31 dic. 2013

Resumen 2013

¿Cómo que ya es 31 de diciembre? ¿Es que ya tengo que despedirme del 2013? Con lo bien que nos lo hemos pasado juntos, con tanto cine que hemos compartido… ¿Me prometéis que 2014 traerá aún más y mejor cine? ¿Por favor? ¿Y del independiente? Aún me quedan pendientes de 2013, pero me encantaría tener mucho más que ver en 2014.

 

Lo positivo

 

Las decepciones

 

Os dije que 2013 fue un año positivo. Este repaso me ha llevado a pensar que he tenido un año en el que aún a lo malo le he podido encontrar algo bueno. Y confieso que me gustaría que siguiera siendo así, en todos los aspectos de la vida.

Después del receso regresaré con cosas interesantes: me esperan títulos de esos que ya se habla y se hablará hasta marzo, y una lista de películas independientes que necesito descubrir cuanto antes. Quedan cosas del 2013 por ver, y 2014 viene con títulos que he estado esperando ansiosa. Seguro escribiré mucho, y espero hacerlo con muchas ganas. Sobre todo, porque sé que hay gente que me lee del otro lado :)

¡Feliz 2014!

20 dic. 2013

Doodlebug, un corto de Christopher Nolan

La mayoría de los directores de cine han jugado con una idea, en cortos o en pequeñas historias dentro de otras películas, antes de llevarla al cine: Almodóvar, Woody Allen, Tim Burton -por nombrar a algunos de mis favoritos-…  Me atrevería a decir que si repasamos la filmografía de cualquier director, encontraremos la semilla de algo que hizo o que hará.

Hoy os traigo un corto de la época universitaria de Christopher Nolan: Doodlebug. Tiene como protagonista a Jeremy Theobald, el mismo actor que trabajó en su primer largometraje: Following (1998). Definitivamente se puede encontrar en este corto al Nolan que hoy dirige grandes proyectos: mundos paralelos, efectos visuales… Doodlebug es Nolan, no hay dudas.

Antes de despedirme, os recuerdo que mañana es “El día más corto”, y que se celebra un festival de cortometrajes a nivel mundial. Podéis visitar la web de ED+C para descubrir cortometrajes españoles, o la de MyFrenchFilmFestival para cortometrajes franceses (subtitulados), entre otras. Me encantaría que, si decidís participar, me contéis qué cortos habéis visto, porque ¡seguro que descubrís muchas joyas!

Que tengáis un buen fin de semana, un buen viaje los que estáis de camino a ver a vuestras familias y, de paso: ¡Felices Fiestas!

18 dic. 2013

Un poco más sobre Mary Poppins

Desde hace años tengo una cita a la que no puedo faltar cuando se acerca la Navidad: ver Mary Poppins. Por eso, y porque se acerca el estreno de Saving Mr. Banks -película que tengo muchísimas ganas de ver-, pensé que sería interesante contaros un poco más acerca de la película.

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Mary Poppins fue uno de los proyectos que más le interesaron a Walt Disney. Tan orgulloso estaba del proyecto, que su inversión fue la más grande hasta entonces. Además, asistió a la premiere, cosa que no hacía desde Snow White and the Seven Dwarfs. Su proyecto resultó bien recibido (fue una de las películas que más recaudó ese año), y ganó 5 de los 13 Oscars a los que estaba nominado (incluido Mejor Película).

La idea de llevar Mary Poppins al cine surgió en 1938, cuando Walt Disney intentó comprar los derechos a P.L. Travers, autora de los libros de Mary Poppins. La autora no aceptó venderlos porque pensaba que la película no haría justicia a su personaje.

Sin embargo, no fue el único que pensó en llevarla al cine: Maureen O’Hara le presentó un proyecto a Disney para hacerlo, poco antes de que consiguieran los derechos de la película. Pero su proyecto fue rechazado. Supongo que porque Disney tenía una idea muy clara de lo que quería hacer con Mary Poppins.

 

Disney vs Travers

El trailer de Saving Mr. Banks anuncia que veremos la difícil relación entre Walt Disney y P.L. Travers, aunque también nos contará una versión “muy Disney” de la historia. Lo cierto es que la autora no le puso las cosas nada fáciles al amigo Walt, y no le gustó nada el resultado: según cuenta la leyenda, abandonó la premiere llorando y odió lo que hicieron con su personaje.

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El primer contacto de ambos, como conté más arriba, fue en 1938. Pero no fue hasta 1959, después de conocerle personalmente, que P.L. Travers aceptó venderle los derechos de Mary Poppins a Disney. La razón por la que aceptó fue monetaria: las ventas de los libros habían bajado. Pero lo hizo bajo una condición: tendría derechos sobre el guión, y su opinión debía ser escuchada. Disney aceptó, pero no cumplió con su palabra completamente.

La autora, una vez el guión estuvo terminado, entregó una lista con todo lo que quería cambiar: que no se sugiriera un romance entre Bert y Mary, no le gustaba la música de los hermanos Sherman (sólo quería piezas de la época), y no le gustaba la secuencia de las pinturas de Bert que cobraban vida. También pidió que se cambiara el nombre de Mrs. Banks de Cynthia a Winifred porque sonaba “más inglés”. Walt Disney le respondió que tenía derecho a aprobar el guión, pero no la última palabra sobre el guión.

La relación entre ambos se enfrió tanto, que no invitaron a Travers al estreno de Mary Poppins. La autora tuvo que pedir a Disney que la dejaran asistir. Posteriormente, criticó que Mary Poppins no fuera lo suficientemente fría e intimidante. Además, tuvo su venganza: visto el éxito, Disney preparaba una secuela. La autora vetó el proyecto.

 

La música de Mary Poppins

Un elemento fundamental de Mary Poppins son sus canciones: todos las sabemos y las cantamos hasta el cansancio. Lo que quizás no sabemos, es que se tardaron dos años y medio en componerlas.

Los responsables fueron los hermanos Sherman (Robert y Richard), quienes también jugaron un papel muy importante en otras decisiones de la producción. Por ejemplo, fueron quienes sugirieron que la historia de Mary Poppins ocurriera en la era eduardiana en lugar de los años treinta, y que Mrs. Banks fuera una suffragette para explicar por qué hacía poco caso a los niños.

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Los hermanos Sherman compusieron más de treinta canciones para la película. La inspiración para las composiciones fue surgiendo en su vida cotidiana y de su familia:

  • “A Spoonful of Sugar” surgió cuando, después de dos semanas buscando una frase para que se convirtiera en el “himno” de Mary, la hija de Robert Sherman volvió del cole y le contó que había sido vacunada ese día. Sherman le preguntó si le había dolido, y la niña le respondió: “No. Me la dieron en un terrón de azúcar, sólo tuve que tragarlo”.

  • “Let’s go fly a kite” fue inspirada en el padre de los hermanos, Al Sherman, quien solía hacer cometas para los niños del vecindario. En la película, cometa representa a la familia: cuando se unen los cuatro trozos de cometa, la familia se reúne. Y al usar el lazo de suffragette de Mrs. Banks, ella se está implicando con su familia.

  • La palabra “Supercalifragilisticoespialidoso” surgió de un recuerdo de la infancia de los hermanos Sherman: recordaban que en el campamento de verano se inventaron una palabra que los adultos no supieran. Pensaron que sería bonito que los pequeños Banks también tuvieran la suya. El coro animado que la canta en la película estaba compuesto por Richard Sherman, J. Pat O’Malley (entrenador vocal de los actores) y Julie Andrews.

  • “Chim-Chim-Cheree” iba a ser la única canción que sonaría en los tejados; pero cuando el supervisor de efectos Peter Ellenshaw enseñó la canción inglesa “Knees Up Mother Brown” a los compositores, ellos decidieron adaptarla para la escena. Y nació “Step in Time”.

La canción favorita de Julie Andrews es “Stay Awake”. Más adelante os contaré más sobre ella. La favorita de Walt Disney era “Feed the Birds” y, le gustaba tanto, que cuando visitaba a los compositores le bastaba con decir “tocadla” para que ellos supieran a qué canción se refería.

 

Dando vida a Mary Poppins

Mary Poppins fue el debut en cine de Julie Andrews. La actriz tenía experiencia en teatro y televisión, y esa experiencia fue la que la posicionó entre las favoritas para interpretar a Mary. No lo tuvo fácil: Disney también consideraba a Mary Martin, Bette Davies y Angela Lansbury. Pero fue Julie Andrews la que obtuvo el visto bueno de P.L. Travers.

En febrero de 1961, Disney fue a Broadway a ver a Julie Andrews interpretar Camelot. La invitó a visitar Los Angeles y considerar el papel de Mary Poppins. La actriz, que estaba esperando que le confirmaba si obtenía el papel principal en la versión para cine de My Fair Lady, pidió tiempo para decidirse.

Walt Disney le ofreció retrasar el rodaje si esto sucedía. Finalmente, Audrey Hepburn se quedó con el papel principal de My Fair Lady: seleccionaron a Julie Andrews porque pensaban que no era lo suficientemente famosa para el papel protagonista en My Fair Lady. El rodaje de Mary Poppins comenzó casi al mismo tiempo que el de My Fair Lady

Julie Andrews fue nominada y ganadora del Golden Globe y un Oscar por el papel. Audrey Hepburn sólo fue nominada al Golden Globe. En su agradecimiento por el Golden Globe, Julie Andrews recordó a Jack Warner y su negativa.

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Durante el rodaje de Mary Poppins, Julie Andrews trabajó duro. Para grabar “Stay Awake” hizo casi 50 tomas hasta lograr dar con el tono adecuado para la canción y, cuando se enteró de que pensaban eliminarla de la película, escribió una carta a P.L. Travers para que la ayudara a convencerles de que no podían quitarla.  

La actriz trabajaba constantemente con cables en su traje: cuando no eran para controlar los animatronics, eran para ayudarla a volar. Y durante el rodaje de una escena hubo un problema técnico y estuvo suspendida en el aire durante varios minutos.

La dedicación de Julie Andrews era tal, que cuando Robert Wise y Ernest Lehman visitaron el set le ofrecieron automáticamente el papel protagonista en The Sound of Music.

 

Bert

Bert no era un personaje de los libros. En realidad, se trataban de varios personajes condensados en uno. Entre ellos el del deshollinador, que inspiró “Chim-Chim- Cheree”.

Se pensó en Danny Kaye, Fred Astaire y Cary Grant para el papel. Finalmente, Dick Van Dyke, con cero experiencia en danza hasta el momento, fue el elegido. El actor ha reconocido que piensa que es su mejor película; pero que considera que Jim Dale o Ron Moody habrían hecho un mejor trabajo.

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A pesar de tener el papel de Bert, Dick Van Dyke quería interpretar a Mr. Dawes Padre, y ofreció hacerlo gratis porque lo encontraba muy divertido. Walt Disney le le hizo una prueba antes de aceptar. Además, Disney agregó la escena de los escalones en el banco después de verle en una prueba de maquillaje haciendo el tonto.

 

Otros personajes

  • Mr. Banks está basado en el padre de la autora: Travers Goff (dato importante para quienes vean Saving Mr. Banks). El actor elegido para interpretarlo fue David Tomlinson, quien pensaba que no era suficientemente bueno porque jamás había cantado profesionalmente. El actor consiguió el papel compitiendo por él con Richard Harris, Terry Thomas, George Sanders, James Mason y Donald Sutherland. Además, dio voz a varios personajes animados de la escena del parque animado (el pingüino y el jockey, entre ellos).

  • Jane Darwell estaba retirada cuando Walt Disney le ofreció ser la dama de los pájaros. No le interesaba, pero Disney la visitó personalmente y la convenció de aceptar un último papel. No fue la única cuyo último papel fue en Mary Poppins: Arthur Treacher tampoco volvió a hacer cine luego de interpretar al Constable Jones.

  • El tío Albert debía tener un acento vienés; pero Ed Wynn nunca intentó cambiar el suyo. De hecho, fue el único actor al que se le permitió improvisar, y tuvo que doblar algunas de sus líneas posteriormente.

  • Matthew Garber tenía miedo a las alturas, y para convencerle de rodar la escena del té le pagaron 10 céntimos extra por toma.

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Curiosidades varias

  • Se utilizaron los cuatro estudios de sonido de Disney para la producción, iluminados mucho más de lo habitual. Se trataba de la producción de Disney más cara de la época.
  • Las casas en la calle Cherry Tree se construyeron de diferentes tamaños, y se colocaron de la mayor a la menor para que se vieran más pequeñas cuanto más se avanzaba. Los árboles se hicieron de plástico importado de Francia y Portugal, y las flores y hojas se montaron una por una a mano.
  • Se utilizaron más de cien pinturas de cristal para recrear el skyline del 1910 londinense.
  • La secuencia de “Step in Time” tuvo que rodarse dos veces porque la cinta estaba dañada. Tardó una semana en rodarse y dura 14 minutos.
  • Los cables que sostenían a Julie Andrews cuando volaban se oscurecieron con betún para zapatos para eliminar el reflejo de las luces del estudio.
  • Karen Dotrice y Matthew Garber trabajaron juntos en tres películas de Disney: The Three Lives of Thomasina (1963), Mary Poppins y The Gnome-Mobile (1967). Los niños no sabían muchas de las cosas con las que se encontrarían durante la película. La cara de la niña cuando Mary Poppins saca tantas cosas de su bolso y su grito cuando les da medicinas de diferentes colores son genuinos. Tampoco sabían quién era Mr. Dawes Padre, y estaban preocupados de que se cayera durante el rodaje.
  • En el musical hay una escena donde los juguetes cobran vida. La escena so rodó para la película, pero se eliminó porque asustaba a los niños.

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¿Te habías fijado?

  • Sí, el pelo de Julie Andrews era una peluca.

  • En la escena de las entrevistas a las nuevas nanas, muchas de ellas eran hombres disfrazados de mujeres.

  • Mary Poppins y Mrs. Banks jamás se dirigen la palabra.

  • Mary Poppins cita el poema “Endymion” de John Keats cuando dice “A thing of beauty is a joy forever” (“una cosa bella es un goce eterno”).

 

Termino el post con la invitación a escuchar la banda sonora de la película, y a uniros a mi pequeña tradición anual de verla. Os aseguro que os alegrará el día.

16 dic. 2013

Spring Breakers

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No tenía ningún interés por ver Spring Breakers. Imaginaba que sería prácticamente lo mismo que Savages, que no iba a encontrar nada nuevo. Pero las opiniones opuestas y extremas, y la campaña por el Oscar para James Franco me convencieron: necesitaba saber qué hacía que algunos la odiaran y otros hablaran de “maravilla”, y por qué tanto ruido con el trabajo de James Franco.

En cuanto a la historia, no me equivocaba: tiene cosas en común con Savages. Otra vez no logré conectar con los personajes: no sé mucho sobre las cuatro chicas, y de Alien apenas sé poco. No sé sus historias, no sé sus motivaciones. No los conozco. Me falta algo, sólo conozco pinceladas.

Muy bonito lo de “Spring Break forever”, pero me he quedado fría con la historia. Muy interesante ese montaje, los colores. Mucho exceso, mucha juventud y necesidad de vivir al máximo; pero al final no sé si Harmonie Korine quiso decirnos algo o sólo hacer una película de culto. Me he decantado por lo segundo.

Spring Breakers no me movió. No conecté y no me despertó ni odio ni fascinación. No es un tostón, porque no sentí la necesidad de dejar de verla; pero tampoco es una película tan bien lograda. ¿Es una película de culto? Para mí no. Pero parece que lo ha conseguido, y quizás con el tiempo cambie de opinión. De momento, para mí es sólo una película más.

En cuanto a James Franco, me gustó. Me gusta siempre. Creo que es un genio, y como genio es incomprendido. Creo que muchas veces hace las cosas de forma irónica, y que la gente le toma mucho más en serio de lo que él se toma a sí mismo. Creo que va dos pasos por delante de todos, y que muchas veces se burla de nosotros. ¿Por qué eligió interpretar a Alien? ¿Por qué no iba a hacerlo? Creo que sabía muy bien lo que iba a lograr con Spring Breakers.

Sin embargo, no veo que sea una gran interpretación. No me parece que se tomara tan en serio el trabajo y creo que dio lo justo, porque dando lo justo ya iba a destacar. Y lo ha conseguido. Su interpretación no es inolvidable. Le he visto hacer mejores cosas. Y me ha despertado la duda de si la crítica que le está nominando –y apoyando su carrera al Oscar- lo está haciendo para divertirse. Del mismo modo que él se divierte con la situación. Esta situación que empezó un poco como broma, y que cada vez parece ser más en serio.

Dudo verlo nominado o subiendo a recibir el Oscar en 2014, pero me parece divertido ver cómo todo esto acabará. De momento, la situación y el ruido ayudan a que Spring Breakers se convierta en película de culto, y a aumentar la figura de James Franco como ícono incomprendido. Este chico va a llegar lejos, y él lo sabe.

13 dic. 2013

La vuelta a la Tortilla

Hoy quiero aportar mi granito de arena a una buena causa: Paco León y Buckler 0,0 se han unido para rodar este corto solidario, que vale la pena ver porque tiene un mensaje muy bonito.

Os dejo La vuelta a la Tortilla y os animo a ayudar, sea donando a la causa o compartiendo el corto para que el mensaje llegue a más gente.

Buen fin de semana, y que siempre haya motivos para celebrar.

11 dic. 2013

Detrás de Edward Scissorhands

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Edward Scissorhands es una de esas películas que se graban en la memoria de quien las ve, o al menos eso ocurrió en mi caso: era una niña cuando la vi por primera vez, y la escena final de Vincent Price me afectó muchísimo. Entonces, aún no había leído Frankenstein, y apenas empezaba a comprender el lado oscuro de la vida.

Hoy, aún cuando ya he leído Frankenstein y he visto cosas que mi ingenua mente de aquella época jamás habría imaginado, Edward y su historia, y sobre todo esa escena de Vincent Price, siguen haciéndome sentir como cuando era niña y vi la película por primera vez.

Por eso, y porque estamos en las fechas en las que ocurre la historia, he decidido contaros un poco más sobre Edward Scissorhands (la que, por cierto, dicen que es la favorita de Tim Burton).

Edward nació de un dibujo adolescente de Tim Burton, y el primer borrador fue escrito pensando en la película como un musical. La idea, originalmente, era que Edward tuviera la necesidad de una conexión emocional y del tacto de otras personas, pero que fuera imposible tocarlo porque los objetos afilados podían hacer daño al que lo intentara.

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El pelo de Edward fue inspirado por Robert Smith (de The Cure), al que Burton le propuso componer la banda sonora de la película. El músico no pudo aceptar porque estaba grabando un disco, y Danny Elfman acabó haciéndose con el trabajo (también cuenta la leyenda que es la banda sonora favorita del compositor).

El barrio en el que se desarrolla la historia está inspirado en el barrio de Burbank donde se crió el director, pero lo que vemos en la película está ubicado en el estado de Florida (Carpenter’s Run, Lutz). Sólo se cambió el color del exterior de los edificios y se agregaron las plantas y los setos que Edward modela. Los habitantes de las 50 casas del vecindario se hospedaron en un hotel cercano durante el rodaje. Algunos, además, fueron extras en la película.

El centro comercial también está en Florida, en Lakeland, y el restaurante estaba ubicado exactamente del otro lado de la calle del centro comercial; pero se trataba de un restaurante abandonado (de la cadena americana Sambo’s). La casa de Edward, sin embargo, fue construida en un set de la Fox. Burton indicó que quería que fuera como “la casa de Martha Stewart cuando sea vieja y esté loca”.

Todos estamos acostumbrados a ver a Johnny Depp trabajar con Tim Burton. De hecho, muchos piensan que el dúo ha estrenado muchas más películas de las ocho que han hecho juntos. Edward Scissorhands fue la primera, pero pudo no haberlo sido: Tom Cruise, Jim Carrey, Robert Downey Jr. y Michael Jackson querían el papel.

Michael Jackson tenía muchísimo interés en convertirse en Edward. Tom Cruise era uno de los preferidos para el papel, pero no le gustaba el final de la historia y se negó a trabajar en el proyecto. Y Gary Oldman, que recibió la oferta de protagonizarla, decidió que el papel no era para él.

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Johnny Depp fue el elegido y adelgazó unos 12 kilos para meterse en un papel que, aunque sólo le exigía pronunciar 169 palabras, le exigió bastante físicamente: el traje le causaba calor en exceso, al punto que durante el rodaje de la escena en la que huye corriendo a casa se desmayó, y en la escena en que los vecinos le alimentan acabó vomitando después de rodar demasiadas tomas. El traje, según Burton, estaba creado de látex, cuero, un viejo sofá de su piso y cello, entre otras cosas. Para acostumbrarse a las manos de tijera, Johnny se las llevó a casa y las usaba a diario.

Crispin Glover audicionó para el papel de Jim, pero no lo consiguió. Lamentablemente (al menos para mí), Crispin no trabajó para Burton hasta Alice in Wonderland (2010).

Drew Barrymore, compañera de Crispin Glover en las Charlie’s Angels, fue la primera que se tuvo en mente para el papel de Kim. Pero quien se lo quedó fue Winona Ryder, quien iba a interpretar a Mary en The Godfather Part III y renunció al papel que le ofrecía Francis Ford Coppola. Ella dice que porque tenía gripe, pero otros aseguran que Johnny Depp la convenció de hacerlo. Y siempre nos quedaremos con la duda de si se habría criticado tanto a Winona como se critica a Sofia Coppola (seguro que no, pero que Mary es bastante sosa nadie puede negarlo…).

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No he olvidado al inventor: Vincent Price. El papel fue escrito específicamente para él, ídolo de Tim Burton, y con quien ya había trabajado en Vincent (1982). La escena de su muerte me afectaba de pequeña, pero me ha afectado aún más de mayor al enterarme que se trata de la última aparición del actor en pantalla. Aunque, confieso que me gusta repetirme que alguien como él no podría haberse despedido mejor de sus fans.

Como siempre, os invito a aportar datos interesantes sobre la película en los comentarios.

8 dic. 2013

The Family

Cuando vi el trailer de The Family quedé encantada: Luc Besson, Martin Scorsese, Tommy Lee Jones, Michelle Pfeiffer y Robert De Niro se habían unido para darme una nueva película con uno de mis temas favoritos, la mafia. Y el trailer prometía diversión.

 

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Sin embargo, hubo algo que no terminó de convencerme. Ha algo que falta en la película. Malavita, el perro, parece tener un protagonismo que no termina de explicarse (¿quizás esperando hacer una secuela?). La comedia oscura no terminó de llegarme. Y no fue hasta el final que me enganché con la historia.

En cuanto a los personajes, el de Diana Argon me pareció un poco exagerado; pero interesante. Me gustó ver a una Michelle Pfeiffer que, además de estar tan guapa como siempre, es capaz de ponerme nerviosa con sólo un gesto. Y de De Niro sólo puedo decir que la comedia negra le sienta muy bien. Y que en la escena de Mean Streets su sonrisa y la luz en sus ojos me alegraron el día.

The Family se me hizo mucho más ligera de lo que esperaba al enterarme de los nombres del cartel, un poco lenta. El final está bastante bien. Pero me he quedado con una sensación de desconexión, como si me faltara una parte de la historia. De Besson sólo puedo decir que sigue tratando la violencia de una forma que me gusta, pero que creo que esta vez no terminó de convencerme su trabajo. En resumen, me han gustado cosas de la película, pero me he quedado un poco fría. Si fuera a calificarla con el sistema de las estrellas, le daría tres.

6 dic. 2013

Freiheit

¿Qué es la libertad? Eso me he preguntado varias veces. Y eso se preguntaba George Lucas en uno de sus cortos como estudiante, allá por 1966. Hoy os dejo Freheit, un corto del joven Lucas que hoy siento mucha necesidad de compartir.

 

 

También quería contarnos que me han comentado que este año se celebrará El Día Más Corto en España (21 de diciembre). Os invito a visitar el website de ED+C para descubrir de qué va y, por supuesto, a participar (como espectadores o presentando vuestro corto).

Que tengáis un buen fin de semana.

4 dic. 2013

Consejos de cine: las cinco reglas de Jim Jarmusch

Otra vez quiero probar algo diferente. Hoy se trata de contaros los consejos de un director. El elegido es Jim Jarmusch, conocido por sus películas independientes, de las cuales Coffee and Cigarettes sea posiblemente mi favorita.

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Jarmusch suele hacer un cine que me atrae, que me resulta diferente, y por ello me interesé muchísimo en conocer sus consejos, sus reglas para hacer una buena película. Leí estas reglas hace unos cuantos años. La quinta me ha enseñado muchísimo y la cumplo siempre que puedo.

Os invito a leer sus consejos mientras esperamos al estreno de Only Lovers Left Alive, la ganadora del Premio del Jurado en Sitges 2013.
 
  1. No hay reglas. “Hay tantas reglas para hacer una película como potenciales cineastas. Nunca le diría a alguien qué hacer o cómo hacerlo. Va en contra de mi filosofía. Por tanto, estas no son reglas, sino algo así como notas mentales. Cada uno debería hacer sus propias ‘notas’ porque no hay forma correcta de hacer las cosas. Si alguien te dice que hay un sólo modo de hacer algo, su modo, corre.”
  2. No dejes que te ganen. “La gente puede ayudar o no, pero no puede detenerte. La gente que financia las películas, que las distribuye, las promueve y las exhibe, no son cineastas. No dejarán que los cineastas les digan cómo hacer negocios, así que nosotros no deberíamos dejarles decirnos cómo hacer una película. Y evita a la gente que quiere hacer cine para enriquecerse, por la fama o para conseguir acostarse con gente guapa”.
  3. La producción tiene que estar al servicio de la película. “La película no está al servicio de la producción. Lamentablemente, en el mundo del cine suele ser al revés; pero la película no debería hacerse para cumplir con el presupuesto, el calendario o los currículums de los que trabajan en ella”.
  4. El cine es un proceso colaborativo. “Puedes trabajar con gente cuyas mentes e ideas son más fuertes. Asegúrate de que se preocupen por cumplir sus funciones y no el trabajo de otros. Trátalos a todos como colaboradores y pares. Un asistente de producción que detiene al tráfico mientras se rueda una escena es tan importante como los actores en esa escena, el director de fotografía o el propio director. La jerarquía es para los que tienen egos inflados o fuera de control. Quienes elijas para colaborar contigo, si los eliges bien, pueden mejorar la calidad y el contenido de una película. Si no quieres trabajar con otras personas, no hagas cine”.
  5. Nada es original. “Roba de cualquier lugar que te inspire y nutra tu imaginación. Devora películas viejas, películas nuevas, música, libros, pinturas, fotografías, poemas, sueños, conversaciones azarosas, arquitectura, puentes, señales de tránsito, árboles, nubes, cuerpos acuáticos, luces y sombras. Elige para robar solamente cosas que le hablen directamente a tu alma. Si haces esto, tu trabajo será auténtico. La autenticidad es invaluable; la originalidad es inexistente. Y no te molestes en cubrir tus robos -celébralos si tienes ganas. En cualquier caso, siempre recuerda lo que dijo Jean-Luc Godard: "No importa de dónde tomas las cosas –lo importante es hacia dónde las llevas"”.

Podéis encontrar el artículo original (en inglés) aquí.




2 dic. 2013

The Hunger Games: Catching Fire

La primera parte de The Hunger Games me hizo reflexionar. Con el tiempo, lo que se quedó en mi memoria fue lo que más me interesó: la crítica social. Y, por eso, tenía muchas ganas de ver la segunda parte y descubrir cómo continuaba la historia (he decidido dejar los libros para después, cuando ya haya visto las películas).

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Catching Fire comienza un año después de Los Juegos del Hambre, en los que Katniss y Peeta desafían al sistema y cambian las reglas del juego. Katniss se ha convertido en un símbolo de esperanza para su pueblo, y el gobierno intentará acabar con esa esperanza. No os destriparé la película, no. Os diré que hay que verla. Y que hay que prestar atención al mensaje (o al subtexto, como lo llaman los de un lenguaje un poco más elevado que el que uso por aquí).

Esta parte de la historia continúa criticando a la sociedad y al circo en que se han convertido los medios de comunicación, pero nos dice que recordemos que juntos podemos lograr el cambio. Katniss ya no está sola en la lucha –aunque nunca lo estuvo-, y si bien sigue participando del “juego” porque no cree que haya forma de vencer al enemigo, no puede evitar rebelarse y enfrentarse a las imposiciones.

Catching Fire está mucho más “cuidada” que The Hunger Games: muchos más efectos visuales, un vestuario que me enamoró… diría que es más espectacular. Me gustó que no se centraran demasiado en las escenas de la arena, aunque es verdad que a algunos puede resultarle un poco más lenta. A mí no se me hizo lenta, las dos horas y media (aproximadamente) se me hicieron cortas. Me recordó un poco a V for Vendetta, y cuando terminó sentí la necesidad de saber cómo acaba la historia.

Me encantó ver a Katniss un poco más relajada, por decirlo de algún modo. Jennifer Lawrence pudo soltarse un poco en esta película y hacernos reír con sus gestos. Catching Fire le permite demostrar que puede hacernos reír y emocionarnos, que es una de las mejores actrices jóvenes de la actualidad. A Josh Hutcherson le ha tocado un personaje que no me gusta nada, pero no puedo decir que la damisela en apuros le salga mal porque resulta creíble (y me pone de los nervios).

Me encanta ver a Woody Harrelson, Lenny Kravitz y Stanley Tucci; pero esta vez mis grititos internos de fan han salido al ver a Philip Seymour Hoffman. El eterno segundón que siempre me conquista en los pocos minutos que sale en pantalla, lo hizo otra vez. Es verdad que su malo está bastante suavizado; pero como no he leído el libro y considero que siempre interpreta sus papeles perfectamente, no puedo criticarlo. A decir verdad, no tengo nada que criticar sobre ninguno de los actores, porque han logrado que me meta mucho en la historia y me crea sus personajes.

En resumen The Hunger Games: Catching Fire me ha gustado muchísimo. Me he quedado reflexionando sobre lo visto, y me lo he pasado genial viéndola. Rescato ese: “Recuerda quién es el verdadero enemigo” y me quedo ansiosa por saber cómo continúa la historia de Katniss Everdeen y el pueblo de Panem.

29 nov. 2013

Scripted Content: la moda de los cortos

Los cortos están de moda: las grandes marcas se asocian con directores y actores, y juntos crean historias para promocionarse. La última marca en sumarse a la moda de los cortos es la revista Vogue. Y lo hacen de una forma muy interesante: las actrices que ilustran sus portadas ahora protagonizan un corto que, por supuesto, se publica en todas las redes sociales para lograr viralizarlo.

Me sorprende que Vogue haya tardado tanto en unirse al movimiento, pero me alegra que lo haya hecho. ¿Por qué? Porque una de las actrices que ha participado en la serie de cortos Scripted Content es Jessica Chastain. Y el corto me ha causado tanta risa que no dudé un instante en que sería el corto de esta semana.

La situación es la siguiente: te encuentras a alguien famoso en un lugar público. ¿Qué es lo primero que haces? Obviamente, estando en el SXXI, lo normal es que lo twittees, lo pongas en Facebook o le envíes un mensaje a algún amigo. ¿Y qué pasa después? Que tienes que probarlo. ¿Y cómo lo pruebas? Pues haciendo una foto al famoso en cuestión. Pero no quieres molestarle, entonces intentas hacerle una foto disimuladamente. No lo notará, ¿verdad?

¿Os ha pasado algo similar alguna vez? ¿Lo habéis logrado u os han pillado?

¡Buen fin de semana!

27 nov. 2013

10 cosas que quizás no sabías de Rashomon

Hoy quiero probar algo diferente. En lugar de redactar un post largo con mucha información, hoy os traigo una lista. Y no es cualquier lista, es una lista de diez cosas que quizás no sabéis sobre un clásico de Akira Kurosawa: Rashômon.


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  1. El equipo tenía problemas para comprender lo que se quería comunicar en la película, así que acudieron al director para que lo aclarara. Kurosawa les respondió: “El ser humano es incapaz de ser honesto consigo mismo y sobre sí mismo. No puede hablar de sí mismo sin adornar lo que dice. El guión habla de ese ser humano que no puede sobrevivir sin mentiras que le hagan sentir mejor persona de lo que realmente es. Muestra esa necesidad de embellecerse aún después de morir: el personaje que muere no puede dejar de mentir aún cuando habla a través de un médium. El egoísmo es un pecado que el ser humano lleva consigo desde el nacimiento, y del que más cuesta arrepentirse. La película es como si nos mostrasen una imagen a través del ego. Decís que no podéis entender el guión, pero eso es porque el corazón humano es imposible de entender. Si os enfocáis en la imposibilidad de comprender completamente la psicología humana, y leéis el guión una vez más, lo comprenderéis”.
  2. Rashômon es la primera película en la que la cámara mira hacia el sol.
  3. También es una de las primeras en usar la cámara en mano para seguir a los personajes.
  4. Uno de los mayores problemas del equipo de rodaje era que al filmar en el bosque les caían sanguijuelas encima, las que les dejaban heridas que no cerraban. Lo solucionaban echándose sal antes de comenzar a rodar.
  5. El rodaje en el bosque era difícil: no había suficiente luz, aún durante el mediodía. Kurosawa y Kazuo Miyagawa (director de fotografía) cogieron un espejo de cuerpo entero del departamento de vestuario, y lo utilizaron para rebotar la luz a través de las hojas de los árboles para imitar la luz natural.
  6. La lluvia de las escenas en la Puerta de Rashômon se logró con tinta negra mezclada con agua para que resaltara frente al fondo gris.
  7. La inspiración para el personaje de Toshiro Mifune era un león: Kurosawa le pidió que modelara sus movimientos a partir de los leones de los documentales de Martin y Osa Johnson.
  8. La música de la escena de la visión de la esposa no estuvo disponible hasta la postproducción. Curiosamente correspondía casi exactamente con la acción de la escena, y no hizo falta rodar posteriormente o corregirla.
  9. A pesar de que muchos piensan que Kurosawa se inspiró en Citizen Kane para los flashbacks y las diferencias de interpretación a partir de ellos, el director no había visto la película cuando rodó Rashômon. La veradera inspiración de Kurosawa eran las películas avant-garde francesas de los años veinte: su idea era recuperar eso que hacía mágico al cine mudo.
  10. Rashomôn tiene un Oscar, pero un Oscar honorífico: aún no existía la categoría de Película en Habla No Inglesa, por tanto le dieron uno honorífico. Es la quinta película en obtener un Oscar honorífico “a la mejor película extranjera estrenada en Estados Unidos”. Las galardonadas antes que Rashômon son: Sciuscià (Ragazzi) y Ladri di biciclette de Vitorio de Sica (1947 y 1949), Monsieur Vincent de Maurice Cloche (1948) y Le mura di Malapaga de René Clément (1950). También recibió una nominación por su Diseño de Arte, aunque esta nominación ocurrió un año después de obtener el Oscar honorífico.
Espero que os haya gustado, y si tenéis algún otro dato interesante, me encantaría leerlo en los comentarios.


25 nov. 2013

La nouvelle guerre des boutons

Hacía mucho tiempo que no veía a Guillaume Canet, o al menos eso me parecía. Así que ver La nouvelle guerre des boutons fue doblemente positivo: la película me gustó mucho, y volví a ver a Guillaume. Además, está ambientada en marzo de 1944, en un pequeño pueblo francés. Justo lo que necesitaba.

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La nouvelle guerre des boutons, a pesar de estar ambientada en una época dura, es en cierto modo inocente y positiva. Me hizo sonreír, reír, emocionarme, sentir ansiedad, y me dejó con ganas de verla muchas veces más. Me encantó ver a los niños “jugar” a una guerra mientras en la “vida real” había una guerra de verdad. Me gustó verles mantener la inocencia a pesar de lo que estaba ocurriendo (aún cuando su propia guerra se les va de las manos), y me encantó el mensaje final de la alianza por una buena causa. La nouvelle guerre des boutons no sólo entretiene, sino que nos da un mensaje mu bonito. Y me ha dejado fascinada con el pequeño Clément Godefroy, al que me encantaría volver a ver en pantalla (lamentablemente, no he encontrado nada más suyo).

Vi la La nouvelle guerre des boutons porque me habían contado que el libro era muy bonito. Cierto es que se llama “nouvelle” porque es una nueva adaptación de la historia; pero ahora tengo muchísimas ganas de leerlo. Y de ver la primera película que se rodó basada en el libro (de 1962). Aparentemente, también se rodó otra versión más similar al libro en 2011. He visto que trabajaron en ella Eric Elmosnino y Alain Chabat, así que no tardaré mucho en verla. ¿Habéis visto alguna de estas versiones, o leído la novela?

22 nov. 2013

Plane Crazy

Esta semana ha cumplido 85 años el ratón más famoso del cine: Mickey Mouse. Para celebrarlo, he decidido que lo mejor era compartir su primer cortometraje. ¿Steamboat Willie? No, ese fue el primero en estrenarse.

Os dejo Plane Crazy, el primer corto del ratón que dirigido por Walt Disney, estrenado el 17 de marzo de 1929 gracias al éxito de Steamboat Willie.

¡Buen fin de semana!

20 nov. 2013

The Crow

A veces ocurre que la vida va demasiado rápido, que pasa mucho y no tenemos tiempo de disfrutarlo. O de parar un minuto a respirar. No tenemos tiempo para nada. En esos momentos decido poner pausa, y ocupar un par de horas en disfrutar. Es cuando me refugio en una de mis películas favoritas.

Recientemente, me encontré en uno de esos momentos. Y me refugié en una película que me impactó mucho la primera vez que la vi, una película que llevaba meses con muchas ganas de volver a ver: The Crow. Realmente no sé si fue la estética, el trabajo de Brandon Lee, o simplemente que era inocente y la historia me mostró algo que no existía en mi mundo.

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Vi The Crow por primera vez poco después de ver Dragon: The Bruce Lee Story, con curiosidad por conocer al hijo de Bruce Lee. Nunca había leído un cómic del personaje, por lo que no tenía idea de lo que iba la historia. Recuerdo que al verla me hizo pensar en la historia de Batman, y que no logré comprender todo lo que veía. Pero, por alguna razón, la película se convirtió en una película de culto para mí y para varios de mi generación. Y aún hoy sigue siendo una de mis favoritas, y por ello siempre esto atenta a datos interesantes sobre ella.

Posiblemente mi dato favorito es que se pensaba en Johnny Depp para el papel principal. Podría haber sido perfecto, pero creo que Brandon lo hizo genial. También se quería a Iggy Pop para el papel de Funboy, porque el cantante había inspirado al personaje. Iggy no pudo participar debido a conflictos de agenda, pero participó en la secuela. Cameron Diaz pudo haber interpretado a Shelly, pero no le gustó el guión y no aceptó la oferta. Siempre me pregunto si la película habría sido más popular de haber contado con Johnny, Iggy y Cameron o si el resultado habría sido el mismo.

Otro dato que me resulta interesante es que el director quería rodar en blanco y negro, utilizando el color solamente en los flashbacks. El estudio no se lo permitió: consideraban que la idea era muy arriesgada. El director ajustó sus ideas al color a partir del rojo y el gris. Si bien me encanta el resultado, creo que la idea del director era muy buena (y se ajustaba más al cómic).

Todos sabéis que Brandon Lee murió poco antes de terminar The Crow, en un accidente con un arma de fuego durante el rodaje de una de las escenas. Según cuentan, el rodaje fue bastante accidentado y Brandon resultó herido un par de veces. La escena en la que ocurrió el fatal accidente es la escena en la que su personaje llega y descubre a los villanos atacando a su novia. Contrario a la leyenda, la cinta con la escena ha sido eliminada (luego de usarla en la investigación).

Después del accidente, el rodaje se paralizó, y la película pudo no haberse terminado. Alex Proyas decidió completarla en homenaje a Brandon. Utilizó dobles y agregó la cara del actor con CGI. No sé si alguien por ahí ha logrado descifrar qué escenas son las que Brandon no llegó a rodar, pero son muy pocas:

  • Cuando Eric regresa al apartamento después de resucitar: se utilizó una toma de Brandon caminando por un callejón para hacerle atravesar la puerta.
  • La escena en la que cae por la ventana: se trata de un doble, al que le agregaron digitalmente la cara de Brandon y la sangre.
  • La escena en la que se maquilla: también es un doble, la cara de Brandon se agregó al espejo.
  • Cuando camina hacia la ventana con el cuervo sobre el hombro: otra vez el doble. La cara de Brandon se agregó sólo en los momentos que la ilumina un relámpago.
  • Cuando Sarah visita el apartamento, nunca vemos la cara de Eric. Es un doble.

Confieso que si no me lo dicen, no me entero de cuáles son. Y que sólo he podido ver la secuela (City of Angels). Una sola vez. No he podido ver nada más. Pero siempre vuelvo a ver The Crow.

15 nov. 2013

Castello Cavalcanti

Hace tiempo que no comparto advertisements. Antes era algo poco común que una marca contratara a un director para que realizara un corto anunciando un producto, pero actualmente es algo bastante extendido. En este caso he decidido compartirlo, porque se trata de un advertisement que no termino de entender.

¿Por qué? Porque no termino de entender qué producto nos presenta Wes Anderson. Castello Cavalcanti es un corto bueno, muy del estilo de Wes Anderson; pero no veo más producto que la marca en sí (en este caso, Prada). Quizás la idea sea esa, crear un corto que defina el estilo Prada. No lo sé. Quizás más adelante continúe la historia, y se trate de algo más. Sólo el tiempo lo dirá.

Mientras tanto, os dejo con Castello Cavalcanti, protagonizado por Jason Schwartzman.

Por cierto, no se trata del primer trabajo de Wes Anderson para Prada. Hace muy poco se asoció a Roman Coppola y Léa Seydoux para anunciar un perfume en otro advertisement. Lo podéis ver aquí.

¡Buen fin de semana!

13 nov. 2013

El cine en el S XXI y la insistencia en no evolucionar

La industria cinematográfica culpa en gran parte a las webs piratas de los cierres de las salas: el espectador no paga por ver la película, consume gratis un producto y afecta a la industria. Ver una película gratis es robar, ya lo decían los VHS hace unos cuantos años. Pero, ¿es que la piratería no existía antes? ¿Realmente es la razón por la que cierran tantas salas? ¿Y qué pasa con el VOD? Creo que ya he comentado alguna vez que no creo que esas webs sean las únicas culpables, pero me gustaría analizar la situación y que juntos lleguemos a una conclusión (si se puede).

pirata

Las piratería en el cine estuvo presente siempre. Actualmente existen las webs donde podemos descargarnos o ver online contenidos audiovisuales que van desde clásicos hasta los últimos estrenos con sólo un click y por ningún coste (descontando el de la banda ancha, claro); pero antes teníamos otras formas de consumir cine a un módico precio: la televisión, el videoclub, el cable. Entonces podíamos grabarnos las pelis de la tele o copiarnos los VHS, sólo había que esperar un poco más.

Después llegaron el TiVo y el DVR con los que nos podíamos “grabar” lo que se emitía en tv, los DVDs que podíamos copiar. Y no hay que olvidar que el cable también se pirateaba: muchas personas “robaban” a sus vecinos el servicio, o varios hogares compartían una suscripción. Siempre se pirateó el cine, aunque antes había que asistir a las salas para poder ver los estrenos. Entonces no era nada fácil acceder a copias de estos estrenos, algo que hoy resulta mucho más fácil.

Con la llegada de internet el pirateo se expandió. Podíamos descargarnos estrenos en una calidad pésima: grabaciones en las salas, que alguien se tomaba la molestia de hacer y compartir gastando el dinero de la entrada y sin sacar ganancias. O podíamos esperar a que saliera el DVD, que alguien lo comprara, lo copiara y lo compartiera. De nuevo, sin obtener ganancias. Entonces, a la industria le molestaba; pero no parecía verse tan afectada.

Posteriormente, comenzaron a aparecer copias en muy buena calidad de películas apenas estrenadas. Copias que no podía obtener gente que no estuviera relacionada de algún modo con la industria. Copias con un “Property of… Studios” sobreimpreso, que estaban pensadas para visionados privados de personas relacionadas con la industria. Y copias de alta calidad que pudieron obtenerse de varios modos. Os explicaré la algunos de las más comunes:

  • CAM – copia grabada dentro de la sala, en mala calidad
  • TS – copia grabada con una cámara profesional desde la sala del proyeccionista, con conexión directa al audio para aún mayor calidad
  • WP – el work print es la película sin terminar, a la que le faltan efectos visuales o tiene un montaje que no es exactamente igual que el que llega a las salas
  • TC – copia capturada desde la cinta análoga y digitalizada. La técnica es la misma que se utiliza para los DVD, por tanto la copia tiene la misma calidad
  • Screener – son las copias que se hacen por adelantado para enviar a críticos, votantes de premios y ejecutivos. Llevan un mensaje sobreimpreso (del que os hablé más arriba) o algunas escenas están en blanco y negro. La calidad es un poco inferior a la de un DVD

Existen muchos más formatos, y cada cierto tiempo surgen nuevos. Lo curioso es que cada vez mejora la calidad, pero una persona que no se relaciona con la industria tiene muy pocas chances de ser quien distribuye originalmente la copia. Eso me hace sospechar que dentro de la propia industria facilitan este tipo de distribución, simplemente porque internet significa más público para la película aunque se “pierda” dinero. No digo que sea algo que ocurre el 100% de las veces, pero ¿por qué no? Sobre todo cuando algunas personas de la industria audiovisual valoran datos como “el episodio más descargado”, porque eso significa que su producto funciona.

¿Es malo que las personas compartan contenidos? Si siempre existió, ¿por qué ahora es que son los culpables de todos los males? Se supone que ahora afecta más a salas y estudios por su masividad (y que algunas, que no todas, de esas webs obtienen dinero con publicidad); pero muchas películas que no han funcionado en las salas ahora pueden llegar a mucho más público con sólo un click. Y eso es lo que la gente que se ha dejado el alma en la película quiere: que se vea su película.

 

La costumbre y la comodidad

Ver una peli en casa es cómodo, pero ¿realmente dejamos de ir a las salas para quedarnos en casa a buscar una peli en internet? Las opciones se amplían cuando buscamos en internet, pero también hay puntos en contra: no siempre encontramos esa peli que queremos ver, nos arriesgamos a descargar un virus (que a la larga es más caro que ir al cine), la calidad de la copia disponible puede ser pésima… Sí, el espectador está acostumbrado a consumir cine en casa; pero aún buscando opciones seguras como el VOD, no tiene por qué encontrar lo que quiere. Y eso le lleva a la sala, como lo hizo toda la vida (cuando en la sala está lo que quiere ver).

Si el espectador deja de ir a la sala no es porque pueda ver la peli pirateada, posiblemente le afecten los precios altos de las entradas. Está comprobado que cuando bajan los precios, las salas se llenan. Y que cuando se quiere ir a ver una película, se va. A mí, por ejemplo, me molesta muchísimo esperar -a veces años, y no exagero- para poder ir a la sala a ver una película que tengo muchas ganas de ver.

Para mí no hay mejor experiencia que sentarme en una sala oscura frente a una pantalla enorme y ver una película. Voy al cine; pero no voy a ver cualquier cosa: como muchos valoro qué películas hay disponibles y ya no me arriesgo tanto a llegar al cine y elegir el primer título que me resulta atractivo.

El streaming o VOD nos da la alternativa de poder acceder por un precio menor a contenidos en buena calidad y, muchas veces, a contenidos que no llegan a las salas. A mí, que me gustan tanto las películas independientes, es la alternativa que me queda para poder ver lo que me gusta. No es lo mismo que ir al cine, pero es el cine que quiero ver.

Lo malo es que el VOD tampoco me ofrezca todo lo que quiero ver, lo que me da dos opciones: pirateo para poder verla, o debo cambiar la IP de mi ordenador para consumir VOD geolocalizado. La industria limita el contenido que llega al público, y nosotros queremos elegir qué ver. Estamos en un mundo global, pero la industria insiste en limitarnos y decidir qué consumimos.

 

¿Es internet la muerte de las salas?

Creo que lo es si la industria no permite que la situación cambie: estrenos globales (está comprobado que se puede coordinar para estrenar cine doblado, así que no es excusa), precios más asequibles y variedad es lo que nos hace falta.

Las salas de cine son una experiencia única que no debe morir, el espectador sigue necesitándolas. Sobre todo los espectadores que no consumen VOD ni piratean, esos que no consumen tantas blockbusters y están acostumbrados a ver cine en salas. Esos parece que no contaran. Las blockbusters siguen llenando las salas, el 3D y el IMAX son cosas que se disfrutan mejor o sólo en los cines. Hay público, pero habrá aún más si ese público puede pagarse las entradas y puede ver las películas que quiere ver.

Comprendo las dificultades que atraviesan las salas cinematográficas y las razones que tienen para cerrar. Pero el problema no viene del pirateo, sino de una industria que insiste en un modelo anticuado. La industria debe adaptarse, como ya lo hizo antes. Debe asumir que existen otras formas de distribución, y que no por ello debe morir la experiencia única de asistir en masa a una sala oscura y entregarse a una historia.

Las salas no cerraron con la llegada de la televisión, no murieron con la llegada del VHS y el DVD, y no tienen por qué morir ahora. Sí, los videoclubes han muerto físicamente, pero porque han evolucionado al streaming y el alquiler online. Nada sustituye a la experiencia de la sala, ni los proyectores en casa (que ya llevan años en el mercado). El espectador tiene una nueva necesidad de consumo, y el mercado debe adaptarse a eso; pero eso no significa que el espectador no quiera consumir cine en una sala. Es más, veo la muerte de la televisión tal y como la conocemos antes que la muerte de las salas de cine. Creo que no es cuestión de rendirse y bajar los brazos, es cuestión de adaptarse.

Se está apuntando a un culpable que sólo es indicador de una necesidad de mercado. Es verdad que las webs de pirateo están haciendo dinero con publicidad, pero para vencerlas la industria sólo necesita ofrecer contenido de calidad con la misma facilidad que esas webs. Ninguna persona quiere banners molestos o posibles virus, y todos preferiremos pagar si tenemos la posibilidad de consumir en buena calidad eso que queremos consumir.

No hay que olvidar que lo que llamamos pirateo, que existió siempre y siempre encontrará el modo de renovarse, ha jugado un papel importante en el acceso a la cultura de personas que de otro modo no podrían acceder a ella. Si les facilitamos el acceso a esas personas, no tendrán la necesidad de buscar ese contenido en otra parte. El cine es cultura, y no hay que olvidarlo por más que también sea un negocio. En lugar de buscar culpables, habría que enfocarse en buscar soluciones.

11 nov. 2013

The To Do List

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No sé si es la llegada del frío o las ganas de no pensar demasiado, pero últimamente se me ha dado por recurrir mucho a la comedia. Desde que había visto el trailer de The To Do List tenía muchas ganas de verla, y me ha sabido a poco. Tenía la idea de que me gustaría tanto como Easy A -me encanta y la he visto quizás demasiadas veces-; pero resultó ser una película que se me quedó un poco corta.

The To Do List es graciosilla, entretenida, tiene algún que otro momentazo; pero no me terminó de gustar. Además del final 100% predecible, no me gustó el papel principal. Se supone que se trata de una cerebrito, pero al final no es más que otra nerd con tendencia a los accidentes. Aubrey Plaza lo hace bien, es el papel lo que no me convence. El resto de personajes no está mal, hay algunos que apenas salen en pantalla y arrancan bastantes risas.

Repito, la peli no está mal; pero no es la gran cosa. Y eso me desilusionó: que esperaba más. The To Do List es entretenida y bastante directa, simplemente no es lo que pensaba que iba a encontrarme. Quizás sea hora de dejar la comedia de lado y ponerme a ver otras cosas.

8 nov. 2013

Next Floor

Llegó el fin de semana, tiempo de excesos para algunos. Y con él el corto de la semana, que va de uno de esos excesos que nos gustan tanto: la comida. Next Floor va de glotones, de un festín bastante extraño, con personajes igual de extraños. Se trata de un cortometraje del director Denis Villeneuve, del que si no habéis visto algo ya, seguro habéis escuchado hablar: su película Incendies fue nominada al Oscar en 2011.

 

Buen fin de semana y cuidado con los excesos ;)

6 nov. 2013

Un tranvía llamado deseo y una mujer llamada Vivien Leigh

El 5 de noviembre de 1913 nació en la India una actriz inolvidable: Vivien Leigh. Para celebrar su cumpleaños número 100, he decidido hablaros de una de sus películas. Os he hablado ya de la película por la que ganó su primer Oscar, Gone with the Winddos veces-, así que esta vez escribo sobre su segundo Oscar y una de mis películas favoritas: A Streetcar Named Desire.

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Protagonizada por Vivien Leigh y Marlon Brando, A Streetcar Named Desire fue candidata a 12 Oscars y ganó 4: Mejor actriz (Vivien Leigh), Mejor actor de reparto (Karl Malden), Mejor actriz de reparto (Kim Hunter) y Mejor dirección de arte en blanco y negro. Pero llevar la obra de Tennessee Williams al cine no fue fácil: debido a su temática nadie quería hacerlo. Elia Kazan ya había dirigido la obra en teatro y estaba más que satisfecho con el resultado, por lo que no quería hacerlo en cine. Tennessee Williams fue quien le convenció de hacerlo.

A Streetcar Named Desire se rodó en 36 días. La compañía Desire había pasado a ser una compañía de autobuses, pero aún quedaban tranvías en funcionamiento y le cedieron uno a la producción para el rodaje. La producción comenzó con ensayos en New York. Vivien Leigh se sentía completamente fuera de lugar, lo que Elia Kazan explotó para ayudarla a interpretar a su personaje. Vivien tampoco se sentía cómoda con Marlon Brando. Era mutuo; pero pronto lograron conectar y acabaron siendo amigos.

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Se solicitaron varios cambios para el guión, sobre todo lo que hacía referencia a la homosexualidad y violación. Tennessee Williams dijo que el resultado final le gustó; pero no le gustó tanto el final hollywoodiense.

Hay tres diferencias fundamentales con la obra de teatro:

  • Se excluyó la homosexualidad del marido de Blanche. En la obra ella lo encuentra en la cama con otro hombre y él se suicida, y ella se siente culpable por no comprenderle. En la película simplemente dice que ella lo mató al llevarlo al suicidio.
  • La escena de la violación es aún menos clara que en la obra. Originalmente se eliminaron diálogos de Stanley por la censura, por lo que la escena puede no resultar del todo clara para el espectador que no conoce la historia.
  • El final no es el mismo: en la obra Stella se queda con Stanley, pero en la película le abandona como castigo (esto fue solicitado por el código moral de Hollywood).

Además, la película incorpora más escenarios a la historia: se suman la estación de autobuses, la bolera, el salón de baile, un puerto, y la planta de Stanley al apartamento y el patio.

 

El casting

El rol de Stanley fue ofrecido inicialmente a Robert Mitchum, pero la RKO no le permitió aceptarlo. John Garfield también lo rechazó, pero porque no quería que la actriz que interpretara a Blanche le quitara protagonismo.

Se consideró adaptar la obra con Bette Davis en mente para el papel de Blanche, aunque posteriormente se ofreció el papel a Olivia de Havilland (tenía un caché muy alto) y Jessica Tandy (había interpretado el papel en Broadway). Sin embargo, la elegida fue Vivien Leigh (por su status de estrella). Vivien tenía 36 años, por lo que se la maquillaba para aparentar más edad. La actriz ya había interpretado el papel en teatro, dirigida por su marido: Laurence Olivier. Vivien solía decir que fue el trabajo junto a Laurence Olivier el que más le influyó en su interpretación en la película.

Del grupo original que interpretó la obra en Broadway, nueve de ellos repitieron sus papeles en la versión cinematográfica: Marlon Brando, Kim Hunter, Karl Malden, Rudy Bond, Nick Dennis, Peg Hillias, Richard Garrick, Ann Dere y Edna Thomas.

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¿Lo has notado?

A medida que la película avanza, la casa de los Kowalski parece cada vez más pequeña. El set se encoge. Literalmente. La idea era que el espectador sintiera la claustrofobia de Blanche. Creo que lo consiguen perfectamente.

 

Y hasta aquí mi humilde homenaje a la gran Vivien Leigh. Lo siguiente será ver sus películas, por supuesto. ¿Cuál es vuestra favorita?

4 nov. 2013

Girl most likely

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¿Os he hablado ya de mi girl crush, Kristen Wiig? Por ella estaba esperando –ansiosa- ver Girl most likely. Sabía que Annette Bening y Matt Dillon compartían cartel con Kristen, lo que me aseguraba un par de risas. El trailer no prometía demasiado, pero se trataba de una película con Kristen Wiig y todo lo que hace pasa por mis ojos.

Reconozco que no es una película inolvidable. Es una película entretenida, cuyo mensaje es no olvidar jamás quiénes somos y de dónde venimos en nuestro camino por alcanzar nuestros sueños. Me gustó ver a Kristen en un papel “nuevo”: la he visto ser una madre, una amiga, y ahora le tocaba ser la persona que aspiraba a algo en la vida y se ha quedado por el camino. Lo consiguió con la misma facilidad que consigue hacerme reír. Y logró que conecte con su personaje.

Las risas vinieron de la mano de Annette Bening y Matt Dillon, que poco hacen; pero lo hacen bien. Destaco a Christopher Fritzgerald en el papel de Ralph, el hermano autista. Tengo especial debilidad por ese tipo de personajes, y el suyo me ha encantado. Darren Criss hace de chico bueno, guapo, etc. No lo hace mal; pero quizás es el que menos aporta a la historia.

No esperaba mucho de Girl most likely, y no me desilusionó. En el momento en que la vi no pensé demasiado en el mensaje, pero una vez me senté a escribir logré conectar los puntos y darme cuenta de que ese “There’s no place like home” de la escena inicial tenía mucha importancia: la familia, esas personas a las que siempre podemos volver y nos estarán esperando de brazos abiertos. No hay que olvidar jamás de dónde venimos. Eso es lo que más me ha gustado de Girl most likely.

31 oct. 2013

Detrás del espejo

Hoy no os quito mucho tiempo. ¿Qué hay detrás del espejo? Tendréis que descubrirlo.

¡Feliz Halloween, que descanséis con el puente y que tengáis un buen fin de semana!

30 oct. 2013

Spooky Halloween 2013: detrás de Scream

Desde pequeña adoro Halloween, y mi afición por el cine de terror me llevó a ver muchísimas películas del género. Los que habéis consumido este tipo de cine sabéis que hay cinco reglas que se cumplen siempre en las slasher:

1. Morirás si te acuestas con alguien
2. Morirás  si bebes o te drogas
3. Morirás si dices “Enseguida regreso”
4. Cualquiera puede ser el asesino

Wes Craven, mítico en el género, se animó a incluir dos más:

5. Morirás si preguntas “¿Quién anda ahí?”
6. Morirás si vas a investigar ese extraño sonido afuera

La película en que lo hizo es la que espero que todos estéis pensando: Scream. Y de ella voy a hablaros hoy. 


Originalmente titulada Scary Movie, Scream está inspirada en un asesino del estado de Florida conocido como Gainesville Ripper (su nombre real: Danny Rolling). 

Wes Craven eligió para el asesino una máscara que encontró en una casa californiana donde planificaba rodar. La máscara estaba inspirada en el “Grito” de Edvard Munch. Le hizo una foto y solicitó que se creara una similar para no pagar derechos de autor. La túnica del asesino iba a ser blanca para que pareciera un fantasma, pero la producción decidió cambiarla para evitar que se asociara con el Ku Klux Klan. 

Bob Weinstein pensó que la máscara era “idiota” cuando vio las primeras tomas rodadas, y solicitó que se rodara una escena con siete máscaras diferentes para elegir la mejor. Los productores respondieron amenazando con cancelar el rodaje. Le dijeron que esperara a ver la primera secuencia de la película antes de hacer cambios.  Al ver la secuencia protagonizada por Drew Barrymore, Weinstein se tragó sus palabras y no solicitó más cambios durante todo el rodaje. 

El rodaje en el instituto tuvo que moverse del Santa Rosa High School (California) porque la directiva del instituto se negó a ceder el establecimiento -a pesar de haberlo aprobado antes- debido a la violencia de la película. La venganza de Wes Craven por cancelarle el rodaje a último momento fue simple: en los créditos de la película se lee "NO THANKS WHATSOEVER TO THE SANTA ROSA CITY SCHOOL DISTRICT GOVERNING BOARD" (No se agradece a los directivos del Santa Rosa).

Scream se encontró con otra traba: la MPAA revisó la película nueve veces, pensando en clasificarla para mayores de edad. Cada revisión resultó en recortes de las tomas más gore. Cuando la película estaba a punto de perder toda su esencia, Bob Weinstein intervino y obtuvo la clasificación adecuada. Pidió que vieran la película como una comedia y no como una película de terror, y eso fue suficiente.

Una de las cosas que la MPAA quería eliminar era la toma del asesino apuñalando a Casey. Wes Craven les dijo que no podía cambiarla porque no habían rodado otra toma. Y así se quedó.

Scream se estrenó a cinco días de Navidad porque pensaban que sería mejor que los espectadores de cine de terror tuvieran algo que ver en una época en la que todo lo que se estrena es cine familiar. Al principio no recaudó más de 6 millones y medio; pero el boca a boca hizo que la afluencia del público a las salas aumentara. La película recaudó 100 millones solamente en Estados Unidos.

Casting 



Drew Barrymore iba a interpretar a Sidney Presscott, pero insistió en interpretar a Casey para sorprender a los espectadores. Sólo aparece 12 minutos en pantalla. La primera opción para el papel de Sidney, sin embargo, fue ¡Molly Ringwald! Lo rechazó porque no pensaba que fuera coherente interpretar a una adolescente con 27 años. Reese Witherspoon también rechazó el papel de Sidney. Las actrices que intentaron obtenerlo sin éxito fueron Alicia Witt, Brittany Murphy, Melissa Joan Hart, Melanie Lynskey, Melinda Clark y Tori Spelling. Neve Campbell fue la elegida.


El rol de Billy iba a ser para David Arquette, que lo rechazó porque prefería interpretar a Dewey. Otro que lo rechazó fue Joaquin Phoenix. Justin Whalin llegó a hacer pruebas de cámara para el papel junto a Neve Campbell. Kevin Patrick Walls también audicionó para el rol de Billy, y como compensación por perderlo obtuvo el papel del novio de Drew Barrymore.

Matthew Lillard, que interpreta a Stu, fue considerado para el papel de Billy. David Arquette, que también fue ofrecido el papel de Billy, inicialmente probó el rol de Stu. Otro que intentó interpretar a Stu fue Freddie Prinze Jr.

Breckin Meyer, Jason Lee y Jamie Kennedy se disputaron el rol de Randy. Se lo quedó Jamie Kennedy. Brooke Shields fue considerada para el papel de Gale después de que Jeaneane Garofalo lo rechazara. Se lo quedó Courtney Cox.

Detrás de cámaras


Para lograr que Drew Barrymore estuviera toda su secuencia asustada y ahogada en llanto, Wes Craven le contaba historias sobre crueldad hacia los animales. 

La voz en el teléfono es de Roger Jackson a quien no conocieron ni Drew Barrymore ni Neve Campbell. Durante el rodaje hablaban con él por teléfono, sin verle la cara. Las llamadas se hacían en el propio set desde un teléfono móvil, y aparentemente la policía contactó al equipo para interrogarles porque pensaban que se trataba de un asesino real.


¿Quién estaba detrás de la máscara del asesino? En la mayoría de las escenas se trata de un actor desconocido, pero hay dos en las que el actor cedió su puesto. En la primera secuencia, cuando el asesino atraviesa su cabeza por una ventana y Casey le golpea con el teléfono se trata de Wes Craven. El director recibió un buen golpe en la cara. Y en la escena en la que el asesino está detrás de Randy, se trata de Skeet Ulrich. El actor pidió usar el traje al menos en una escena. 

Hubo dos escenas en las que Wes Craven decidió quedarse con tomas que salieron “mal” por su autenticidad: cuando el teléfono se cae de la mano de Billy y golpea en la cabeza de Stu, y cuando Sidney sale del armario y apuñala a Billy con un paraguas (debía darle en un parche acolchado del pecho, pero en el segundo golpe le dio de lleno en el pecho).

La escena de la fiesta dura 42 minutos. Se rodó en 21 días, desde el anochecer hasta el amanecer. Una vez terminó el rodaje de esa escena, el equipo recibió camisetas con un mensaje: “Sobreviví a la escena 118”.



Dewey iba a morir como resultado de la puñalada en la espalda; pero Wes Craven rodó una escena en la que le llevaban al hospital por si cambiaba de opinión al respecto del personaje. Durante la proyección de prueba el público adoró a Dewey, y Craven decidió salvarle. Por lo tanto, Dewey no está inconsciente cuando Billy ataca a Gale, está muerto. Si os fijáis, se supone que no respira.

Referencias y guiños


La primera vez que vemos a Billy, suena Don’t fear the reaper (una pista que, sospecho, muy pocos habían captado).


El bedel es una referencia a Freddy Krueger: no sólo viste de verde y rojo, se llama Fred. Wes Craven se homenajea interpretando el papel de Fred. También se homenajea, y a John Carpenter, cuando Tatum dice que la situación es “como una película de Wes Carpenter”.

Halloween, de John Carpenter, tiene otro guiño en Scream. Cuando Randy le grita a Jamie Lee Curtis que se gire, y el asesino está detrás suyo, se trata de una broma interna: coincide que el actor se llama Jamie (Kennedy) y él también debería girarse.

Scream es una de mis películas favoritas, porque homenajea a películas con las que crecí y se ríe de sí misma. Wes Craven es una persona que admiro mucho, y cuando estrenó Scream me pareció una genialidad. Marcó una época, revivió el género y recuerdo que todo lo que escribía y quería hacer entonces era cine slasher. Y por eso, este Halloween lo comienzo hablando de él.