31 ene. 2012

Moneyball: más de lo mismo

Cada cierto tiempo surgen películas sobre deportes. Hay clásicos del género -Any Given Sunday, A League of Their Own, etc.- y alguna más que me ha gustado mucho –The Damned United-, pero debo reconocer que no me entusiasma para nada el género. Sin embargo, estando Brad Pitt nominado a los Oscars, tenía que ver Moneyball de modo urgente.

 

Moneyball-poster

 

Para empezar, no entiendo el baseball. Sé lo mínimo y me aburre muchísimo. Pero sí que me entretiene el mercado de fichajes, así que algo de lo que se hablaba no me sonaba a chino. Y, vamos, que se trataba de básicamente la misma historia de siempre: el equipo pequeño tratando de superarse, y esa persona que dio todo por conseguirlo. Nada que no hayamos visto, aunque se trate de otra historia real. Siempre se suele recurrir al mismo tipo de historias y personajes para este tipo de películas, por lo que me esperaba más o menos algo que ya había visto. Y a Philip Seymour Hoffman, al que siempre espero ver porque me conquista en cada escena.

No me sorprendió descubrir que, como gran mayoría de las películas sobre deporte, lo menos que se muestra es el deporte en sí. Mucho diálogo y mucha seriedad marcaron el tono de la película. Me pareció muy interesante incorporar al montaje el tema económico, porque ilustra de forma efectiva lo que pasa por la cabeza del personaje y los datos que influyen en la historia.

Trailer subtitulado

Debo confesar que se me hizo larguísima y bastante pesada. Philip Seymour Hoffman me encantó, como siempre. Creo que en las escenas en las que salió él fue cuando presté más atención. Lamentablemente, el resto de la película no terminó de engancharme. Quizás por el deporte, quizás por el tema, quizás porque al personaje principal le faltaba algo. No digo que el trabajo de Brad Pitt sea malo, porque no lo es (aunque tampoco lo veo de Oscar). Simplemente, algo en la película no terminó de convencerme. Eso sí, el montaje me gustó mucho. Y tiene momentos muy buenos. Momentos que, lamentablemente, están vistos muchísimas veces en el cine. Quizás por eso no me resultó demasiado buena.

29 ene. 2012

Restless

Restless

 

Esos acordes al principio ya me emocionaron y me predispusieron a disfrutar de la película. No hay mejor forma de empezar una historia que introducirla con los genios de Liverpool (The Beatles).

Restless es una película en la que Gus Van Sant nos habla de la muerte. La muerte nos da miedo, nos intriga, nos fascina. Todos reaccionamos a ella de modo diferente. Los personajes de Restless parecen no temerle. Los conocemos en un funeral: Enoch (Henry Cooper) asiste a ellos por afición, Annabelle (Mia Wasikowska) está allí despidiendo a su amigo. Y luego está el espíritu de un soldado japonés (Ryo Kase), una especie de acompañante de Enoch en sus aventuras.

 

Trailer subtitulado

 

Me gustó mucho la escena en la que Enoch “presenta” a Annabelle a sus padres, es muy dulce y una forma simple de conocer más sobre los personajes. Me gustaron muchas escenas, los diálogos son muy buenos. Me gustó mucho la interpretación de Henry Hopper y Mia Wasikowska, ambos resultan naturales en sus roles. Me gustó muchísimo la paleta de colores de la película, con sus tonos dorados y ocres, con es fotografía cálida. Y los exteriores, muy bonitos. Y el detalle del caleidoscopio. Y ciertos silencios. No me sorprende que me gustasen tantas cosas, el cine de Gus Van Sant suele gustarme muchísimo.

27 ene. 2012

Shame

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Shame es incómoda. Quizás avergüence al espectador (las risitas en la sala donde asistí al preestreno -gracias a la invitación de Cines Renoir- me hacen sospechar que sí). Y creo que debería. Personalmente sentí vergüenza. No por los desnudos, ni por las escenas de sexo, sino por la historia que nos cuenta. La frase que dije a mi acompañante apenas se encendieron las luces fue: “Esta película me partió el corazón”. Y confieso que no esperaba que eso sucediese.

 

 

No os puedo contar mucho, porque hablar de la trama implicaría hablar de cosas que se deben descubrir durante la película. Pero sí os diré que aunque parece que no ocurre nada, todo el tiempo estamos obteniendo pistas, o al menos a mí se me hizo así (pasé toda la película elaborando conjeturas). Diré que me gustó más Carey Mulligan que Michael Fassbender, pero que me ha gustado el trabajo de los dos. Que la banda sonora es buenísima. Y que tiene momentos muy buenos. Y buenos diálogos. En suma, es una película que no sé si recomendaría a cualquiera; pero que vale la pena ver. La verdad es que me sorprende no verla entre las nominadas a los Oscars.

25 ene. 2012

Festival Internacional de Cine de Rotterdam (IFFR)

El International Film Festival Rotterdam (IFFR) es un festival anual de cine. Se celebra a fines de enero en Rotterdam, Países Bajos. El IFFR se caracteriza por presentar una programación diversa y buscar el relacionamiento de los cineastas con la audiencia (no hay alfombras rojas, cineastas y público se mezclan en el mismo ambiente).

IFFR-logo

Historia

La primera edición del festival se celebró en junio de 1972, con el nombre de Film International. Desde el comienzo se perfiló como un festival promotor de lo alternativo, innovador e independiente, especialmente producciones de países en desarrollo.

En 1983 se creó CineMart, que sirve de conexión para productores y les ayuda a encontrar fondos para sus producciones. También se creó, en 1988, el fondo Hubert Bals para apoyar a cineastas de países en desarrollo.

En 1995 se introdujo la competencia en el festival: los premios VPRO Tiger Awards.

Sedes del IFFR

  • Pathé, en Schouwburgplein: Se trata de uno de los cines más grandes del país, y el que tiene la pantalla más grande.
  • De Doelen: Es la taquilla central durante el festival.
  • Cinerama: Es un antiguo cine, con siete salas y más de mil butacas. Cuenta con una sala de espera con mesas de lectura y bebidas.
  • WORM: Sede principal de las actividades Starting from Scratch: proyecciones, performances, talleres, fiestas, etc.
  • Old Luxor Theatre: Se trata de un cine de 1917, uno de los más importantes de Rotterdam. Ha sido renovado, pero manteniendo su atmósfera.
  • Rotterdamse Schouwburg: Es uno de los centros artísticos más importantes de Rotterdam.

23 ene. 2012

Las aventuras de Antoine Doinel

Hacía ya demasiado tiempo que no veía cine francés. Al menos demasiado para lo que acostumbro. Tenía ganas de Truffaut, y de Jean-Pierre Léaud. Así que me decidí por continuar la historia de Antoine Doinel ,el mismo personaje de Les Quatre Cents Coups.

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Primero hice un rápido paseo por el segmento Antoine et Colette de L’amour à vingt ans, donde Antoine tiene 17 años y vive como un adulto independiente. Trabaja y asiste a conciertos de música clásica. En uno de ellos se fija en una chica, y decide conquistarla. Son 30 minutos que valen la pena ver, porque nos introducen a lo que veremos en las siguientes películas de la saga.

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Baisers Volés nos sorprende aún más al encontrarnos a un Antoine ¡soldado! Y luego le vemos en situaciones bastante extrañas e impredecibles. Como en la vida misma, la historia de Antoine cambia de un año a otro y da giros bastante inesperados. Eso sí, Antoine sigue manteniendo su esencia.

Baisers Volés es un capítulo simpático de la vida de Antoine, que nos ayuda a entender hacia dónde va y quién le acompañará. Tiene un tono de comedia, bastante más ligero que Les Quatre Cents Coups. De todas formas, me sigo quedando con el primer capítulo de la historia, ya que veo a Antoine et Colette y Baisers Volés como dos películas de “relleno”. Por supuesto que otros pensarán diferente, y verán en Baiser Volés una comedia muy bien lograda. No digo que no lo sea, simplemente no genera en mí lo mismo que Les Quatre Cents Coups. Eso sí, Jean-Pierre Léaud me parece un talento natural, que interpreta a Antoine a la perfección.

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En Domicile Conjugal nos encontramos con el matrimonio Doinel: Antoine y Christine están compartiendo sus vidas. Antoine se dedica a vender flores, Christine da clases de violín. Viven en medio de un caos, no sólo dentro de casa: los vecinos también parecen llevar el mismo estilo de vida que ellos. Por supuesto que a ellos no les afecta en nada, se les ve muy enamorados. Pero también existen obstáculo en la vida matrimonial de la pareja: la aparición de una mujer los pone a prueba.

Mi personaje favorito de esta Domicile Conjugal, además de Antoine, es la vecina que le acosa. Me causa mucha gracia la situación y las reacciones de Antoine. Otra cosa que me gusta muchísimo es el epílogo, siempre me hace sonreír.

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L’amour en fuite es el último capítulo de la historia de Antoine. Lo encontramos en medio de un romance con otra mujer y a punto de firmar el divorcio con Christine. Entonces aparece en su vida alguien que ya conocemos: Colette. La de L’amour à vingt ans. Y sorprendentemente, es Colette la que ahora está interesada en Antoine.

A través de la novela que Antoine escribió, y en algunas escenas en las que los personajes recuerdan el pasado; Truffaut utiliza flashbacks de todas las películas con Antoine como protagonista (también los hay que no han salido en ninguna de las películas). El recurso funciona muy bien, y personalmente lo disfruto porque invita a repasar las escenas y fijarnos en otros detalles. Y como los propios personajes, de alguna forma recordamos la vida de Antoine y sonreímos con los momentos que compartimos con él.

En este último capítulo de su historia, Antoine también se encuentra con el amante de su madre. Las mujeres de su vida también nos cuentan su parte de la historia. Y al final, Antoine parece resolver todos esos capítulos que cargaba a sus espaldas, y avanza. Pero cómo y con quién avanza, eso no os lo cuento.

Espero que este recorrido por la vida de un personaje como Antoine (que ocupó gran parte de la vida de Jean-Pierre Léaud), el trabajo de años de un directorazo como Truffaut, os inspire a ver todas las películas de la saga. Realmente valen la pena.

19 ene. 2012

Festival de Sundance

El festival de Sundance es el festival anual de cine independiente más importante de la industria. Durante diez días en el mes de enero, el estado de Utah, en los Estados Unidos, se convierte en zona festivalera, cediendo ciudades como Park City, Salt Lake City y Ogden a las personalidades de la industria. Las categorías de competencia de Sundance son: cine dramático y cine documental (largometrajes y cortometrajes). Fuera de competencia, las secciones reciben nombres como “NEXT!”, “New Frontier”, “Spotlight” y “Park City At Midnight”.

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Historia

El Festival de Sundance se inauguró bajo el nombre de “Utah/Us Film Festival” en agosto de 1978. Fue fundado por Sterling Van Wagenen, John Earle y Cirina Hampton Catania. En ese festival se proyectaron, entre otras: A Streetcar Named Desire, Midnight Cowboy y Mean Streets. En un principio, la idea era proyectar sólo películas norteamericanas, dar al cine independiente la oportunidad de competir en un festival, presentar retrospectivas y paneles de discusión, y entregar el premio Frank Capra (el primero se entregó a Jimmy Stewart). Lo que pretendían era dar un espacio a los cineastas que trabajaban fuera de la industria de Hollywood.

El éxito del festival se adjudica a dos factores: Robert Redford (residente en Utah y gran implicado en el festival) y el aporte de los grandes estudios de Hollywood. En 1981 el festival se celebró entre septiembre y enero, y se trasladó a Park City. El traslado se adjudica al consejo de Sydney Pollack, quien supuestamente sugirió celebrarlo en invierno y aprovechar la atracción de las estaciones de esquí. Entre 1984 y 1985, se cambió el nombre a Sundance Film Festival, aunque el cambio no fue oficial hasta 1991.

Con el paso del tiempo, el Festival de Sundance, un festival de bajo perfil para películas independientes de bajo presupuesto, evolucionó hasta convertirse en uno de los festivales más mediáticos y reconocidos de la industria. Lo interesante de la situación es que el festival siempre ha intentado mantener su perfil original, con campañas como la “Focus On Film” de 2007. En 2010 se introdujeron cambios como la categoría “NEXT!” (películas de presupuestos muy bajos), y el programa Sundance Film Festival U.S.A, en el que se proyectan ocho películas del festival en ocho cines de los Estados Unidos.

17 ene. 2012

D'amour et d'eau fraîche

D’amour et d’eau fraîche es una película que habla de un tema actual. La protagonista,una joven con estudios universitarios, intenta sobrevivir en París mientras busca un trabajo estable para sobrevivir. Esto es justamente lo que me atrajo de la película, y lo que me invitó a elegirla para ver y votar primera en My French Film Festival (del que ya os he hablado el año pasado).

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Lo interesante de la historia es que luego toma un giro diferente: conoce a un chico en una de las entrevistas, hacen buenas migas, y él le invita a pasar el verano en el sur. El problema: el chico está metido en cosas turbias. El resto hay que verlo, claro.

Los trabajos de Anaïs Demoustier y Pio Marmaï me gustaron mucho. Los dos transmiten buena química y me resultaron bastante naturales en sus papeles.

 

Trailer en VO sin subtítulos

D’amour et d’eau fraîche es una película de 2010, así que aún si no la veis a través de la web del festival, podréis encontrarla en otros sitios. Os la recomiendo.

13 ene. 2012

Curiosidades de Léon

Hoy quiero hablaros de Léon, una de mis películas favoritas de la infancia. Sí, de la infancia. Vi Léon siendo una niña, y me enamoré perdidamente del cine de Luc Besson, de Jean Reno y de Gary Oldman. He perdido la cuenta de la cantidad de veces que la he visto desde entonces. Eso sí, cada vez que la veo me siento como la primera, y me enamoro de ella otra vez.

Espero que si ya la habéis visto, que imagino que sí, os invite a volverla a ver. Y creo que no hace falta aclarar que en esta entrada hay spoilers de la película, ¿verdad?

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Cuenta la leyenda que Léon fue creada como una película de relleno. El rodaje de The Fifth Element se había retrasado, y en lugar de cancelar todo, Luc Besson se dedicó a Léon. En sólo un mes escribió el guión, y en tres rodó la película.

La idea de la que nace Léon surgió mientras Besson trabajaba en La Femme Nikita. En el tercer acto de Nikita, Victor (el personaje de Jean Reno) se presenta para limpiar las secuelas de la misión de Nikita. Besson sintió que ese personaje tenía mucho potencial, así que decidió crear una historia que se enfocase en él. Ambos personajes (Léon y Victor) visten similar, y el título original del guión era “The Cleaner” (el apodo de Victor).

En ese primer guión, el nombre completo de Léon era Leone Montana. Además, el final era más “fuerte”: luego de que Stansfield (Gary Oldman) mataba a Léon, Mathilda abría su chaqueta y el espectador descubría que llevaba granadas debajo. Besson decidió cambiar el final porque temía que el espectador no aceptase la transformación de Mathilda de niña inocente a asesina.

Según la actriz Maïween –quien tiene un papel al principio de la película-, Léon está basada en su relación amorosa con Luc Besson: ella le conoció con 11 años y se enamoró con 15, Besson tenía 32. Otro dato interesante es que Léon tiene dos montajes diferentes: uno norteamericano (sin todas las escenas de tensión sexual entre Mathilda y Léon), y uno europeo (donde sí aparecen estas escenas). El montaje europeo es el que encontramos en la Edición Especial y el DVD que lleva el nombre “International Cut”. Creo que podemos decir que la mayoría hemos visto el montaje internacional, y que no nos hemos perdido de nada.

Besson, Portman y Reno - ensayo

 

Durante el rodaje

Como en toda película, durante el rodaje ocurrieron algunas cosas dignas de contar:
  • Mientras se rodaba con coches de policía, un ladrón casualmente salió de una tienda a la que acababa de robar. El ladrón se encontró frente a frente con el set de la película y, al ver a todos esos “policías”, decidió entregarse.
  • La segunda toma, en la que vemos New York a través de un recorrido por sus calles, se consiguió al estudiar el patrón de las luces de tráfico para asegurarse de que “la cámara” no encontrase luces rojas durante su recorrido.
  • En la escena en la que Stansfield interroga al padre de Mathilda, el personaje de Oldman se comporta de un modo bastante intrusivo. Michael Badalucco (el padre de Mathilda) confesó que no sabía que Gary Oldman iba a olerle y acercarse a él del modo en que lo hizo, y que lo que vemos en pantalla es su reacción cien por ciento genuina (se sentía intimidado y nervioso).
  • Todos los interiores del departamento de Léon fueron rodados en París, y los exteriores, incluido el corredor, fueron rodados seis semanas antes en New York.

nat

 

Casting

Mathilda:
  • La primera opción para el papel de Mathilda fue Liv Tyler; pero se la consideró demasiado mayor (tenía 15 años).
  • El director de casting, Todd M. Thaler, rechazó a Natalie Portman por considerarla demasiado joven. Portman no se dio por vencida y volvió a audicionar, interpretando la escena en la que Mathilda lamenta la muerte de su hermano. Obtuvo el papel en el instante. Fue su debut en el cine, con 11 años.

Natalie Portman audicionando para el papel de Mathilda
Léon:
  • Luc Besson declaró que el papel siempre fue para Jean Reno. Sin embargo, en el DVD Edición Deluxe, se dice que Mel Gibson y Keanu Reeves también estaban interesados en interpretar a Léon.
  • Jean Reno decidió interpretar a un Léon con un poco “retrasado y emocionalmente reprimido” para que los espectadores pensaran que era incapaz de abusar de una niña. Según Reno, Léon no concibe la idea de una relación física con Mathilda. Por ello, en las escenas en las que se discute la relación dejó que el personaje de Natalie Portman las controlase emocionalmente.
Otros:
  • Samy Naceri era casi un debutante cuando interpretó a un SWAT en Léon. Sus diez días en el set impresionaron tanto a Besson que cuando escribió Taxi siempre le tuvo en mente para el papel protagonista.

jean et nat










 










luc et nat

En la película

Siempre hay pequeños detalles que algunos notamos y otros no. Algunos son intencionales, otros quizás son casualidad. Espero que los que integran la siguiente lista os inviten a revisar la película, aunque sea para comprobarlos:
  • Léon Gaumont fue un inventor que desarrolló técnicas cinematográficas junto a los hermanos Lumière a fines del siglo XIX. El nombre de la productora de Léon es Gaumont. ¿Casualidad?
  • La planta de Léon es una aglaonema, que en inglés se pronuncia “ag-leon-ema”.
  • Los padres de Natalie Portman no querían que ella saliese fumando en la película. Pusieron como condición en el contrato que sólo fumase en cinco escenas en las que ella no inhalaría ni exhalaría humo, y que Mathilda dejase de fumar en algún momento de la película. Contad las escenas en las que sale con un cigarro, son cinco. Ni una más, ni una menos. En ninguna veréis a Natalie inhalar o exhalar humo. Y el personaje deja de fumar (Léon le pide que haga tres cosas: dejar de fumar, dejar de decir groserías y no verse con el tío que tiene pinta rara).
  • Stansfield (Oldman) dice que él y sus secuaces aparecerán al mediodía. En casa de Léon vemos un reloj que marca las 11:58. La secuencia que sigue dura exactamente dos minutos, por lo que los malos aparecen exactamente al mediodía.
  • Mathilda se registra junto a Léon bajo el nombre "MacGuffin". "MacGuffin" es un término cinematográfico acuñado por Alfred Hitchcock: indica un elemento trivial en una película, cuyo único propósito es que ayude a que la trama continúe (como la escena).
  • Natalie Portman dijo que nunca había visto una película de Marilyn Monroe antes de rodar Léon. Así que para la escena en la que se disfrazó de ella se inspiró en una escena que había visto en Wayne’s World.
  • El personaje interpretado por Willi One Blood figura como “1st Stanfield Man”, pero durante la película Malky se refiere a él como “Willi” y Stanfield le llama “Blood”.
  • Stansfield está obsesionado con Beethoven. Poco después de rodar Léon, Gary Oldman interpretó a Beethoven en Immortal Beloved.
  • Cuando se hizo la proyección de prueba de Léon, ésta incluía una escena en la que Mathilda le pide a Léon que sea su amante. Las risas nerviosas de la audiencia frente a esta escena destruían el tono de la película, así que se cortó esta escena para el estreno en cines. En esta misma prueba, Léon obtuvo un puntaje pésimo.
  • En la versión internacional de Léon, Besson aparece al final de la película. ¿Lo habéis visto?

Bueno, aquí se termina. Os dejo tres fotos más del rodaje que pesaba incluir de tener más información que incorporar; pero me he quedado corta y son dignas de ser compartidas.

Nat et Gary
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alegría

11 ene. 2012

The Last Cookie: animación 3D made in Francia

Hoy os dejo un corto de animación 3D, dirigido por tres estudiantes de Artes y Tecnología de la Imagen de la Universidad Paris 8 (Francia): Guillaume Boizanté, Mickaël Lalo e Isabelle Lemaux. Espero que os guste, a mí me resultó bastante divertido.

 

9 ene. 2012

Drive: otro acierto en la carrera de Ryan Gosling

Drive
Ryan Gosling, ese chico que me ha conquistado –y a muchos más- durante 2011 (aunque ya hacía tiempo que le venía siguiendo la pista). Carey Mulligan, la chica que adoré en An Education y Never Let Me Go, y de la que quería ver más. Y algo me decía que sería algo así como una versión moderna de Taxi Driver –yo y mi imaginación-… Estaba claro que tenía que ver Drive.
La música ochentera le dio un toque diferente. Realmente no esperaba que este tipo de banda sonora quedase tan bien en este tipo de película, y menos con el tipo de montaje que se utilizó. Me equivoqué. Mucho. Quedó fantástico. Y no sólo lo “ochentero”, sino el total de la banda sonora. Me gustó mucho.
La verdad es que sabía que iba a ver algo de lo que iba a ver; pero estaba tan metida en la historia cuando sucedió, que me cogió bastante por sorpresa. La verdad es que me shockeó bastante lo que vi. Y, salvando las distancias, creo que mi imaginación no estaba tan errada. Creo que no sólo está “inspirada” por Scorsese, creo que Drive tiene mucho de varias películas anteriores. Y me gusta. Me gusta el resultado de esa mezcla de influencias.

5 ene. 2012

La piel que habito

Esperaba ansiosa lo nuevo de Almodóvar. Los abrazos rotos me había dejado con ganas de más, así que la espera por La piel que habito se me hizo eterna. Moría de curiosidad por ver con qué iba a sorprendernos, moría por ver a Antonio Banderas bajo sus órdenes una vez más.

la piel que habito

 

¿Cómo hablar de La piel que habito sin desvelar nada de la trama? Aunque dudo que a estas alturas queden personas que no la hayan visto. Diré que me pareció un guión bastante simple para lo que acostumbra escribir Pedro Almodóvar, o que ya me acostumbré a sus historias. Que el final es bastante predecible, a la par que bonito. Que visualmente me conquistó, como todo lo que ha hecho Almodóvar estos últimos años. Y que, para lo retorcido del tema, me pareció una película sencilla y muy bonita.

 

Antonio Banderas está muy bien en su papel, aunque quizás un poco “blando”. Imaginaba a su personaje más frío. Aunque también entiendo que sea así, dada su relación con Vera (que no analizaré para no contar toda la película). Elena Anaya al principio me resultaba incómoda, pero a medida que comprendí la historia tenía sentido que así fuese.

En resumen, creo que la película, dentro de su sencillez, sigue manteniendo la esencia de Almodóvar. Dicen que con los años los directores de cine se ponen más profundos y se animan a otras cosas. Creo que Almodóvar está evolucionando hacia algo un poco más “comedido” dentro de su estilo, y quiero seguir viendo sus creaciones, ver hacia dónde nos lleva.