30 may. 2012

The Rocky Horror Picture Show

Todo surgió por una foto que puse en Facebook, en la que os comentaba la sorpresa que me llevé al descubrir –ya mayor- que el payaso de Stephen King’s It era Tim Curry. Empezamos a conversar en Twitter, y acabé haciéndome un huequecillo de poco más de hora y media para reencontrarme con The Rocky Horror Picture Show.

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Sucede que en The Rocky Horror Picture Show no sólo sale un maravilloso Tim Curry, sino que también sale mi adorada Susan Sarandon. Y, además, es una película de esas que combinan varios elementos que me conquistan: actores que admiro, números musicales y una historia totalmente fuera de lo común y llena de elementos bizarros. Vamos, lo que se dice la receta perfecta para una película de culto. Y como buena película de culto, se merece que hagamos un repaso por algunas de sus curiosidades, ¿verdad?

Homenajes

  • En la escena de la boda, Tim Curry (Dr. Frank N. Furter) es el sacerdote, Richard O’Brien (Riff Raff) es el anciano, y la mujer a su lado Patricia Quinn (Magenta). Seguro que os habéis fijado: parodian un cuadro bastante famoso, que luego aparece en una escena en la mansión

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  • El Dr. Frank N Furter lleva tatuado el número 4711 en una pierna. Es un famoso el perfume.
  • Oakley Court,  la residencia del Dr. Frank N. Furter, fue escenario de varias películas de terror:  The House in Nightmare Park, The Reptile, The Brides of Dracula y Man in Black. En 1981 pasó a ser un hotel, donde aún hoy podéis hospedaros si os interesa (web de Oakley Court).
  • Cuando el criminólogo habla antes de la fiesta de Rocky se ve, al abrir el libro, “La última cena” de Leonardo Da Vinci.
  • Cuando Brad y Janet van conduciendo, se escucha el discurso de renuncia a la presidencia de los Estados Unidos de Richard Nixon.
  • Durante la película podemos ver los símbolos de varias grandes compañías de la industria cinematográfica: el escudo del grifo representa a Warner Brothers, el águila en la entrada es Republic, el rayo en la bandera y la torre de radio del final representan a RKO, el personaje “Columbia”, el Atlas iluminado es Amicus, el gato de la entrada representa al león de la MGM, el globo iluminado es Universal, el gong Rank Film Corporation, y las orejas de Mickey Mouse que lleva Columbia en una escena con Magenta hacen referencia a Disney.

 

Personajes

  • Mick Jagger quería interpretar al Dr. Frank N. Furter.
  • Steve Martin audicionó para el papel de Brad. Quien también pudo ser Brad fue Cliff De Young, que lo rechazó por conflictos de agenda.
  • Otro que no pudo interpretar un papel por conflictos de agenda fue Vincent Price. Le habían ofrecido el papel del criminólogo, papel que le gustaba mucho y que ya había visto en teatro.
  • Es el debut de Tim Curry en cine. Antes se había dedicado a interpretar el mismo papel, junto a Patricia Quinn y Nell Campell, en teatro.
  • Patricia Quinn aceptó el papel de Magenta porque le gustaba el número del principio –“Science Fiction - Double Feature”-, y se sintió bastante frustrada cuando supo que no le tocaría interpretarla en la película. Sin embargo, son sus labios los que vemos al principio de la película. ¿La voz? La de Richard O’Brien.
  • En un principio, el presupuesto para la película era mayor. La única condición era que se contratasen músicos populares. Jim Sharman insistió en que los actores contratados fuesen los mismos que el elenco original del teatro; así que acordó un presupuesto mucho menor, y sólo contratar a actores norteamericanos para los papeles de Brad  (Barry Bostwick) y Janet (Susan Sarandon).

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En el set

  • Los constructores olvidaron poner una puerta en el set, por eso el Dr. Scott hace su entrada atravesando una pared.
  • Las escenas de la motocicleta con Meat Loaf fueron rodadas con un doble, excepto los primeros planos. Estos últimos fueron rodados empujando a Meat Loaf en una silla de ruedas.
  • La aparición del cadáver de Eddie bajo la mesa fue sorpresa para varios actores, a los que no se les dijo qué pasaría para obtener reacciones genuinas.
  • No había ni calefacción ni servicios en el set. Susan Sarandon reclamó esta falta, a lo que le respondieron que se quejaba demasiado. Después de rodar la escena en la piscina, contrajo neumonía.

Por último, comentaros que se dice que la remake está proyectada para el 2015. ¿Creéis que deberían rodarla?

28 may. 2012

My Left Foot

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¿Es normal que cada vez que veo una película con Daniel Day-Lewis me enamore perdidamente de él y de su talento? Es algo increíble, sigue ocurriendo. Una de las pocas películas suyas que me quedaban por ver fue la que le dio su primer Oscar, My left foot. Y, sí, la he visto y me he enamorado. Otra vez.

La película en sí no tiene mucho que destacar, es una biopic de 1989, con un formato casi de telefilm. Pero Daniel Day-Lewis no puede evitar estar maravilloso. Si bien es el típico papel que da un Oscar, no es que sea el papel, es su actuación. Perfecta. Ni de más, ni de menos. Nada que objetar. Nada más que decir. Sólo eso, que el talento de este hombre es demasiado grande.

25 may. 2012

Sin Wifi

Hoy día no sabemos vivir sin internet. Esto es así, por más que aseguremos que podemos pasar días sin conectarnos. Sobre todo cuando tenemos demasiado tiempo libre. Por eso hoy, Día del Orgullo Friki, os dejo un cortometraje que nace de nuestra adicción al mundo virtual. Feliz día para todos, porque en el fondo creo que todos somos un poquito frikis.

 

Sin Wifi

23 may. 2012

Historia del Cine: Las consecuencias de la innovación sonora

Hace una semana os conté cuáles fueron las primeras películas sonoras de la Historia del Cine. Hoy toca repasar algunas de las consecuencias de la incorporación de esta tecnología en el Séptimo Arte. ¿A qué clase de problemas creéis que se enfrentaron los cineastas, y cuáles creéis que fueron las soluciones que aplicaron? Intentaré cubrir algunas de ellas.

 

Nuevos equipos y nuevas normas

El primer problema al que se enfrentaron los cineastas de las películas sonoras fue, de hecho, sonoro: las cámaras hacían demasiado ruido, por lo que dificultaban la grabación en directo del sonido. ¿La solución? Lo primero que se les ocurrió fue crear una especie de cabina que aislaba los equipos de los actores. Segundo problema: la cabina limitaba la movilidad de la cámara. La solución fue rodar con varias cámaras a la vez. Tercer problema: la movilidad de los actores estaba limitada por el alcance de los micrófonos, por lo que sus movimientos resultaban poco naturales. La solución llego con los booms, esos micrófonos peludos que a veces vemos colarse en los planos.

Uno de los grandes cambios más importantes fue el de la velocidad de fotogramas por segundo que se utilizaba. Antes del sonido, la norma en el cine era de 16 fps (fotogramas por segundo), aunque en la práctica no se aplicaba siempre. La variación de la velocidad en el rodaje o la proyección hacía imposible que se escuchase la película, por lo que se acordó el estándar de 24 fps que se aplica hoy. También fue necesario abandonar las ruidosas luces que se usaban en los estudios, y pasarse a la iluminación incandescente. Otras innovaciones incluyeron los micrófonos direccionales, la reducción del ruido del ambiente y el aumento del volumen de sonido.

Escena de Singin’ in the Rain

 

Bienvenidos al paro

Otro problema, y quizás el más famoso, fue el de la voz de los actores. Básicamente, la voz de los actores pasó a adquirir protagonismo y a ser algo importantísimo. Muchos actores eran buenísimos en sus expresiones faciales, pero sus voces no eran atractivas. Por eso, muchas veces se pedía que cantasen en los castings, y algunas veces se doblaban algunos papeles con mejores voces (looping).

Varios actores vieron sus carreras hundirse con la llegada del sonido: Norma Talmadge, Emil Jannings, John Gilbert, Harold Lloyd, Lillian Gish, Colleen Moore, Gloria Swanson, Douglas Fairbanks, Mary Pickford… son algunos de los nombres de grandes estrellas que se apagaron con la llegada del sonido. Según cuenta la leyenda, la decadencia de Clara Bow se debió a su voz, aunque en realidad fueron problemas con los directivos de los estudio. Buster Keaton perdió poder creativo con la llegada del sonido, y sus películas no fueron las mismas.

Por el contrario, las carreras de actores que habían empezado en el vodevil y los musicales despegaron: Al Jolson, Eddie Cantor, Jeanette MacDonald, los hermanos Marx, James Cagney y Joan Blondell son ejemplos de ello. Otros actores tuvieron la suerte de estar preparados para ambas eras, y sus carreras no sufrieron tropiezos con la llegada del sonido: Richard Barthelmess, Clive Brook, Bebe Daniels, Norma Shearer, Stan Laurel, Oliver Hardy, Charles Chaplin, Janet Gaynor, Joan Crawford y Greta Garbo, entre otros.

Otra consecuencia negativa fue que las orquestas que tocaban en los auditorios para acompañar las películas se quedaron sin trabajo. El aumento de los despidos de músicos fue tal, que llegó a realizarse una huelga como reclamo.

Hablemos de negocios

El sonido en el cine fue muy importante durante un momento muy oscuro de la historia: la crisis económica que comenzó en 1929. Mientras el mundo entero caía en una depresión económica Hollywood parecía mantenerse al margen de la crisis, aumentando sus ingresos de forma astronómica. Al menos hasta 1930, cuando sí comenzó a notarse la crisis; pero no afectó demasiado a los estudios.

Fue por esta época en que empezó a surgir el problema del idioma: los estudios se plantearon que podía afectar la exportación de su cine. No fue así, gracias a que en un principio se produjeron películas para ciertos idiomas, y luego se aplicó el sistema de doblaje y subtitulado.

Bollywood 

Hollywood continuó dominando el mercado, pero también nació otro grande: Bollywood. La música dotó al cine indio de vida, destacándose por ser mayoritariamente musical. Y mientras los estudios hollywoodienses y europeos se disputaban el mercado internacional, Bollywood se apoderó del propio.

Estética

El cambio del cine mudo al cine sonoro requirió un cambio de estética, un ajuste de la forma en que se narraba y cómo actuaban los actores. Algunos ejemplos simples: el maquillaje se suavizó, los movimientos y gestos de los actores también. Otro gran problema fue la aceptación del público: se comparaba demasiado con las mejores películas mudas, se esperaban cosas que no se encontraban… fue difícil dar con la nueva estética. La película hablada más antigua que cualquier crítico clasificará de obra maestra es M, de Fritz Lang (1931).

La aparición del sonido permitió a los directores explorar nuevas formas de contar historias, sincronizando efectos, relatando o grabando monólogos, fundiendo sonidos… cosas que hoy pasan desapercibidas para muchos de nosotros, pero que en su momento fueron grandes descubrimientos y abrieron un mundo de posibilidades. Imaginad lo que habrán sentido los pioneros grabando, creando esos efectos, jugando, e inventando algo que hoy es prácticamente esencial en el cine. Si a nosotros nos emociona cuando lo hacemos…

 

Y aquí nos quedamos. Si os ha gustado u os interesa saber más sobre algún capítulo de la Historia del Cine, estaré encantada de contároslo.

21 may. 2012

Dark Shadows

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Era la primera vez que iba a ver una película de Tim Burton con miedo. ¿Por qué? Porque ya había visto cómo Disney se había encargado de cargarse la Alice in Wonderland que esperábamos. Y porque los trailers suelen contarnos lo bueno de las películas y dejarnos sin sorpresas. Pero no, a pesar de que no había leído una sola cosa buena sobre Dark Shadows, me llevé la grata sorpresa de salir del cine con una sonrisa más grande que la del gato de Cheshire. Tim lo hizo de nuevo: logró que salga del cine queriendo ver de nuevo su película. Logró que me riese con ganas, que me enamorase de nuevo de su cine. Ese cine que todos dicen que ha perdido, y que sin embargo yo he visto más vivo que nunca.

Primer argumento en contra: los personajes son siempre los mismos. ¿Hola? ¿Qué personajes esperáis ver en el cine de Burton? Segundo argumento en contra: no es lo suficientemente burtoniana. ¿Qué es burtoniano? ¿Lo gótico? ¿Habéis visto más de dos películas de Burton? ¿Cuántas son realmente góticas? Creo que la gente tiene una idea muy equivocada de quién es Tim Burton y qué hace. Burton es el que está en Dark Shadows, el que mezcla situaciones bizarras con personajes alocados, el que dota de oscuridad a los personajes más coloridos y de luz a los más oscuros. Ese es Burton.

Dicho esto, a mi me gustó muchísimo Dark Shadows. Me encantaron Eva Green y Chloe Moretz. Johnny Depp y Helena Bonham Carter estuvieron como siempre, y no puedo opinar negativo de ellos ni aunque lo intente. Me encantaron muchos de los gags, el humor que se usó, ver a Alice Cooper. Me encantó el guiño del final, las escenas con violencia y la fotografía. Quizás lo que menos me resultó atractivo fueron los efectos especiales, que se me hacen un poco caricaturescos siempre. Me encantó el absurdo, el ridículo y lo bizarro. Me reí muchísimo.

Trailer VOS

Me recordó la primera vez que vi Mars Attacks! y como posteriormente escuché a mucha gente decir que era mala. Y luego recordé también que siempre se dice que el cine de Burton es malo, pero sin embargo todo el mundo lo consume. Está claro que a Burton se lo ama y se lo odia. Yo le adoro, y aunque intente ser crítica, Dark Shadows me hizo pasar genial y me gustó mucho. Lo siento si a los demás os deja fríos, a mí me hizo disfrutar como enana.

18 may. 2012

Mi nombre es Bond

No soy fan de James Bond. Me resulta una de las sagas más machistas, aburridas y llenas de tópicos. Sin embargo, respeto que tiene muchos fans, y me gusta probar a la gente pidiéndoles que me nombren a todos los actores que interpretaron al Agente 007. Así que cuando alguien me pidió que hiciese algo especial para homenajear el aniversario de la saga, me quemé la cabeza toda la noche para pensar en algo diferente. Y aquí lo tengo: una pequeña “parodia” imaginando a Jerry Lewis interpretando el personaje de James Bond.

 

Por último, os dejo algunas curiosidades:

  • El actor de la escena inicial de la saga era un especialista: Bob Simmons. Sean Connery sí es el actor que sale a partir de Thunderball (1965).
  • La escena del casino al principio de Dr. No se rodó en el club "Les Ambassadeurs" de Londres.
  • Sean Connery sufre aracnofobia, por lo que que la escena de la araña de Dr. No se hizo en un principio con un cristal entre el actor y el animal. Pero como se notaba demasiado, se le tuvo que sustituir por un especialista
  • La United Artists japones interpretó el título de Dr. No como “¿Dr.? ¡No!”, y diseñaron posters con el título “No queremos un doctor”.
  • Todas las voces femeninas de la versión original de Dr. No, a excepción de Lois Maxwell (Moneypenny), fueron dobladas por la misma actriz inglesa desconocida.

16 may. 2012

Historia del Cine: Los actores hablan y el sonido se propaga

En la última entrada sobre Historia del Cine, nos habíamos quedado en el acuerdo de la Fox y la Warner para hacer uso del sonido. Lo que no os conté, es que cuatro años antes otros cinco grandes estudios cerraron otro acuerdo. Paramount, MGM, Universal, First National y Producers Distributing Corporation (PDC, el estudio de Cecil B. DeMille) habían acordado elegir un mismo proveedor para su sonido.

Luego, se sentaron a esperar durante esos cuatro años para ver qué ocurría a los pioneros del sonido. Con el paso de los años, Fox y Warner tomaron caminos diferentes con la nueva tecnología: la primera se dedicó a los informativos y la segunda a los largometrajes hablados. Y los creadores de la tecnología de sonido (AT&T), decidieron hacerse con el resto del mercado.

Las primeras sonoras en tener éxito fueron sobre el vuelo de Charles Lindbergh a Paris: el despegue fue proyectado en el Roxy Theater de New York el 20 de mayo de 1927, y en junio de ese mismo año se proyectaron sus bienvenidas en New York y Washington. Fueron producidas por Fox Movietone. En mayo de ese mismo año, la Fox estrenó su primer cortometraje sonoro: They're Coming to Get Me. Lo siguiente fue Sunrise (septiembre), que como Don Juan, sólo contaba con una banda sonora y efectos de sonido.

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Un mes después, el 6 de octubre de 1927, Warner estrenó The Jazz Singer. Fue un éxito, y recaudó unos 2.600 millones de dólares. Como ya os conté antes, esta película –que utilizó el sistema Vitaphone- tampoco era completamente hablada. La mayoría de la película sólo tiene banda sonora y efectos grabados, pero cuando Al Jolson canta, eso que escuchamos fue sonido grabado en directo. De hecho, se grabaron así sus dos números musicales y dos diálogos. Si prestáis atención a esas escenas, podréis notar que se escuchan los sonidos típicos de un estudio.

El éxito de The Jazz Singer fue lo que acabó de convencer a los jefes de los estudios de que había que invertir en la nueva tecnología. En mayo de 1928, cuatro de los cinco estudios que habían acordado decidirse por una misma compañía proveedora de audio, junto con United Artist entre otras, cerraron un acuerdo con AT&T para la “modernización” de sus estudios y salas de cine.

Al principio se utilizó la tecnología Vitaphone para equipar salas, pero también se podían proyectar películas con el sistema Movietone. Sin embargo, a pesar de contar con la tecnología, los estudios se fueron con cuidado a la hora de invertir en proyectos sonoros. La siguiente película sonora en proyectarse fue The Perfect Crime (17 de junio de 1928), que utilizaba otro sistema: el Photophone, de la General Electric y RCA. El sistema Photophone aportó un modo más refinado de grabar la señal de audio en la película. Poco después, ese sistema se convirtió en el “oficial”, y dio pie al nacimiento de la RKO Pictures.

Os preguntaréis entonces, ¿cuál fue realmente la primera película hablada en su totalidad? La respuesta es  Lights of New York, estrenada el 6 de julio de 1928. La película costó solamente 23.000 dólares, y recaudó aproximadamente 1.250 millones. Más o menos por esa época, comenzaron a producirse animaciones con sonido sincronizado, entre ellas el famoso Steambot Willie de Walt Disney.

Steamboat Willie, una de las primeras animaciones con sonido sincronizado

Cuando los estudios descubrieron que la Warner estaba obteniendo muchísimas ganancias con sus películas habladas, los demás estudios sintieron la presión de producir más utilizando las nuevas tecnologías. Los estudios recurrieron rápidamente al goat glanding: creaban soundtracks, a veces incluyendo diálogos o canciones, para películas que habían sido creadas y hasta estrenadas como mudas.

La primera película hablada completamente de la Paramount -en ese momento el estudio más importante de la industria- fue Interference (noviembre de 1928) y el último estudio en sumarse a la nueva tecnología fue Columbia Pictures. En mayo de 1929, Warner dio un paso más adelante y estrenó la primera película a color hablada: On with the Show! Pero esto no significó el fin del cine mudo: los estudios no estaban completamente convencidos y producían las películas en versiones duales (sonoras y mudas). Pero sí os puedo contar que la última película producida únicamente en versión muda fue estrenada en agosto de 1929, es un western de Universal Pictures, y se llama Points West.

El sonido llega a Europa

La primera película europea en estrenarse que contenía una banda sonora y un número músical fue la alemana Ich küsse Ihre Hand, Madame, con la inolvidable Marlene Dietrich. El sistema que utilizó fue uno germano-holandés, heredero del Tri-Ergon, de la compañía Tobis.

A principios de 1929, Tobis y la compañía alemana Klangfilm se asociaron para comercializar sus productos y competir con AT&T, que comenzaba a equipar las salas de cine europeas. Afirmaban que el sistema americano infringía las patenes de Tri-Ergon y obligaba a adaptarse a la tecnología norteamericana. Ese fue el año en que el cine europeo se sumó a la nueva tecnología. La mayoría de las producciones fueron rodadas en el exterior mientras los estudios estaban siendo adaptados, o bien porque se estaba produciendo para un público que hablaba otro idioma. Por ejemplo, la que es conocida como la primera película hablada del Reino Unido, Black Waters, fue rodada en Hollywood.

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La primera película hablada europea que tuvo éxito fue Blackmail, una producción británica de 1929. Creo que no hace falta decirlo, pero el director era un joven Alfred Hitchcock (tenía 29 años). La película era una goat gland: fue rodada en formato de cine mudo, pero luego se le agregaron secuencias de diálogo y efectos de sonido.

Las primeras películas habladas, por países:

  • Austria: G’schichten aus der Steiermark
  • Alemania: Atlantik
  • Suecia: Konstgjorda Svensson
  • Francia: Les Trois masques
  • Polonia: Moralność pani Dulskiej
  • Italia: La Canzone dell'amore
  • República Checa: Tonka Šibenice
  • Unión Soviética: Putevka v zhizn

La modernización de las salas europeas fue lenta, por lo que también fue necesario producir versiones mudas de las películas, y en algunos casos proyectarlas sin sonido.

Asia y Oceanía

En las décadas del veinte y del treinta, Japón era la segunda mayor productora de cine del mundo. La industria de este país fue de las primeras en producir cine con sonido y hablado; pero el proceso de adaptación al nuevo formato fue mucho más lento que en occidente. La primera película con sonido, Reimai, es de 1926 y utilizó el sistema Phonofilm. Las primeras películas habladas datan de 1929, y sin embargo aún en 1933 el 80% del cine producido en Japón era mudo. El fenómeno puede tener explicación en la costumbre del benshi: proyecciones acompañadas de un narrador.

Resto de Asia y Oceanía:

  • China: (mandarín) Gēnǚ hóng mǔdān (1930)
  • India: (hindi-urdu) Alam Ara (1931)
  • Hong Kong: (cantonés) Sha zai dongfang (1933)
  • Korea: Chunhyangjeon (1935)
  • Australia: The Devil's Playground (1930)

Ahora que conocemos los títulos de las primeras películas habladas de la historia del cine, toca repasar las consecuencias del avance tecnológico para la industria. Pero para eso os haré esperar un poco. Sólo un poco.

14 may. 2012

This Must be the Place

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“There are many ways to die. The worst of them is to continue living.”
(Hay muchas formas de morir. La peor de ellas es continuar viviendo)
Frances McDormand y Sean Penn. Me da igual si es verles dormir, me encantan. Sean Penn como Cheyenne, el músico retirado, me encantó. No es sorpresa, por supuesto que me iba a encantar verle. En el papel que sea. Pero en este papel, maquillado, con ese tono de voz y esa tranquilidad… no me sorprende que lo haya hecho genial, porque es un actorazo y domina el papel que sea. Y Frances McDormand me pareció simpatiquísima en su papel de esposa bombero, con esos momentos de complicidad y esa paciencia que tiene su personaje. Una pena que apenas tenga tiempo en pantalla.
Me enamoré de la secuencia atravesando el campo amarillo. La fotografía es muy buena, pero en esa secuencia es maravillosa. De hecho, el tono dorado que tiene gran parte de la película me gusta mucho. Por lo demás, la película se me hizo un poco lenta, quizás demasiado sensiblona, forzada y predecible. Visualmente bonita, con un Sean Penn excelente como siempre, pero poco más. Una pena, porque prometía mucho.
Trailer en VO

11 may. 2012

Zero

Hoy vuelvo a mi gran amor: el stop-motion. Os dejo un corto muy tierno, hecho con títeres de lana.

Espero que os guste la historia de Zero, a mí me parece muy dulce. Y si os interesa ver el detrás de cámaras y otras cosillas, podéis encontrarlo todo en la web oficial del corto.

Zero

9 may. 2012

Historia del Cine: El sonido en el cine

Todos sabéis que la primera película que incorporó la voz fue The Jazz Singer (1927), ¿verdad? ¿Cuántos de vosotros habéis visto al menos alguna secuencia de la peli? Los que sí, sabréis que no se trata más que de lo que en inglés se denomina part-talkie, es decir una película muda que incorpora una o más secuencias con diálogo sonoro o alguien cantando. The Jazz Singer sólo tiene quince minutos de diálogos y alguna canción. El resto es diálogo en intertítulos (como en las películas mudas) y, por supuesto, cuenta con la banda sonora de una orquesta -grabada- como acompañamiento.

Escena final de The Jazz Singer

Este tipo de cine “híbrido” fue la base del proceso de transición del cine mudo al hablado -que no sonoro, porque sonoro fue desde que se incorporó la música-. No fue hasta 1929 que el cine fue cien por ciento hablado. Los estudios tardaron lo suyo en adaptarse al cambio e incorporar los nuevos equipos. Los productores notaron que las recaudaciones de los híbridos eran mayores, por lo que improvisaron cuatro soluciones diferentes:

  • Remakes de producciones recientes
  • Lo que se conoció como goat gland: películas terminadas a las que se les agregaba una o dos secuencias habladas
  • Producción de versiones habladas y mudas
  • Part-talkies

Todas eran anunciadas a partir de la premisa “¡Escucharéis a los actores hablar!”, aún cuando quizás sólo había una secuencia en toda la película en la que se escuchase la voz de los actores.

Los que habéis visto Singin’ in the Rain o The Artist sabéis el daño que hizo el paso del cine mudo al hablado en las carreras de algunos actores. Pero no sólo eso, la presión por añadir diálogos a las películas también arruinó varias películas. Algunos ejemplos de películas arruinadas por el sonido son: Lonesome –diálogos banales que cambiaron la opinión del público sobre los personajes-, Show Boat –se le añadió un prólogo y un par de números musicales; pero fue un fracaso-, y la sonorización de la versión muda de The Phantom of the Opera –no mejoró a la original, a pesar de una inversión de un millón de dólares-.

En 1929 la mayoría del cine producido en los Estados Unidos era hablado, con algunas excepciones. Una de las películas part-talkie más famosa es posterior a la llegada del cine hablado: Modern Times, de Charles Chaplin (1936). El resto del mundo no acogió con tanto entusiasmo las innovaciones tecnológicas: consideraban que enfocarse en el diálogo restaría valor a las virtudes estéticas del cine mudo.Sin embargo, industrias como la de Bollywood (India) debe su éxito al sonido.

Pero antes de que el cine tuviese voz, ya contaba con sonido. No sólo gracias a las orquestas que amenizaban las proyecciones, sino que se intentó grabar sonido mucho antes de darle voz a los actores.

El sonido es más antiguo de lo que creemos

La fusión del cine y el sonido nació mucho antes de los años veinte. Según cuenta la historia, nace aproximadamente a fines de febrero de 1888. Edward Muybridge -pionero de la fotografía- se reunió con Thomas Edison y, según dijo el primero, le expuso al segundo un plan para crear cine sonoro combinando su Zoopraxiscopio con el aparato de grabación de voz de Edison.

Supuestamente nada surgió de ese encuentro, pero años más tarde Edison inventaría el Kinetoscopio, que acompañaría a su fonógrafo y llevaría el nombre de Kinetófono. En 1899, François Dussaud exhibió en París el Cinemafonógrafo o Fonorama, un aparato similar a Kinetófono. Y en el 1900 se presentaron en la Exposición Universal de París cortometrajes de teatro, ópera y ballet en un aparato que recibía el nombre de Phono-Cinéma-Théâtre, junto al Fonorama y otro sistema llamado Théâtroscope.

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Los problemas que presentaban este tipo de aparatos eran:

  • La sincronización de imagen y sonido: se registraban y se emitían por separado, y era muy difícil activarlos exactamente al mismo tiempo
  • El volumen del playback: los aparatos de sonido aún no estaban habilitados tecnológicamente para funcionar a un volumen adecuado en grandes espacios
  • La fidelidad: los primeros sistemas producían un sonido de muy baja calidad cuando los actores no estaban posicionados directamente frente al aparato de grabación, por lo que la grabación en directo era limitada.

En 1907, Eugene Lauste obtuvo en Londres la patente para la tecnología del sonido en el cine, con un sistema que transformaba el sonido en ondas de luz que se grababan en el celuloide fotográficamente. Lauste había trabajado en el laboratorio de Edison entre 1886 y 1892. Jamás explotó este sistema. En 1914, Eric Tigerstedt obtuvo una patente alemana para trabajar el sonido en el cine, y llegó a demostrar su invención a una audiencia en Berlín. Denes Mihaly presentó su proyecto a la Corte de Patentes Real de Hungría en 1918. Ninguna de estas invenciones era adecuada para fines comerciales, por lo que los grandes estudios de Hollywood no se interesaron en esta tecnología.

No fue hasta los años veinte que se inventaron sistemas viables a nivel comercial. Las innovaciones más importantes incorporaban la reproducción del sonido sincronizado (playback). El primero data de 1919,y fue creado por Lee De Forest. Su sistema grababa la pista de sonido fotográficamente a un lado de la cinta cinematográfica (lo que se llama una impresión “casada”). La primera proyección comercial utilizando este sistema es del 15 de abril de 1923. Fue en el Rivoli Theater de New York.

También en 1919, se patentó en Alemania el sistema Tri-Ergon. La primera proyección con este sistema es del 17 de septiembre de 1922, en el Alhambra Kino de Berlín. Este sistema fue el dominante en Europa hasta finales de la década. En 1923, esta vez en Dinamarca, Axel Petersen y Arnold Poulsen patentaron un sistema en el que el sonido se grababa en una cinta paralela a la de la imagen. Este sistema obtuvo la licencia bajo el nombre de Cinéfono, que pertenecía a Gaumont. Fue brevemente comercializado.

En septiembre de 1925, se fundó la Fox-Case Corporation a partir del sistema desarrollado por un ex-socio de De Forest, el Movietone. Este fue el primer sistema de sonido en el cine viable controlado por un estudio hollywoodiense. El siguiente año, la Fox compró los derechos americanos del sistema Tri- Ergon, aunque lo encontraron inferior al Movietone e imposible de integrar al sistema anterior.

Otro sistema que se mejoró durante esta época fue el que grababa el sonido en discos de fonógrafo. El fonógrafo se conectaba a un proyector modificado, lo que permitía la sinronización. En 1921, se utilizó un Fotokinema desarrollado por Orlando Kellum para incorporar secuencias de sonido a Dream Street, de D.W. Griffith.Según cuentan, se grabaron diálogos; pero el resultado no convenció y nunca se utilizaron. Lo que sí se utilizó fue una canción, la cual pudo escucharse en el reestreno de la película el 1º de mayo de 1921.

En 1925, la Warner Bros comenzó a experimentar con el mismo sistema en los estudios Vitagraph de New York. La nueva tecnología recibió el nombre de Vitaphone, y fue presentada al público el 6 de agosto de 1926 en la premiere de Don Juan. La película tenía banda sonora y efectos de sonido, pero no tenía diálogos.

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El sistema que acabó ganando la partida fue el primero (sonido en la cinta), debido a que no había problemas de sincronización, editar se hacía más simple, la comercialización de cinta y disco era más cara, y el hecho de que los discos debían ser reemplazados después de ser proyectada la película unas veinte veces. Sin embargo, al principio fue el sistema con sonido en discos el que ganaba la partida. Esto se debía a que costaba menos grabar y proyectar este tipo de sonido (los proyectores nuevos costaban más), y que la calidad del audio era mejor en disco que en cinta. Una vez que estos problemas fueron superados por el sonido en la cinta, este sistema fue el ganador.

La fidelidad en la grabación y amplificación del sonido comenzó a investigarse en 1922. La responsable: AT&T. Comenzaron investigando los dos sistemas de los que os hablé más arriba (sonido en cinta y en disco). Warner fue quien compró la primera invención de la compañía. En abril de 1926, ambas compañías firman un contrato para el uso exclusivo de esta tecnología, el Vitaphone, y que fue utilizada en Don Juan. Mientras tanto, los Bell Labs (el área de investigación de la AT&T) intentaban encontrar el modo de que el sonido pudiese transmitirse a toda la sala de cine a un volumen adecuado. El No. 555 Receiver, se instaló en el Warners Theatre de New York justo a tiempo para el estreno de Don Juan.

A fines de 1931, se le permitió a la Fox hacer uso del sistema a cambio de parte de las ganancias. Una vez dos estudios de Hollywood tuvieron el sonido en sus manos, era hora de comercializarlo. Y darle voz a aquellos actores que gesticulaban en pantalla. (Continuará)

7 may. 2012

American Reunion

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American Pie es una de mis películas favoritas. Me encanta desde que se estrenó, hace ya 13 años. Me siento vieja al decirlo, pero no puedo negarlo. Los protagonistas tenían casi mi edad cuando se estrenó, y el reencuentro con los personajes era como un reencuentro con viejos amigos. Y fue casi como eso. Aunque American Reunion fue una versión bastante menos fresca de lo que esperaba.

Jim (Jason Biggs) siguió dando momentazos. Oz (Chris Klein) y Heather (Mena Suvari) siguieron siendo mis favoritos y su historia me sigue pareciendo de lo más tierna. El padre de Jim (Eugene Levy) y la madre de Stifler (Jennifer Coolidge) geniales. Stifler (Sean William Scott) siguió dando esa mezcla de asco y gracia que en las anteriores. Finch (Eddie Kaye Thomas) siguió pareciéndome, junto a Kevin (Thomas Ian Nicholas), el personaje más aburrido. Las escenas de Jim y su padre fueron las mejores, como siempre. En ese sentido no ha cambiado nada.

Por lo demás, la verdad es que esperaba algo más. No sé si al nivel de la primera, pero quizás un poco más divertida que la tercera (que es donde había dejado de ver la saga). Esperaba reírme más, para empezar. Me reí bastante al principio, pero ya luego se fue demasiado por el camino de la tercera, y me dejó un poco fría. El final mejora bastante, pero no sé, creo que esperaba más de esta película. Quizás porque la esperaba desde que surgieron rumores del proyecto, y tenía demasiadas expectativas. O quizás simplemente porque nunca habrá como la primera. Eso sí, me encantó volver a ver a los chicos que tantas veces me hicieron reír.

Trailer en VOS.

4 may. 2012

Le Ballon Rouge

Le Ballon Rouge es el cortometraje elegido para acabar la semana. Creo que no hay mejor forma de aportar mi primer post a la Maratón Cine Bloggers, que un cortometraje que nos haga sonreír y recordar los momentos mágicos de la infancia.

Muchos de vosotros ya conoceréis este clásico: la historia del niño y ese globo rojo que nos ha conquistado a todos. Lo que no sé si sabéis es que el protagonista es Pascal Lamorisse, el hijo del director. Además, la niña del globo azul es Sabine Lamorisse, su hermana.

Le Ballon Rouge

Le Ballon Rouge ganó varios premios:

  • Palma de Oro -Cannes- al mejor cortometraje (1956)
  • Oscar al mejor guión original (1957)
  • Premio Louis Delluc (1956)
  • un premio especial BAFTA (1957)
  • National Board of Review al mejor film extranjero (1957)
  • Decade Educational Film Award a la mejor mejor película

Además volvió a ser presentado, junto a otro cortometraje de Albert Lamorisse -Crin Blanc-, en la 60ª Edición del Festival de Cannes (2007) durante la Quincena de los Realizadores. Le Ballon Rouge es, además, un cortometraje que  ha sido imitado/homenajeado varias veces. Quizás el homenaje más famoso sea Le voyage du ballon rouge (Hou Hsiao-Hsien, 2007).

 

Para terminar os dejo algo que no sé si es realmente un homenaje, pero que de alguna forma siempre me recuerda a Le Ballon Rouge: el cover de Across the Universe (The Beatles) de Rufus Wainwright, con una pequeña Dakota Fanning. Este video en realidad fue realizado para promocionar I am Sam; pero siempre lo he relacionado más con el cortometraje de Lamorisse que con la película protagonizada por Dakota y Sean Penn.

2 may. 2012

Sucker Punch

Uno de mis placeres "culpables" es ver películas con mujeres “superheroínas”. Cosas como Charlie’s Angels. Sin embargo, y a pesar de que la estética de la película me gustaba, me costó muchísimo decidirme a ver Sucker Punch. Y cuando al fin me decidí, al menos por la estética creo que valió la pena.
Sucker Punch
Para empezar, porque la fotografía me encantó, los tonos elegidos contrastan a la perfección con el rubio y la piel ultrablanca de Emily Browning. Y quizás también porque en cierto modo me recordó a la fotografía y la estética del cine de Jean-Pierre Jeunet. Luego está el vestuario, el maquillaje, el diseño de arte… Sucker Punch es de esas películas que veo más por cómo se ven que por la historia que me cuentan.
Sucker Punch no podía tener más tópicos, como la gran mayoría de películas del género. Exagerada, caricaturesca, con algún defecto demasiado obvio en el montaje… pero con una estética y una banda sonora –versiones de Björk, Manson, Queen, The Beatles, entre otros- que me mantuvieron entretenida. Y bueno, que ver a las chicas repartir golpes me encanta. Y, aunque la película no es un peliculón, las frases del final me gustaron mucho (ALERTA! SPOILER!):
Who honors those we love for the very life we live? Who sends monsters to kill us, and at the same time sings that we will never die? Who teaches us whats real? And how to laugh at lies? Who decides why we live and what we'll die to defend? Who chains us? And who holds the key that can set us free?... It's You! You have all the weapons you need. Now Fight! (¿Quién honra a quien ama con la vida que vive? ¿Quién envía monstruos para que nos maten? Y al mismo tiempo canta que nunca moriremos. ¿Quién nos enseña qué es real? ¿Y cómo reír frente a las mentiras? ¿Quién decide por qué vivimos y qué moriremos defendiendo? ¿Quién nos encadena? Y ¿quién tiene la llave que puede liberarnos?… ¡Tú! Tú tienes todas las armas que necesitas. Ahora ¡pelea!)
Trailer VOS