Rogen y James Franco –algo así como el primer trailer, que no teaser, según ellos-, sospechaba que no me iba a gustar. Sin embargo, ¡vaya sorpresa! ¡La he visto y me ha gustado! Sigue sin ser el tipo de cine que me interesa, pero me lo pasé muy bien viéndola.

La primera sorpresa llegó con el trailer, ya que por lo que había visto antes de verlo no me esperaba efectos especiales. Sí los tenía. Luego, la cantidad de caras conocidas que tampoco sabía que participaban en la película. El resto sí lo esperaba: humor absurdo, una burrada tras otra, y los actores riéndose de ellos mismos. La sorpresa final fue justamente el final. Creo que fui la única en la sala que lloró de la risa con la escena final; pero espero que otros sepan verle la gracia. Lo mejor creo que es que tiene cosas que harán gracia a unos y cosas que harán gracia a otros, lo que al final consigue que todos riamos al verla.

This is the End no llega al nivel de brutalidades de Movie 43, pero tampoco se queda muy lejos. Creo que es una buena combinación de humor, que no va demasiado lejos –aunque en alguna escena se pasa un pelín y llega a incomodar-. Creo que al público general le gustará. Creo que no es tan mala como los comentarios me hicieron creer. Y tampoco creo que sea un clásico del humor ni que haga historia; pero que no es de esas pelis que veo una vez y me bastan, no: repetiré seguramente.

Me gustará leer vuestras opiniones al respecto, ver si coincidimos o no. Y quizás, también, comprobar si debería empezar a ver más de ese cine. Por lo pronto, creo que comenzaré con Pineapple Express.

 

Os dejo un making-off (en inglés y con spoilers. Avisé).

26 jul. 2013

Explosions

Esta semana toca un corto que es tan intrigante como bonito. ¿Por qué ocurre lo que ocurre? ¿Quiénes son estas personas? ¿Cuál es su historia? Dejo que cada uno lo vea y saque sus propias conclusiones.

Explosions es un cortometraje de Christopher Frey, quien también compuso la música para esta historia.

¡Buen fin de semana!

24 jul. 2013

Historia del Cine: Bienvenidos a Hollywood

Puede que algunos os la sepáis de memoria, pero si quiero hablaros de Historia del Cine debo hablaros de cómo nació y evolucionó la meca del cine comercial: Hollywood. Bienvenidos a California, amigos.

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Empecemos en 1910, cuando el director D.W. Griffith es enviado al oeste de los Estados Unidos junto a su troupe de actores (Blanche Sweet, Lillian Gish, Mary Pickford y Lionel Barrymore, entre otros). Se instalan en la ciudad de Los Angeles y comienzan a rodar en un lote de Georgia Street. Durante el rodaje, la compañía (Biograph Company) decide explorar nuevas localizaciones y se dirige al norte (Hollywood). Allí es donde Griffith rueda la primera película “de Hollywood”: In Old California. Duración: 17 minutos.

Sin embargo, no se trata de la primera película rodada en la ciudad de Los Angeles. En 1909 se fundó el primer estudio permanente en la ciudad, Selig Polyscope Company. Sobrevivió hasta 1918. El primer estudio en el distrito de Hollywood se inauguró en 1911: Nestor Film Company. El propietario era David Horsley, y el estudio la antigua Blondeau Tavern en Sunset Boulevard. Para 1912, las grandes compañías de cine estaban establecidas en Los Angeles o cerca de la ciudad, gracias a los impuestos de Thomas Edison sobre las patentes de cine y al clima cálido y soleado, que facilitaba los rodajes. Cuatro de las que serían grandes compañías cinematográficas tenían sus estudios en Hollywood: Paramount, Warner Bros., RKO y Columbia.

Ese mismo año fueron fundados Universal Studios y Keystone Film Co., y se proyectó la primera película “coloreada” en el Electric Theater de Hollywood. En 1914 de estrenó el primer largometraje, The Squaw Man. Los productores eran Samuel Goldwyn y Jesse L. Lasky, el director Cecil B. DeMille. Se rodó en un estudio a una calle de lo que hoy es la esquina de Hollywood y Vine. En 1917 se construyeron los Charlie Chaplin Studios en La Brea y Sunset Boulevard.

¿Y cuándo se colocó el famoso cartel? En 1923. Originalmente decía “Hollywoodland”, y era un anuncio publicitario promocionando obras de construcción. El cartel se dejó abandonado a su suerte, y no fue hasta 1949 que se eliminó el “land”. Si os fijáis, muchas veces se comete el error de dejarlo como “Hollywood” en películas ambientadas en Los Angeles antes de los 50’s.

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En 1925, varios actores descontentos con los contratos de los estudios deciden fundar el Masquers Club (que luego fue sustituido por el SAG, Sindicato de Actores). Os explicaré mejor la situación cuando os cuente sobre el Studio System; pero básicamente consistía en que las majors producían películas en sus propios estudios y los actores firmaban contratos de larga duración (por un determinado número de películas y con varias cláusulas bastante curiosas).

Antes de llegar a los años treinta, la historia de Hollywood sumó tres hechos importantes:

  • El 18 de mayo de 1927 se inauguró el Teatro Chino de Grauman. La primera película proyectada fue The King of Kings, de Cecil B. DeMille. El público, que no tuvo acceso al cine hasta el día siguiente, se amontonó en la entrada para ver a las estrellas entrando a la premiere.
  • Mickey Mouse debutó en 1928 con Steamboat Willie, de la Disney Brothers Production Company. La película fue creada en un garaje de Los Feliz.
  • El 16 de mayo de 1929 se realizó la primera ceremonia de los premios de la Academia, con un banquete en el Blossom Room del Hollywood Roosevelt Hotel. El espectáculo comenzaba.

Para entonces el cine ya tenía sonido –podéis leer sobre su historia aquí-, y por 1930 las compañías cinematográficas comenzaron a contratar a actores y guionistas extranjeros para rodar versiones paralelas de películas en inglés. Algunos de los contratados para esta tarea fueron Luis Buñel, Enrique Jardiel Poncela, Xavier Cugat y Edgar Neville. El experimento no fue exitoso: los presupuestos eran menores, los actores no tenían experiencia, la mezcla de acentos era extraña, y el cine sonoro aún no se había expandido lo suficiente para ser comercializado al nivel del cine en inglés.

Sin embargo, el cine en inglés estaba en la cima: eran los años dorados de Hollywood. Y sobre eso os hablaré la próxima semana. Nos espera un viaje bastante interesante.

22 jul. 2013

La migliore offerta

Hay dos cosas que me han desconcertado de La migliore offerta: que el título sea en italiano cuando la película es en inglés, y que se anuncie como “la película del director de Cinema Paradiso”. ¿Es que Tornatore no ha hecho nada más? Desde 1988 ha estrenado exactamente nueve películas, sin contar cortometrajes y producciones para televisión. Y no, no es porque haya escrito el guión, porque siempre –o casi siempre- lo hace. De hecho, no creo recordar que se hablara de que Everybody’s Fine es una película basada en un guión suyo, que también rodó en 1990: Stano tutti bene.

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Supongo que es porque Cinema Paradiso es un clásico y es un buen reclamo para que los que amamos el cine vayamos a las salas. O eso me gustaría creer. Es verdad que vi La migliore offerta porque era de Tornatore y Cinema Paradiso es de mis películas favoritas; pero actores como Geoffrey Rush, Jim Sturgess y Donald Sutherland también han jugado un papel fundamental en mi decisión. La migliore offerta se sostiene sin la necesidad de recordar el clásico de Tornatore, porque invita a comparar y no tienen nada que ver una con la otra.

Fuera de eso, y dejando a un lado Cinema Paradiso, La migliore offerta me ha parecido una buena película. No tanto como a todos los que fueron al cine, aparentemente; pero me ha gustado. Sí me ha parecido que es un poco predecible. Desde el primer momento esperaba el desenlace. Quizás la idea era justamente saberlo, que el espectador se pase toda la película esperándolo y con esa angustia que me invadió constantemente. Si es así, lo ha conseguido. Al menos conmigo.

Me ha gustado muchísimo la estética (fotografía y arte), y Geoffrey Rush está maravilloso. Me ha mantenido atenta a pesar de no ser una película muy dinámica, y me ha hecho pasarlo bastante mal. Lo único que critico es que si no hubiera imaginado el final, quizás me habría golpeado más fuerte. Me gustaría saberlo. Fuera de eso, la película aún me acompaña y la historia aún está fresca en mi memoria. Lo malo es que al nombrar Cinema Paradiso las he comparado inconscientemente, y no es justo para la segunda. Nada justo.

19 jul. 2013

La donna è pericolosa

Que se pueden contar historias en menos de un minuto es algo que todos sabemos. Y también que pueden ser muy buenas historias. Lo sabemos por la publicidad, pero también podemos comprobarlo si nos ponemos a buscar cortos de esa longitud.

El corto de hoy es uno de esos, que inspirado por Verdi, nos cuenta la historia de una misteriosa mujer y un asesino en sólo un minuto. Os dejo La donna è pericolosa, y os invito a hacer el ejercicio de contar una historia en tan poco tiempo. ¡No es tan fácil como parece!

¡Buen fin de semana!

17 jul. 2013

Ese gran actor desconocido: John Cazale

Quizás habéis oído hablar de él. Seguramente le habéis visto en una de las películas en las que participó, pero ¿sabéis quién era John Cazale? ¿Y por qué he decidido hablar de él? Porque su carrera en el cine fue marcada por un dato muy curioso: tres de las cinco películas en las que participó ganaron el Oscar a Mejor Película.

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De sus seis años de carrera en el cine, las cinco películas en las que aparece fueron nominadas al Oscar a Mejor Película: The Godfather (Coppola, 1972), The Godfather Part II (Coppola, 1974), The Conversation (Coppola, 1973), Dog Day Afternoon (Sidney Lumet, 1975) y The Deer Hunter (Michael Cimino, 1978).

 

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John Cazale era amigo de Al Pacino. Le conoció al poco tiempo de mudarse a New York para comenzar sus carrera actoral. Vivieron juntos y trabajaron juntos en la obra de teatro The Indian Wants The Bronx, por la que ganaron premios Obie. Su primer rol en el cine fue el de Fredo Corleone en The Godfather, donde interpretaba al hermano de Al Pacino. Fue nominado a un Golden Globe.

 

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Posteriormente llegó Stan en The Conversation. Otra nominada a Mejor Película, firmada por Coppola. Ese mismo año volvió a meterse en la piel de Fredo Corleone, el que todos debéis recordar porque en The Godfather Part II tiene mucha relevancia y escenas inolvidables. La película se llevó el Oscar. En 1975 fue  Salvatore Naturile, el ladrón de Dog Day Afternoon. Otro papel junto a Al Pacino, y otra nominación al Golden Globe.

 

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En 1978, luchando contra un cáncer terminal, Cazale rodó su última película: The Deer Hunter, junto a Robert DeNiro y Meryl Streep (quien por entonces era pareja de Cazale). La película también ganó el Oscar. El actor italo-americano también aparece en The Godfather Part III (Coppola, 1990), otra nominada a Mejor Película. La imagen es de archivo, Cazale había fallecido durante el rodaje de The Deer Hunter. Os preguntaréis si llegó a rodar todas sus escenas. La respuesta es sí: quiso trabajar hasta el final, y por ello Michael Cimino organizó todo para que rodara el primero.

Seguro que ahora os suena, ¿a que sí? ¿Os sorprende que se hable poco de él, cuando su carrera –si bien corta- fue tan buena? Si os interesa conocer más sobre la vida de John Cazale, podéis ver un documental de 2009 sobre su vida: I knew it was you (en VO).

Las imágenes y la información de este post provienen de un artículo de BuzzFeed (en inglés).

15 jul. 2013

Los mundos sutiles

Esa frase que siempre repito –en infinitas variaciones- vuelve a ser relevante: la película perfecta llega a tu vida en el momento exacto. Tenía ganas de ver algo de Michel Gondry, quería perderme en un mundo en el que la realidad y los sueños se confundieran. Y la vida me llevó a la película exacta en el sitio perfecto. El viernes pasado fui a una proyección organizada por Utopicus, en la que vi un documental maravilloso sobre Antonio Machado: Los mundos sutiles, de Eduardo Chapero-Jackson.

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Sólo puedo deciros que cuando se encendieron las luces y nos invitaron a hacer preguntas a la productora y uno de los actores, no podía articular palabra. Tanto me había movido lo que había visto, que los millones de preguntas que en otro momento habría soltado se quedaron atrapados en mi garganta. Estaba fascinada, movida, emocionada.

Los mundos sutiles llevan al espectador en un viaje por la vida de Antonio Machado. Es un viaje poético, lleno de danza y palabras que invitan a releer al poeta. Redescubrí a Machado, me sorprendí de cuántas de sus poesías recordaba, y adoré las coreografías. La fotografía es hermosa, la música acompaña perfectamente la historia… ¿Qué puedo deciros? Me enamoré de Los mundos sutiles.

La peli no ha tenido distribución en salas, pero por suerte puedo invitaros a verla en este enlace de TVE. Realmente me encantaría que la vierais todos. No sé si los que me seguís desde fuera de España podréis verla en el enlace, pero sé que está a punto de estrenarse en Sudamérica y en otros países, así que espero que todos tengáis la chance de disfrutarla.

Como detalle, contaros que Los mundos sutiles me gustó tanto que le envié el trailer a Mark Cousins para que le echara un vistazo. Le gustó mucho. Y ya sabéis que la palabra de Cousins es sagrada ;)

La proyección de Los mundos sutiles fue la primera de una serie de proyecciones que se harán todos los viernes dentro del ciclo US_Cine. La entrada es gratuita. ¡Como para perdérselo!

12 jul. 2013

Colour Bleed

Los que seguís los festivales de cortos seguramente habéis escuchado hablar de Colour Bleed, de Peter Szewczyk. Quizás algunos lo habéis visto ya. Pero no hace daño repetir cuando algo es bueno, y seguro que alguien por ahí aún no lo ha visto (¡dad al play ya!).

Rodado entre Londres y Cracovia con el apoyo de la BBC, Colour Bleed es un corto que en 2011 pasó por varios festivales. Entre ellos Sitges, donde ganó el Premio Especial del Jurado. No tiene subtítulos, pero no hacen falta palabras (y apenas hablan, de todas formas).

 

¡Buen fin de semana!

10 jul. 2013

Detrás de cámaras de Batman Returns

Una vez hemos repasado el behind the scenes de la Batman de Burton, toca repasar su secuela: Batman Returns. Es considerada la más oscura de las Batman originales (es decir, las primeras): demasiado grotesca y pesimista. Lo sorprendente es que es la única de esas películas en las que no hay una referencia a la muerte de los padres de Bruce Wayne. Además, suele ser la favorita de todos los que defienden ese Batman que aún no había “destrozado” Schumacher, y la más memorable de las dos. Personalmente, no puedo elegir una, ya que las dos me parecen buenísimas. Y a vosotros, ¿cuál os gusta más?

 

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El borrador del guión de Batman Returns, de Sam Hamm, se planteó como una secuela directa de Batman. Contaba con escenas en las que se revelaba el pasado del Joker, y Bruce Wayne pedía matrimonio a Vicki Vale hacia el final de la película. Además, el Pingüino y Catwoman tenían una historia completamente diferente. Tim Burton no creía que fuera una buena idea, así que recurrió a Daniel Waters, quien pensó en la historia que se acabó rodando.

Algunas de las ideas que contenía ese borrador se rodaron en Batman Forever (Joel Schumacher, 1995). Burton no firmó para dirigirla hasta que se aprobó el guión que él consideraba debía rodarse. Otro que tardó en firmar fue Michael Keaton, porque exigía un aumento. Cobró aproximadamente once millones por su trabajo.

 

Los personajes

Catwoman fue el personaje con más candidatas: Lena Olin, Madonna, Demi Moore, Nicole Kidman, Rachel Welch, Jennifer Jason Leigh, Ellen Barkin, Cher, Bridget Fonda, Jodie Foster, Meryl Streep, Sigouney Weaver y Susan Sarandon. También se consideró Kim Basinger, a pesar de haber interpretado a Vicki Vale.

Annete Bening fue la elegida para interpretar a Catwoman, pero quedó embarazada. Su reemplazo fue Michelle Pfeiffer, quien cobró dos  millones más que Bening por el papel. Sean Young también quería el papel de Catwoman. Tanto, que se apareció en el estudio caracterizada para convencerlos de que era la indicada. Se valió de la ayuda de otras personas, que comunicándose con walkie-talkies, le indicaron dónde estaban los productores. Tim Burton se escondió debajo de su escritorio para no verla y evitar una situación incómoda.

Para el personaje de Max Shreck se pensó en David Bowie, pero Bowie prefirió un papel en Twin Peaks. Shreck es una variación de Harvey Dent: la explosión del final estaba pensada para que él se convirtiera en Two-Face. Además, en una versión del guión, se descubría que era el hermano mayor del Pingüino. El elegido fue Christopher Walken, a pesar de que Tim Burton no estaba contento con la elección porque ¡le daba miedo!

En el guión original, el Pingüino es descrito como un hombre alto y delgado. Se pensaba en Dustin Hoffman (lo de alto… no sé yo), Marlon Brando, John Candy, Bob Hoskins y Christopher Lloyd. El elegido ya sabéis quién fue: Danny DeVito. Burgess Meredith, el Pingüino de la serie de tv, iba a interpretar a su padre en la escena inicial; pero no pudo hacerlo debido a que se encontraba enfermo.

Robin iba a aparecer en esta Batman, y el elegido era Marlon Wayans. Aparecía solamente cinco minutos. Su personaje fue eliminado, y para su aparición en Batman Forever Joel Schumacher fichóa Chris O’Donnell. Wayans cobró por las dos películas, y sólo hizo una prueba de vestuario para la primera.

 

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Trajes, maquillaje y el set

El traje de Batman pesaba unos 23 kilos. Tenía modificaciones hechas al original, como el color y el logo. Además, a pedido de Michael Keaton, se agregó un cierre a los pantalones. El traje de Catwoman también fue un traje difícil: Michelle Pfeiffer sólo podía usarlo durante una pequeña cantidad de tiempo, porque estaba tan fuertemente ajustado que podía desmayarse por la falta de circulación. Además, tampoco podía escuchar su propia voz, al punto en que gritaba sus líneas. La actriz dijo que una vez acabó el rodaje juró no volver a calzarse ese traje en su vida. En total había usado 60 trajes diferentes, y cada uno costaba mil dólares.

Los artistas que crearon el maquillaje de Danny DeVito trabajaron con prótesis para que su cara se asemejara lo más posible a la de un pájaro. Para prepararse, también estudiaron condiciones como la curvatura de la espina dorsal y la sindactilia. La aplicación de maquillaje tomaba dos horas diarias, y el actor tenía prohibido describir su maquillaje (no podía describírselo ni a su familia). 

Cristopher Walken pidió que le prepararan gemelos hechos de molares humanos para su personaje. Lo había visto en The Great Gatsby (Jack Clayton, 1974).

Los sets se construyeron móviles para facilitar el rodaje, ya que ocupaban la mitad del espacio disponible en Warner Brothers. Cuenta la leyenda que Michelle Pfeiffer se perdía a diario de camino al set. El set de la guarida del Pingüino incluía casi dos millones de litros de agua.

 

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Durante el rodaje

La seguridad fue máxima durante el rodaje: se contrató a un detective privado cuando se filtraron fotografías del traje de Danny DeVito, y se prohibió a Kevin Costner visitar el set. Se trabajó con animales, actores con trajes de fibra de vidrio, títeres animados, y aún así se utilizaron efectos especiales para aumentar el número de pingüinos. Los pequeños animales procedían de Inglaterra, y viajaron a los Estados Unidos en un avión refrigerado. Además, contaban con un tráiler refrigerado, media tonelada de hielo diaria y peces frescos. El set estaba refrigerado para facilitarles la tarea, y tenían su propio servicio de guardaespaldas. Al final del rodaje muchos se habían reproducido en el set, por lo que podemos decir que se lo pasaron bien :)

Hacer que los animales trabajaran con los actores no fue tarea fácil: el mono estaba tan espantado con el maquillaje de Danny DeVito que se negaba a entregarle la carta durante su escena, y para que los gatos se acercaran a Selina cuando estaba desmayada se recurrió a atún en el traje de Michelle Pfeiffer. La pobre Michelle no sólo tuvo que aceptar el atún en su traje, también se metió el pájaro vivo en la boca. Sí, era un pájaro de verdad. Danny DeVito lo tuvo más fácil: sólo tenía que sufrir comida podrida arrojada sobre él, y se le ofreció usar un doble. El actor se negó. Además, se mantenía en personaje entre tomas. Por cierto, uno de los que le arrojaban la comida era Danny Elfman.

 

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Otros datos interesantes

La toma final de la película, en la que Catwoman mira a la batseñal, se agregó una vez acabado el rodaje. Se rodó durante un fin de semana, horas después de haberse escrito, con una doble. La toma costó 250 mil dólares. En el guión original, la batseñal parpadeaba, indicando que Selina se había electrocutado y toda la ciudad estaba afectada. Burton prefirió cambiarlo, ya que prefería que al final ella sobreviviera y tuviera una chance de reaparecer en otra película.

Mc Donald’s había preparado una campaña con la película y los Happy Meals, pero la canceló porque los padres consideraban que la película era violenta y demasiado sexual. Coca-Cola también obtuvo quejas, pero continuó la promoción.

La Warner tuvo un gasto inesperado: reponer los carteles con Catwoman, porque desparecían constantemente. La policía llegó a patrullar las calles para detener a quienes robaban los carteles.

La secuela de Batman fue la primera película en Dolby Digital, y recaudó casi cincuenta millones en los primeros tres días. Además, fue la primera película de Batman que usó efectos especiales: el escudo del Batmobile, y el Batarang.

 

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El resto es historia: Burton se negó a participar en Batman Forever, aunque en principio iba a dirigirla. El director ha dicho que no estaba de acuerdo con la dirección que estaba tomando el proyecto, así que se limitó a aprobar a Schumacher como director, y figura como productor. No está orgulloso de estar relacionado con el proyecto.

8 jul. 2013

Despicable Me 2: Gru es definitivamente mi villano favorito

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Lo malo de esperar ansiosos una peli es que muchas veces nos decepciona. Es verdad. O al menos lo creemos al principio. Eso me pasó con Despicable Me 2. Esperaba ansiosa reencontrarme con Agnes y los minions, mis prefes. Y esperaba una historia un poco más “larga”. Se me hizo corta. Me faltaba más Agnes. Pero los minions no me fallaron, tienen muchísimos momentazos que aún me hacen reír al recordarlos.

Y, si bien durante la película pensaba “me está sabiendo a poco”, el final me hizo reír tanto que acabé encantada. Y con el paso de las horas, Despicable Me 2 empezó a gustarme cada vez más. Lucy, con la voz de mi adorada Kristen Wiig, me gustó mucho. Gru también tiene sus momentos (sigo en mis trece: el mejor papel de Steve Carrell). Edith y Margo aún siguen siendo flojas, aunque Margo enamorada me arrancó sonrisas. Me faltó más Edith, apenas habla. Y los minions… hablando hoy con alguien que también la vio coincidimos en que se nota que pronto tendrán su propia peli.

No sé si Despicable Me 2 supera a la primera. Sí os puedo decir que ha sido una película muy divertida, y una buenísima continuación de la primera. Os la recomiendo tanto como la anterior, y espero ansiosa lo que se vendrá en la próxima.

5 jul. 2013

Yo marco los árboles para reconocerlos después

Hoy no os voy a poder dejar el corto en el blog. Pero no porque no quiera, sino porque el sitio donde lo he encontrado no me deja ponerlo aquí. Sin embargo, no sólo os invito a ver el corto que he elegido, sino una lista interesante de cortos –y alguno que calificaría de medio-.

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El elegido es Yo marco los árboles para reconocerlos después, uno de los cortos más “extraños” que he visto. Tanto, que no termino de entender lo que he visto. Casi como cuando Terrence Malick estrena una peli, que salen unos adorándolo y otros diciendo que es una birria; pero todos coinciden en que no han terminado de comprender completamente lo que han visto.

En este caso, puedo deciros que me ha gustado lo que vi, pero que no sé exactamente qué es. El uso del 3D me ha enamorado, pero realmente estoy rascándome el coco tratando de entender de qué iba la historia. Os invito a verlo (GRATIS) aquí. Y luego me contáis qué os ha parecido y si habéis entendido algo, ¿vale?

Yo marco los árboles para reconocerlos después, de Tatiana Fuentes Sadowski, es parte del Festival Panorama 15: Le Grand Tour organizado por MUBI y Le Fresnoy, el estudio nacional de artes contemporáneas que ha contado con profesores de la talla de Godard y Claire Denis. Los 29 cortos elegidos para el festival están dentro de géneros como el documental, el ensayo y la ficción; pero van más allá. ¿Qué quieren decir con “van más allá”? Pues supongo que justamente eso, que no son lo típico que esperamos ver. Y os puedo asegurar que de momento me quedo con la idea de que es así.

Espero que os paséis por MUBI, y aquí os dejo el enlace para la lista completa de cortos del festival (todos se pueden ver gratis hasta finales del mes de julio). Que os cunda el finde ;)

3 jul. 2013

Secretos del Batman de Tim Burton

Mi Batman es el de Burton. ¿La razón? Quizás es que crecí viendo la serie de los sesenta -y la serie animada-, quizás es que vi la Batman de Burton cuando niña y me identifico más con ella. Quizás es lo que siempre digo: “La Gotham City de Burton era gótica, como debe ser”. No lo sé. Simplemente el Batman de Nolan no termina de gustarme.

Por eso, decidí contaros algunos secretos de esa Batman que tanto me gusta, y quizás así convenceros de que ese Batman tiene su magia.

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El guión

El primer borrador fue escrito en 1980. El autor fue Tom Mankiewicz, coautor de Superman (1978). La historia contaba los orígenes de Batman y Robin. Los villanos eran el Pingüino y el Joker, y aparecían Rupert Thorne y Barbara Gordon. Al final, Robin aparecía con su traje (como en Batman Forever, 1995). La película estaba planificada para estrenarse en 1985, y el presupuesto era de veinte millones. Los productores, Michael E. Uslan y Benjamin Melniker, abandonaron el proyecto, que quedó en manos de Jon Peters y Gabriel Guber.

Dado el éxito del debut de Tim Burton (Pee-wee’s big adventure), Warner Brothers decidió ofrecerle el proyecto. El director no creía en el guión, así que escribió un tratamiento nuevo de treinta páginas junto a Julie Hickson. El tratamiento fue aprobado por productores y estudio. En 1986, Burton y Sam Hamm se reunieron para que el segundo escribiera un guión a partir del tratamiento escrito por el primero. El guión tardaba en entregarse –huelga de guionistas incluida-, por lo que Burton recurrió a Warren Skaaren, guionista de Beetlejuice, para que terminara la tarea. Aún así, el proceso no fue fácil: fueron tres años en los que Tim Burton trabajó en el proyecto antes de recibir luz verde (con Beetlejuice estrenada y considerada un éxito en taquilla).

Otros directores a los que ofrecieron el proyecto: Alex Cox y David Cronenberg.

El rodaje comenzó en octubre, y tardó doce semanas en completarse. Cuando la producción llegó a Pinewood (Inglaterra) para construir los decorados, se encontraron con el nido y los huevos intactos de Aliens (1986) en uno de los platós.

La banda sonora fue firmada por Danny Elfman. También se pidió a Michael Jackson que compusiera canciones para la película, pero el cantante no estaba disponible. El que sí grabó fue Prince. La banda sonora se comercializó en dos versiones: con Prince y sin él. La versión de Prince contiene canciones que no se llegaron a usar en la película.

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El casting

Para el primer guión, se incluyó en el proyecto a Joe Dante e Ivan Reitman. Batman iba a ser un actor desconocido, y se deseaba a William Holden como Comissioner Gordon y David Niven como Alfred.

Nadie estaba contento con el fichaje de Michael Keaton: los fans del cómic enviaron 50.000 cartas de protesta, y el estudio tampoco estaba seguro de que fuera una buena idea. La lista de actores que se consideraron para el papel era larga: Alec Baldwin, Jeff Bridges, Emilio Estevez, Matthew Broderick, Kevin Costner, Tom Cruise, Michael J. Fox, Harrison Ford, Robert Downey Jr., Kevin Spacey, Patrick Swayze, Dennis Quaid, Kurt Russell, Arnold Schwarzenegger, Mel Gibson, Charlie Sheen, Bill Murray, Pierce Brosnan, Tom Selleck, Daniel Day Lewis, Tom Hanks, Kevin Kline y Bruce Willis. No sé que os sugieren todos estos nombres, pero la idea de Bill Murray siendo Batman me ha parecido de lo más “insólita”.

Vicki Vale iba a ser interpretada por Sean Young, pero se rompió la clavícula en una escena con Michael Keaton (escena en la que montaban a caballo, y que posteriormente fue eliminada del guión). Burton propuso a Michelle Pfeiffer como reemplazo; pero Michael Keaton sentía que sería extraño debido a la relación que mantenían ambos actores. Al final, la elegida fue Kim Basinger.

La lista de actrices consideradas para el reemplazo también era larga: Rosanna Arquette, Jamie Lee Curtis, Ellen Barkin, Robin Duke, Kate Capshaw, Glenn Close, Joan Cusack, Madonna, Geena Davis, Judy Davis, Denny Dillon, Christine Ebersole, Mia Farrow, Carrie Fisher, Bridget Fonda, Jodie Foster, Teri Garr, Melanie Griffith, Linda Hamilton, Daryl Hannah, Goldie Hawn, Mariel Hemingway, Barbara Hershey, Holly Hunter, Anjelica Huston, Amy Irving, Diane Keaton, Diane Lane, Kay Lenz, Jessica Lange, Lori Loughlin, Julia Dreyfus, Virginia Madsen, Kelly McGillis, Bette Midler, Catherine O’Hara, Tatum O’Neal, Sarah Jessica Parker, Molly Ringwald, Meg Ryan, Susan Sarandon, Jane Seymour, Cybill Shepherd, Brooke Shields, Sissy Spacek, Mary Steenburgen, Sharon Stone, Meryl Streep, Lea Thompson, Kathleen Turner, Sela Ward, Sigouney Weaver y Debra Winger. Uf, creo que acabo de recitar los nombres de medio Hollywood. ¡Me he quedado sin aire!

El Joker también tuvo varios contendientes: Robin Williams (que también fue considerado posteriormente para el Riddler), Willem Dafoe, David Bowie, John Lithgow, Tim Curry y James Woods. El elegido fue Jack Nicholson, y el tío fue muy inteligente: negoció tan bien que acabó con los royalties (ganancias) de todo el merchandising de la peli. El total fue de sesenta milones de dólares, cifra que aún tiene el record de salario estrella. Jack también consiguió que le dieran un papel a su amigo Tracey Walter (Bob the Goon).

El papel de Alfred no costó tanto: Burton era muy fan de Michael Gough y no lo dudó. Gough repetiría en las Batman de Joel Schumacher junto a Pat Hingle (Commissioner Gordon). Otro actor que repitió, aunque con Nolan, fue Paul Birchard (sus papeles son menores, os reto a decirme en qué escenas sale).

Harvey Dent estaba entre Don Johnson y Dale Midkiff. Al final, el elegid fue Billy Dee Williams, y se esperaba que regresara para el papel de Two-Face. Su contrato incluía una cláusula que le reservaba el papel, cláusula que luego Warner tuvo que pagar para dar el papel a Tommy Lee Jones en Batman Forever (1995).

Otro que estuvo a un paso de trabajar con Burton fue Kiefer Sutherland: le ofrecieron el papel de Dick Grayson, papel que declinó y que posteriormente fue eliminado del guión. Patsy Kensit lo intentó: audicionó para el papel de Alicia Hunt, pero consideraron que era muy joven para Jack Nicholson. La elegida fue Jerry Hall, que por casualidad se paseaba por los Pinewood Studios.

BTS Batman Burton Nicholson

 

Inspiración, guiños y cosas que espero no os hayáis perdido

Al principio de la película, Knox recibe un dibujo del hombre murciélago: un murciélago en un traje a rayas. Está firmado por Bob Kane, el creador del cómic de Batman. Kane iba a hacer un cameo en la película entregando el dibujo, pero se enfermó. Sí aparece en Batman Forever (1995).

Los diseños de Gotham City (firmados por Anton Furst) fueron incorporados en el cómic a principios de los noventa. Están basados en el trabajo de Antonio Gaudí, Otto Wagner, Shia Takamatsu y Louis H. Sullivan. La bandera de la ciudad, la cual puede verse en la oficina de Harvey Dent, se parece mucho a la del estado de Indiana (Estados Unidos). El mapa de la ciudad –que puede verse en la escena en la que Vicki Vale y Alexander Knox examinan el mapa marcado con los “avistamientos”- es el mapa de Vancouver (Canadá).

Se trata de la primera adaptación en la que conocemos la historia del Joker y la única película en la que aparece sólo un villano. La cara del Joker está inspirada en The man who laughs (Paul Leni, 1928). El Joker, además, recita a Poe: “Take thy break from out my heart” (de The Raven, o El Cuervo). También se “autocita”: “What a day!” es también una línea de diálogo de The Witches of Eastwick (1987), película que también comparte productores con Batman. Por último, las herramientas utilizadas para reconstruir la cara del Joker son las mismas utilizadas por Steve Martin sobre Bill Murray en la remake de The little shop of horrors (1986). Lo más curioso del caso, es que Jack Nicholson interpretó el papel de Bill Murray en la versión original de la película.

En el material promocional aparecían el apellido de Alfred (Pennyworth) y el nombre de Gordon (James). Ninguno se nombra durante la película. Sin embargo, “James Gordon” sí puede leerse en un cartel duranre la escena de la conferencia de prensa.

Pat Hingle relata en el DVD de edición especial que se rodó una escena en la que, luego de que los padres de Bruce Wayne son asesinados, Gordon –su papel- se hace cargo del niño (era el oficial a cargo de la patrulla). Una imagen de esa escena aparece en una fotografía que ven Vicki Vale y Alex Knox. La idea se utilizó en Batman Begins (Christopher Nolan, 2005), en la que Gary Oldman es Gordon.

Cuando Alfred recibe el mensaje de Vicki Vale, se puede ver un retrato de Thomas Wayne. 

El Batmobile se contruyó sobre el chasis de un Chevy Impala. El traje fue un gran problema para Michael Keaton: no podía escuchar nada cuando lo usaba. Sin embargo, el actor aseguró que la claustrofobia que le provocaba le ayudó a meterse en el personaje.

El Alcalde Borg está inspirado en el que entonces era alcalde de la ciudad de New York: Ed Koch.

Cuando el Joker está a punto de entrar en la catedral con Vicki, solicita transporte para dos en diez minutos. El tiempo que transcurre entre su entrada a la catedral y la llegada del helicóptero es exactamente ese.

Entre el atrezzo utilizado en la película hay un trono. Fue construido por la MGM para Greta Garbo en Queen Christina (Rouben Mamoulian, 1933). Es una réplica exacta del trono de plata de la reina sueca Kristina.

La letra que acompaña la máscara de gas en el museo es la de Tim Burton. El director aparece en la escena.

Vicki Vale grita unas 23 veces y lanza seis gritos ahogados.

Total de muertos en pantalla: 56.

Gotham City, Anton Furst

En taquilla

Para combatir los rumores negativos, se distribuyó un trailer especial de noventa segundos. Lo probaron enseñándoselo a una audiencia cualquiera. El resultado: ovación. Ese trailer utiliza secuencias sin música y escenas alternativas que nunca veremos en la película:

  • El Joker dispara a la tele después de decir “I have given a name to my pain” (Mi dolor tiene nombre). En el trailer dice esto mientras carga el revólver, en la peli saca el revólver luego de decirlo. La explosión también es de otra toma.
  • El primer plano de Michael Keaton diciendo “My life is really… complex” (Mi vida es muy… complicada) no pertenece a la misma toma que la utilizada en la película.
  • La toma de Robert Wuhl diciendo “Liutenant, is there a six foot bat in Gotham City?” (Teniente, ¿hay un murciélago de seis pies en Gotham City?) no es la misma tampoco: si os fijáis, lo que pasa detrás de la acción principal es diferente.

Podéis verlo aquí:

La película se estrenó para el cincuenta aniversario de Batman.

Para su primer lanzamiento en vídeo se iluminó ligeramente la película, ya que los espectadores se habían quejado de que estaba rodada tan oscura que apenas se veía lo que ocurría. 

Se trata de la primera película de Batman en ganar un Oscar y fue la película más taquillera de 1989. Además, fue la película más taquillera de la saga y de las adaptaciones de personajes de DC comics hasta que la superó The Dark Knight (Christopher Nolan, 2008).

 

Aún cuando el Batman de Nolan parece haber dejado en el olvido al de Burton, éste siempre será mi Batman. Si os ha interesado, pronto os hablaré de la segunda Batman de Tim Burton, Batman Returns (1992).

1 jul. 2013

Living in Oblivion

Hace unos días no me sentía muy bien. No suelo enfermarme, por eso cuando estoy mala suelo parar y tomarme un descanso. Pero claro, mis descansos suelen ser acompañada de cine. No es lo ideal, porque a veces uno no tiene el cuerpo para concentrarse en una película, pero no puedo evitarlo. Teniendo esto en mente, decidí ver Living in Oblivion, una película que pensaba que sería lo suficientemente simple como para verla sin mucho esfuerzo.

Living in oblivion

Resultó ser que Living in Oblivion no era tan simple. Pensaba que me encontraría con una historia simple, sobre cine y lo complicado que es rodar. Me encontré con una historia en la que, además, vi miedos, fantasías y comportamiento humano en general. Fue interesante –y aún me hace pensar- el uso del blanco y negro y el color. El cine con poco presupuesto, simple, muchas veces hace que uno piense más en lo que ve.

Living in Oblivion puede ser ficción imitando la realidad. Me recordó el típico cortometraje que cuenta la historia del cineasta que debe presentar un corto y sueña cómo hacerlo antes de entregarlo a último momento (no sé vosotros, pero yo he perdido la cuenta de las versiones que he visto de esta historia). Me lo recordó, pero a la vez me contó una nueva historia. Y me entretuvo lo suficiente como para olvidar por un rato que no estaba en uno de mis mejores días. Eso ya es suficiente.