31 dic. 2012

Resumen 2012

Otro año más que nos deja. Hemos sobrevivido a otro Fin del Mundo, Fin de Era, o como queráis llamarlo. 365 días más que hemos respirado, soñado, caminado. Unas cuantas horas más –no puedo calcular exactamente la cantidad- de cine visto, y muchas experiencias bonitas que he guardado en la memoria. Espero que 2012 tenga un balance positivo para todos. Para mí, a nivel cine y personal, lo tiene. Y espero que 2013 traiga más de todo eso que me dejó 2012. Mucho más. Especialmente más cine.

Como cada año, toca resumir todos los estrenos con un vídeo. ¿Quedaron muchos pendientes? ¿Cuál habrá sido el mejor? Y, como cada año, os dejo un repaso de lo mejor, lo peor y lo que no me ha dejado indiferente.

2012 Filmography

 

Lo mejor

 

Lo peor

 

Lo “inclasificable”

Otros años tengo menos clara la separación entre “lo mejor” y “lo peor”; pero éste simplemente he decidido que si no era bueno, era de lo peor que he visto en el año. Nada de perdonar a grandes como Coppola, Stone o mi adorado Burton. Simplemente es que “lo peor” no es de lo mejor que he visto este año. Y lo inclasificable… bueno, es que Plan 9 juega en otra liga.

He notado que voy con retraso para los premios, por lo que supongo que se vendrá una lista larga de estrenos con la llegada del 2013. Espero que tengáis muchas cosas bonitas por las que brindar esta Nochevieja, que el 2013 os traiga muchas más, y que el cine siga haciéndonos un poco más felices. ¡Hasta el año próximo!

29 dic. 2012

Intouchables

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Ver Intouchables es como recibir un abrazo durante casi dos horas: no puedes parar de sonreír, sientes algo tibio en el estómago, y cuando termina te quedas con la sensación de estar flotando en un mundo maravillosamente perfecto. ¿Que exagero? Puede que un abrazo de dos horas no haga todo lo que acabo de enumerar, pero Intouchables sí.

Me pasé toda la película ADORANDO a Omar Sy, aplaudiendo su trabajo y enamorada perdida de esa sonrisota que tiene. Recordé otras películas similares, intenté compararlas y la sensación que provocaban, y… sí, puede que fuera prácticamente la misma. Pero claramente me hacía mucha falta ver algo como Intouchables y en cierto modo volver a creer en el ser humano.

Trailer en VO

Seguramente esta entrada llegue muy tarde, sospecho que todos habéis visto ya Intouchables. Pero necesitaba guardármela para un día como hoy, para terminar el año de un modo positivo y creyendo en el buen cine. Lo siguiente será resumir el año, y quiero cerrar mis comentarios con una de las películas que mejor me han hecho sentir en 2012.

27 dic. 2012

Tímidos Anónimos

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Le tenía muchas, muchísimas ganas a Les Emotifs Anonymes. Quizás demasiadas. La verdad es que creo que le tenía tantas ganas que no terminé de disfrutarla. Me reí, me lo pasé muy bien viéndola, me pareció una película muy dulce; pero no sé si me ha gustado más de lo que me han gustado películas similares de otros orígenes (Estados Unidos, Reino Unido…).

Viendo Les Emotifs Anonymes llegué a la conclusión de que la timidez en Francia se ve de una forma diferente a como la veo yo, que los personajes tenían más pánico a vivir que timidez. Que sí, que entiendo que cuando un tímido establece una conexión especial con alguien se comporta de forma diferente, pero en este caso no vi tanta timidez. De todas formas, la película me ha parecido muy bonita, y la recomiendo.

Trailer en VO

25 dic. 2012

Carmina o Revienta

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Quise esperarme a que se “olvidase” el boom de Carmina o Revienta antes de verla. No quería que me nublase el hecho de que me pareció una gran idea la forma de comercialización, que me pareció una genialidad todo. Pero en cuanto tuve la oportunidad de verla, me rendí ante la genialidad de Paco León y su familia.

El formato de documental, las actuaciones, los detalles, la historia… ¡Carmina! Peliculón. Me encantó. Me reí, reflexioné y me enganchó muchísimo la historia. La escena de Basilio y la almohada, con la lluvia de plumas, me enamoró. Me encantó ver cosas que vemos a diario en nuestras propias familias, ver detalles cotidianos, combinados con un personaje tan fuerte como Carmina: madre, “mafiosa”, mujer con unos ovarios del tamaño de una casa.

Paco León no sólo supo retratar la realidad de su familia, su país y su época; sino que también supo cómo hacernos llegar a todos su mensaje. Genial. Si no la habéis visto ya, es hora de sentaros a conocer a Carmina Barrios.

Trailer

21 dic. 2012

Ark

Si estáis leyendo esto es porque no se ha acabado el mundo… aún. Dado que hoy está escrito que el mundo tal y como lo conocemos se terminará, he decidido unirme a la masa con el tema y compartir un cortometraje que va sobre eso. Así que os dejo Ark, un corto ganador en el Festival de Cannes de 2007 (y unos cuantos festivales más). Está dirigido por Grzegorz Jonkajts y, cómo no, es una animación.

 

Ark

Por cierto, ya os he hablado de MyFrenchFilmFestival alguna vez. Hoy, por ser el día más corto del año, os invitan a ver todos los cortometrajes seleccionados para el festival GRATIS. Así que os invito a pasaros antes de que se acabe el tiempo.

¡Feliz Doomsday y mejor fin de semana!

19 dic. 2012

Dans la maison (En la casa)

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Tenía ganas de cine francés, y justo me encontré en un cine que iba a proyectar Dans la Maison en unos minutos, así que entré. No esperaba reírme tanto, aunque siempre suelo reír con el cine francés. No esperaba que me gustara tanto una película tan simple, que el guión me conquistase de esa manera. No esperaba que Kristin Scott Thomas hablase un francés tan perfecto, que lograse hacerme creer que su personaje era francés (a pesar de que en un momento deja caer que es de familia inglesa).

Realmente entré a la sala sin expectativas, lo que fue bueno. Me encantaron los detalles del montaje, las actuaciones de Fabrice Luchini, Ernst Umhauer, Emmanuelle Seigner, Kristin Scott Thomas y Denis Ménochet, Me encantó la banda sonora, el guión… Me encantó la película. Realmente la recomiendo. Dans la Maison es una historia que habla de literatura, que hace reír y que sorprende. Y lo que me ha gustado es que el final, al menos a mí, deja la posibilidad de hacer varias conjeturas al respecto de los protagonistas. Un final que, como en casi todo el cine francés, no es perfecto y feliz; pero sin embargo nos deja con una sonrisa en el rostro. Me alegro mucho de haber seguido a mi instinto hasta ese cine, de elegir entrar a esa sala y disfrutar de Dans la Maison.

Trailer en VOS

17 dic. 2012

La Odisea de Cousins: Los noventa, la llegada del digital y la pérdida de realismo

Romeo + Juliet

La penúltima hora de Story of Film: An Odyssey comienza anunciando que veremos cine de Tarantino, los Coen y Baz Luhrmann. No hace falta nada más: ya sabemos qué nos encontraremos. Sin embargo, luego Cousins nos habla del digital y el analógico -usando como ejemplo Gladiator, de Ridley Scott-. Nos enseña cómo en lugar de trabajar sobre la cinta se comenzó a agregar digitalmente efectos y detalles. Y nos cuenta que una de las primeras películas con CGI “moderno” es Terminator 2, completamente diferente al CGI de Anchors Aweigh. Nos lleva a los inicios de la animación, y nos muestra cómo la historia se repite cuando llegamos a tiempos más modernos.

Mark Cousins nos dice que el cine de los noventa era espectacular, sobre lo que podíamos ver más que lo que queríamos ver. Nos dice que todas las técnicas cinematográficas deberían ser utilizadas de forma que innoven, y nos pone como ejemplo Toy Story. Además, utiliza Blair Witch Project para demostrar que innovar no tiene por qué significar una gran inversión ni equipos caros. Vuelve a hablarnos de Zhang Yimou y su cine para enseñarnos que el cine asiático fue el más innovador de la época.

El postmodernismo y sus características son presentados a través del final de Mean Streets, de Martin Scorsese, que repite la escena de The Great Train Robbery. Cousins nos muestra cómo los noventa fue la década en la que los directores miraron hacia atrás y decidieron volver a mostrarnos las mismas imágenes. Utiliza Pulp Fiction, de Quentin Tarantino, para darnos una clase magistral de cómo obligar al espectador a escuchar. Nos muestra cómo el cine de Tarantino es un eterno homenaje a ese cine del que se alimentó (el mismo director siempre dice que él aprendió viendo cine). Del cine de Tarantino pasamos a sus guiones, y por supuesto, habla de Natural Born Killers (una de mis películas favoritas).

Lo siguiente en los noventa es recorrer el cine de los hermanos Coen. Repasamos sus películas, vemos detalles, los homenajes al viejo Hollywood, el surrealismo y el arte. De ellos pasamos a Gus Van Sant, comenzando por My Own Private Idaho. El propio Van Sant nos habla de cómo la pintura influenció su película, y cómo The Shining le sirvió de inspiración para montar la toma del granero cayendo para ilustrar el orgasmo de River Phoenix. Luego, Cousins nos enseña las dos Elephant (la de Van Sant y la de Alan Clark) tienen más en común que el nombre, y cómo una influenció a la otra. Van Sant también nos cuenta que Tomb Raider (el juego) y el cine europeo -además del adorado Ozu- fueron gran influencia a la hora de definir el tipo de tomas que integraría en sus películas.

Cousins hace un gran ejercicio comparando las dos versiones de Psicosis, plano a plano en una pantalla dividida. Comprobé aquellas pequeñas diferencias entre una y otra que había notado cuando vi la versión de Van Sant, y me sorprendí cuando dice que son diferentes películas (a diferencia de todo el mundo, que solemos llamar a la segunda “copia”). El propio Van Sant tiene la oportunidad de explicar el ejercicio que realizó y sus motivaciones, y eso me gustó mucho.

Lo siguiente es hablarnos de la sátira en los noventa. Comenzamos con Robocop, y seguimos con Verhoeven explicándonos lo que buscaba comunicar y retratar en sus películas. De allí nos vamos a Australia y Nueva Zelanda, donde nos presenta a Jane Campion y su cine que retrata el mundo desde un punto de vista subjetivo. De Jane Campion nos vamos al cine postmodernista de Baz Luhrmann. Luhrmann se presenta explicándonos por qué cree que Bollywood y Shakespeare tienen mucho en común, y Cousins nos lo enseña con su Romeo + Juliet.

Luhrmann nos explica las decisiones que le llevaron a rodar Romeo + Juliet de la forma en que lo hizo. Me resultó simpático que dijera “estéis de acuerdo o no, esto fue lo que me llevó a hacerlo así”, porque creo que no tiene por qué pensar en quienes le criticaron sus decisiones. El director continúa explicando las escenas más destacadas de la película, y si ya la adoro, ahora a subido un escalón en mi lista de películas que adoro. Luego nos habla de Moulin Rouge, la que apoda la “definición del cine digital de los noventa”.

Cousins cierra la penúltima hora de su Story of Film: An Odyssey resumiendo los noventa en una secuencia de imágenes de los directores que han hablado sobre su cine. Y nos promete que nos llevará al Siglo XXI mientras nos deja en un túnel al que entramos a través de un phantom ride.

Esta hora me ha hecho recordar lo mucho que disfruto del cine de los noventa, sobre todo porque he tenido la posibilidad de repasarlo junto a directores que admiro. Confieso que acabé la hora con muchas ganas de repasar la filmografía de Van Sant y Luhrmann, además de volver a ver a mi adorada Natural Born Killers. Sólo me queda una hora y una década de Historia del Cine por disfrutar, y la verdad es que no quiero que esta odisea se acabe porque me lo estoy pasando aún mejor de lo que esperaba.

14 dic. 2012

New York, New York: cómo una canción me llevó hacia el cortometraje perfecto

New York, New York es una canción que suelo tararear –por llamar a mis aullidos de alguna manera- mucho. Y cuando digo “suelo”, quiero decir que cuando se mete en mi cabeza puedo pasarme días enteros cantándola sin parar.

Esta semana decidió hacerlo una noche en la que, agotada, ya estaba a un paso de meterme en la cama. Por alguna razón la frase “these vagabond shoes” me hizo una especie de “click” mental, y tuve que hacer memoria para descubrir qué me recordaba: un cortometraje dirigido por Scarlett Johansson.

These Vagabond Shoes es un cortometraje que se puede encontrar en los extras de New York, I Love You, y está protagonizado por Kevin Bacon.

Gracias a Frank Sinatra y Liza Minelli por haberme inspirado el corto de esta semana ;)

12 dic. 2012

La Odisea de Cousins: los últimos días del celuloide

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Los noventa fueron los años en los que el cine vivió la evolución al digital, pero también en los que se exploraron las emociones humanas a través del terror y el romance. Mark Cousins comienza el recorrido por esta década contándonos cómo fue la muerte del celuloide. La primera parada de esta hora de Story of Film: An Odyssey es Irán, y la primera película que vemos: Sib, de Samira Makhmalbaf. Lo curioso de esta película es que es una reconstrucción de hechos reales, con los protagonistas interpretándose a sí mismos (que no es lo mismo que un documental). También nos cuenta cómo el padre de la directora hizo una película similar, junto a un policía al que había apuñalado (desde el punto de vista de la víctima y del atacante).

Luego pasamos al cine de Abbas Kiarostami, quien insiste en que su cine sea lo más realista posible. Insiste en no entrometerse en el trabajo de los actores, dejarles hacer y mantenerse al margen. Nos habla de Khane-ye doust kodjast?, otra película en la que la realidad se dobla a sí misma. Nos cuenta cómo de una película nació otra, y de la segunda una tercera. Las tres basadas en hechos reales, las tres tratando el tema de la complejidad de la realidad y cómo las cámaras pueden cambiar una vida.  La forma en que describe el cine de Kiarostami, cómo habla de la época, es tan poética que atrapa al espectador.

La siguiente parada de la odisea es Hong Kong. Nos detenemos en el cine de Wong Kar-wai, y su estética influenciada por el diseño gráfico, el color y la composición. Fa yeung nin wa es descrita por Cousins lentamente, imitando el ritmo de la película. Maravilloso. De allí nos vamos a Taiwán, con Tsai Ming-liang. Nos habla de la tensión creada por los planos estáticos de larga duración, de la fascinación por las emociones humanas y el realismo. Tsai nos dice que quiere capturar cómo estamos perdiendo la capacidad de sentir, nos habla de su interés por el cuerpo humano, por el ser humano: cómo y por qué lo retrata.

De allí nos vamos a Japón, donde nos metemos en uno de mis géneros favoritos: el terror. Confieso que me emocionó que dedicara parte de la odisea al terror japonés, porque creo que es uno de los más fascinantes. Cousins repasa Tetsuo y su secuela, películas influenciadas por el cine de Cronenberg. Por supuesto que nombra a Ringu, la película más importante del terror japonés de la época. Nos habla de sus influencias y las técnicas utilizadas. Nos habla del contrapunto calma/violencia, elemento que lo distingue del resto del género.

Más adelante nos vamos a Copenhague, junto al movimiento que decidió volver a las bases del cine: Dogma. Nos cuenta sus normas: cámara en mano; pantalla más estrecha; sin decorados, atrezzo, música, iluminación o flashbacks; y el director no debe aparecer en los títulos de crédito. Repasa Breaking the Waves y su montaje tan particular, que rompe varias normas cinematográficas establecidas. Lars von Trier nos explica que su punto de partida no era estilístico como el de Godard, sino simplemente liberal. Y Dogville (mi favorita del director), con su osadía de contarnos una historia sin decorados. El propio Lars von Trier nos confiesa que las protagonistas de su cine son parte de sí mismo; que prefiere a las actrices por su docilidad, entrega e intuición; y que adora hacer cine incómodo –¡vaya sorpresa!-.

En Francia nos encontramos con La Haine, retrato de una realidad alejada del París poético que suele mostrarnos el cine. Nos enseña sus influencias clásicas, la ilusión del espejo. L’Humanité es la siguiente película que nos presenta, con casi los mismos elementos; pero en color. La directora Claire Denise nos cuenta su experiencia, cómo su vida influyó en el cine que hace y en cómo retrata la realidad.

De Francia nos vamos a Polonia, donde nos presenta la curiosidad de Victor Kossakovsky, que decidió retratar con el estilo del documental a todos aquellos nacidos en el mismo día que él: Sreda. Nos muestra también cómo trabaja Michael Haneke, cómo planifica cada una de sus escenas, cómo las rueda. Por supuesto, menciona Funny Games y su escena del rebobinado, a la que compara con la escena de la cinta quemada de Persona, de Ingmar Bergman.

Mark Cousins cierra el capítulo de la muerte del celuloide hablándonos de cómo también significó, en cierto modo, la muerte del ser humano como protagonista del cine y el nacimiento de la fantasía junto al digital. Es quizás la hora más triste de todas las de la odisea, quizás porque a Cousins le duele –como a varios de nosotros- la muerte del celuloide. Es una hora reflexiva, nostálgica, con muchas miradas al pasado.

Pero, claro, la vida continúa. Y cada final es un nuevo comienzo. La muerte y la vida también coexisten en el cine. La siguiente parada en el viaje junto a Mark Cousins en su Story of Film: An Odyssey es asistir al nacimiento de un nuevo soporte cinematográfico, y todo lo que ese nacimiento a traído consigo. ¿Lo descubrimos juntos?

10 dic. 2012

Boy A

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Andrew Garfield me impactó desde el momento en que vi Lions for Lambs, y desde entonces creía haber visto casi todo lo que ha rodado hasta el momento. Sin embargo, había pasado por alto Boy A, y desde el instante en que comenzó la película me pregunté cómo pude vivir todos estos años sin ver a Andrew hacer este papel. Creía que la nueva generación de actores había quedado corta en cuanto a varones talentosos; pero confirmo que me equivocaba: Andrew Garfield tiene muchísimo para dar, y ya lo está demostrando.

Me encantó verle hacer un papel en el que tenía que mantener el equilibrio entre la inocencia de haber estado alejado del “mundo real” y tener un secreto inconfesable, una experiencia que quita toda la inocencia a otra persona. Y me encantó verle hacerlo de un modo en el que logró hacerme empatizar con su personaje, querer protegerle. El montaje de Boy A, la historia, permite que el espectador en cierto modo atraviese la misma montaña rusa de emociones que el protagonista, y la interpretación de Andrew Garfield hace que uno realmente sienta todo eso que su personaje está viviendo.

Los flashbacks en la historia no terminaron de gustarme. Si bien aportaban algo, creo que no estaban montados en los momentos adecuados, creo que la película podría haber funcionado sin ellos. A pesar de eso, la película me gustó, y me permitió comprobar que Andrew era tan bueno como creía cuando le veía haciendo papeles secundarios hace algunos años. Boy A no será de lo mejor que ha salido del Reino Unido, pero no tampoco me aburrí viéndola.

Trailer en VOS

7 dic. 2012

Antes del amanecer

Últimamente se me ha dado por los cortos romanticones, y hoy repito: animación de un irlandés que está a punto de estrenar largometraje, Kealan O'Rourke

Os dejo con Before Sunrise, una historia sobre sombras y luces.

 

¡Buen finde y que estéis disfrutando del puente!

5 dic. 2012

La Odisea de Cousins: los ochenta

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Llegó el momento de meterse a los años ochenta de la mano de Mark Cousins y su Story of Film: An Odyssey. Y entramos por China y su imponente muralla. Cousins nos introduce a las dos realidades que convivían en el país. Nos habla de la Quinta Generación (graduados en el ‘82 de la academia) y de cómo fueron ellos quienes realizaron las películas más importantes del cine chino. Por supuesto, no deja afuera a Yiang Zhimou y ese maravilloso cine que nos regala (aunque solamente le menciona, ya que su trabajo es posterior).

De China nos vamos a Europa del Este, donde nos muestra cómo el cine soviético sirvió para dar mensajes y comunicar ideas al mundo. Nos habla de la censura, y del cine que no vio la luz hasta los años ochenta. En la parada por Europa profundiza en el cine de Krysztof Kieslowsky, ese director que cambia la forma en que vemos el mundo con esos colores maravillosos. Nos habla de la influencia del cine de Hitchcock en el cine del polaco, y nos muestra la crudeza de su cine con Krótki film o zabijaniu (que, por cierto, cambió la pena de muerte en Polonia).

La siguiente parada es África y su cine centrado en el pasado del continente. Nos muestra un flashback dentro de un flashback, y nos enseña que hacer lo que creemos que es bueno para la historia, aunque rompamos reglas, puede funcionar. De allí nos vamos a Estados Unidos, más precisamente a Wall Street. Vuelve a hablar de la televisión, de MTV y del videoclip. Nos habla de montajes más rápidos, de la influencia del videoclip en el cine. Nos habla de David Lynch y su protesta contra la racionalidad. Nos explica su teoría del “ojo del pato”, de su visión del cine y la realidad de los ochenta. También nos habla de Spike Lee, de su colorido saturado y su visión tan particular de la sociedad en la que vive.  Nos presenta el cambio del héroe, la chica y el mejor amigo al cine más centrado en personajes complejos. Sayles y Rencie nos introducen a este cine independiente con una crítica muy fuerte al sistema de Hollywood.

De allí nos vamos a Francia y la reacción en contra de la seriedad. Nos habla de Luc Besson, Leos Carax. Y de allí, a España y el Almodóvar de la Movida y Víctor Erice. De España nos vamos a Gran Bretaña y Stephen Frears. Cada una de estas paradas nos hablan de lo mismo: revolución, escándalo, rechazo al mundo conservador. Nos habla de cine que se centra en la clase trabajadora, en gente sin hogar, en el multiculturalismo y los personajes fuera de lo habitual en el cine hasta el momento.

Por primera vez –si no me falla la memoria-, hacemos una parada en Canadá. Allí nos muestra Neighbours, en stop-frame, que Pablo Picasso catalogó como la mejor película de la historia; y de Jésus of Montréal, película que critica el poder. Habla de Cronenberg y de cómo es ejemplo de un cine que nos enseña lo hipócritas que somos, lo mucho que nos mentimos.

La odisea se acaba en una playa, donde Cousins nos anuncia que lo próximo serán los años noventa. Muero de curiosidad por saber qué cine nos muestra, de qué películas nos habla y si mencionará a los que creo. Lo comprobaremos en unos días.

3 dic. 2012

Wayne’s World

Debo comenzar con una frase que repito mucho, y últimamente más de lo normal: La película indicada llega en el momento justo a tu vida. Luego de una semana bastante difícil, por alguna razón, encendí la tele. Suelo ver cosas específicas o poner directamente canales donde siempre hay cine. Esta vez fue lo segundo. Sorprendentemente, me encontré con una película que adoro, que me transporta a mi infancia y que suelo citar bastante: Wayne’s World. Pensaréis cómo me puede transportar a mi infancia una película que no tiene nada de infantil, pero es que la vi por primera vez siendo una niña. Y la he visto tantas veces que ya he perdido la cuenta.

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Wayne’s World combina la burla al cine con una crítica a la industria del entretenimiento y muchísimo humor. Tiene escenas de esas que algunos hemos imitado con amigos: cantando Bohemian Rhapsody en un coche, gritando “Car!” y “Game on!”, haciendo el famoso “We’re not worthy” e infinitas frases más que son, al menos para mí, inolvidables. Por supuesto que siendo una niña me enteraba de la mitad de las cosas que ocurrían en la película, pero sin embargo me marcó mucho. Quizás porque hablaban de esos músicos a los que admiro, porque me encantaba ver a dos adultos comportarse como niños y pasarlo bien, no lo sé. La cosa es que la considero una de mis películas favoritas.

De todos los personajes, mi favorito es Garth. Dana Carvey interpreta a un personaje muy raro, adorable. Supongo que es porque es raro, pero también es que me causa mucha más risa Garth que Wayne. Wayne es mi personaje favorito de todos los que ha interpretado Mike Myers, pero siempre adoraré a Garth y sus camisetas de Aerosmith. Ese sótano y esos amigos, sobre todo el que está siempre en un estado semivegetativo, me parecen de lo mejor. La música, las escenas donde nos explican las fórmulas cinematográficas (la escena del Oscar, la escena de sexo gratuito, etc.), los finales alternativos… creo que no hay nada de Wayne’s World que pueda criticar.

Trailer en VO

La película indicada me llegó en un momento en que me hacía mucha falta reír. Por eso, os recomiendo que si alguna vez tenéis un mal día recurráis a Wayne y Garth para que os devuelvan la sonrisa. Os aseguro que no fallarán.

29 nov. 2012

Modern/Love

¿Cómo lleváis la semana? Por aquí parece que se vienen más cambios, y las cosas están un poco complicadas (que ya no es novedad). Esta semana me ha llegado un corto muy fresco –se ha estrenado en Londres hace dos días más o menos- y, para variar, me llega en un momento perfecto.

Lamentablemente no hay subtítulos, pero es bastante fácil de entender: se trata de una historia que habla un poco sobre las “casualidades”. Un chico y una chica se conocen vía online, y deciden encontrarse. Él viaja al otro lado del mundo para el encuentro, y poco antes de verse las caras, chatean. Comparten sus fantasías sobre cómo será el encuentro, y poco antes de hacerlo, deciden dejarlo para el día siguiente. En realidad sienten miedo. Y cuando huyen… pues eso lo descubriréis al verlo.

¿Quién no ha sentido una conexión especial con alguien gracias a un ordenador? ¿Quién no tiene alguien al otro lado del mundo al que a veces tiene ganas de ver? Hoy día creo que se trata de algo cada vez más común, aunque no sea tanto dos desconocidos como los de Modern/Love. Verlo me hizo sonreír en un día difícil, y espero que a vosotros también (aunque no tengáis un día difícil).

Si os ha gustado u os da curiosidad ver los demás cortos de la serie, detrás de cámaras, etc., aquí están. Para poder ver el quinto, protagonizado por Jason Schwartzman y dirigido por Roman Coppola, hay que compartir alguno de los otros cuatro (cuando alcance una determinada cantidad de “shares” se desbloqueará).

26 nov. 2012

La Odisea de Cousins: Los rebeldes de los setenta

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Por alguna razón me salté una hora de Story of Film: An Odyssey, así que hoy toca retroceder a la décima. En ella, nos encontramos con Mark Cousins, Wim Wenders, Rainer Werner Fassbinder y el nuevo cine alemán. Cousins nos habla de los cambios sociales de la Alemania post nazi, del cine con identidad. El siguiente director del que nos habla es Werner Herzog, al que califica del segundo mejor director de paisajes de la Historia del Cine. ¿El primero? John Ford.

La segunda parada en esta hora de la odisea es Italia. Volvemos a Pasolini, alguien de quien ya nos ha hablado. Nos muestra la revolución sexual que atravesaba Italia en esa época, y nos dice que ese tipo de cine sería imposible hoy. De Pasolini pasamos a uno de mis italianos favoritos: Bernardo Bertolucci. También nos había hablado de él, y de su trabajo como asistente de Pasolini antes de lanzarse a dirigir esas imágenes tan bellas que nos regala en sus películas (según Cousins, intentando imitar las pinturas de Rene Magritte). Bertolucci, además, nos cuenta una anécdota muy bonita con Godard, que me guardo para que os sorprenda si decidís ver el documental.

De Italia nos vamos al Reino Unido, donde la revolución sexual estaba siendo retratada en el cine. Y vemos a un joven Mick Jagger actuando en una película de gangsters la cual, nos dice Cousins, es obligatoria en la lista de cine por ver de aspirantes a cineastas: Performance. Nos presenta a Sam Neil, quien tiene el “record” de haber participado en la mayor cantidad de cine femenino. Nos pasea por Australia, y de allí nos lleva a Japón a ver cine documental (claramente hay mucho cine que descubrir allí, y Cousins se ha empeñado en que veamos la mayor cantidad posible).

De Japón nos vamos a África, donde Cousins nos habla del Manifiesto de Liberación del Cine. Nos habla de cómo influenció no sólo al cine africano, sino también al suramericano y del Medio Oriente. Nos cuenta cómo esa revolución cinematográfica se extendió, y cuáles fueron sus características (con ejemplos relatados que enganchan muchísimo).

La identidad del cine marca esta década, y claramente se ve en las películas que vemos durante la hora que dura esta parte de la odisea. Estilos diferentes, pero que en el fondo hablaban de lo mismo: el cambio, el escándalo, la revolución. Terminamos la hora con Alejandro Jodorowsky y su cine tan “particular”. ¡Vaya forma de terminar!

Lo siguiente ya os lo he contado la semana pasada, así que la próxima (si todo sale acorde al plan), nos iremos a los años ochenta. Os espero por allí.

22 nov. 2012

Peppermint Stalks

Siempre digo que la película adecuada llega en el momento justo, y ¡oh, casualidad! Peppermint Stalks ha llegado en el mejor momento a la mía. Y lo ha hecho combinando tres cosas que me gustan mucho: stop-motion, dulces y… el punto justo de sangre. Sí, como he dicho: SANGRE.

Que terminéis la semana con una sonrisa.

20 nov. 2012

La odisea de Cousins: Los setenta y la innovación mundial del cine popular

Star Wars

Mark Cousins empieza la onceava hora de su Story of Film: An Odyssey contándonos que hablará de Bollywood y Star Wars. Eso ya es un gran gancho. Nos habla del cine nacido en Hong Kong, ese cine que nace de inmigrantes chinos en aquella ciudad que a algunos se nos hace tan lejana: colorido, femenino, musical; que luego evoluciona en algo agresivo, rápido elegante. Nos cuenta la historia del Kung-Fu y cómo llega al cine de la misma forma que llegaron los westerns al cine norteamericano. Nos habla de su estilo, lo narra mientras vemos algunas de las mejores imágenes del género.

Nos cuenta cómo el cine actual de Ang Lee tiene mucho de aquél cine de los cincuenta, el cine de King Hu. Y luego nos lleva a los setenta, de la mano del gran Bruce Lee. Nos enseña que la evolución del cine en Hong Kong tiene mucho que ver con los cambios que vivieron la economía y la sociedad de la ciudad durante la década. Luego nos muestra el siguiente cambio, en los ochentas, a través del cine de John Woo. Escenas fragmentadas, gángsters; todo aquello que llevó a John Woo a dirigir acción en los Estados Unidos. Y cierra el capítulo del Kung-Fu cinematográfico hablándonos de cómo los Wachowski y su Matrix están fuertemente influenciados por él.

Más adelante, Cousins nos lleva a la India y al maravilloso mundo de Bollywood. Es mundo con una realidad inventada, bella, llena de música y danza. Compara el cine hindú (lo que llamamos Bollywood) y el cine bengalí: las pausas, los diálogos, el estilo. De la mano de Bachchan nos habla de la industria, de la necesidad cultural de comunicarse, del momento histórico en que el actor comenzó su carrera en el séptimo arte.

Después del paseo por el cine “del Tercer Mundo”, nos lleva a los Estados Unidos y su cine multiplex: Jaws, The Exorcist... Analiza el cine de Spielberg, y lo compara con Hitchcock. Por una vez, he visto al cine de Spielberg de otra manera: siempre digo que le prefiero como productor, pero a partir del análisis de Cousins he aprendido a ver cosas que antes no veía.

Mark Cousins cierra esta hora de la odisea con la obra más famosa de George Lucas: Star Wars. Y, de nuevo, he visto cosas que no había notado antes: las influencias de Kurosawa, Leni Riefenstahl, los phantom rides… ¡vaya! Confieso que ahora me han dado ganas de ver las viejas Star Wars para ver qué más descubro. Y con estas ganas me he quedado, mientras Cousins me hablaba de Reagan y las protestas en Tian'anmen que vendrán en la siguiente hora. ¡Vaya viajecito nos hemos pegado esta vez!

18 nov. 2012

Savages

No puedo describir lo frustrante que es leer malas críticas sobre el trabajo de alguien a quien admiras. Es verdad que todo lo reciente que hizo Oliver Stone no me ha convencido, pero de alguna manera tenía la ilusión de que Savages iba a ser diferente. Confiaba en que volvería a ser el mismo, y en algunos de los actores que participaban en la película. Además, el tema me parecía interesante. Esperaba sorprenderme para bien.

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Sin embargo, de entrada me encontré con que la estética no terminaba de convencerme. Parecía algo rodado por un director como Mc G, no veía a Oliver Stone en ninguna parte. Demasiado “moderno”, ¿quizás? El guión no prometía mucho desde el principio, contaba demasiado en palabras y muy poco en imágenes. Estéticamente me gustaba lo que veía, pero no veía lo que espero ver cuando veo el cine de Oliver Stone. Casi como me ocurrió con la Twixt de Coppola, sentía que no terminaba de ver a ese director que admiré durante gran parte de mi vida.

Es verdad que Savages tiene algún eco del clásico Stone: una triste imitación firmada por Dan Mindel de aquél maravilloso detalle que puso Robert Richardson cuando trabajó con Stone. La música de Chespirito se me hizo ridícula en el contexto, Benicio del Toro y Salma Hayek demasiado estereotipados, Blake Lively sólo me ha gustado en The Town, y Taylor Kitsch y Aaron Johnson no terminan de convencer en el papel de niños bien que se dedican a hacer cosas “oscuras”. No es que los actores estén mal en sus papeles, el problema es que no logré creerme la historia desde el principio: me parecía demasiado irreal, demasiado parodia.

Trailer en VOS

Tiene su grado de dureza, sí. Pero creo que no logré conectar mucho. Ni la historia, ni los personajes, ni los hechos lograron que sintiera algo mientras veía Savages. Y el final… pues era casi perfecto. Hasta que Oliver Stone tuvo la necesidad de cerrar la historia de la manera en que la cierra. No me ha gustado. Demasiada poesía, demasiada reflexión, demasiadas palabras. Echo de menos al viejo Oliver Stone, el que hablaba con imágenes.

15 nov. 2012

El retorno de la razón

Hoy tengo el día un poco raro, así que recurrí al surrealismo para entretenerme. Y quién mejor que Man Ray para ello, ¿verdad?
Le Retour à la Raison es un cortometraje de 1923. Se trata de una extensión kinética de la fotografía de Man Ray. Muchas de las imágenes don fotogramas animados, los famosos “rayogramas” (imágenes que se obtienen utilizando como fuente de luz la ampliadora que cuando se enciende proyecta una serie de sombras que se reproducen en el papel y dan lugar a la imagen). Se trata de objetos como sal, pimienta y clavos sobre papel fotográfico. El torso de la  chica desnuda que aparece es su amante, Kiki de Montparnasse.
Que acabéis bien la semana. Y si la vuestra está tan llena de surrealismo como la mía, que sea del divertido ;)

12 nov. 2012

La odisea de Cousins: El nuevo cine norteamericano

La novena hora de la odisea de Mark Cousins comienza con la muerte de los íconos de los sesenta, y el nacimiento de una nueva generación cinematográfica. Nos habla de cómo los norteamericanos, viendo que no podían cambiar su sociedad la satirizaron. Cómo el color y la estética del cine hasta el momento era caricaturesco. “La locura tiene un poco de sanidad mental, y viceversa”, nos dice. El mundo estaba al revés, y el cine lo reflejaba: retrataba un mundo completamente de cabeza de forma colorida.

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Cousins nos habla de una generación tan inerte y perdida como Benjamin Braddock. Nos habla de esa escena de The Graduate donde se marca el ritmo encendiendo y apagando las luces: ese ritmo que el libro carecía en la escena, un ritmo que hace que la película gane algo que sin ese detalle habría perdido. Y nos enseña que siempre se puede recurrir a algo para mejorar una escena. Nos habla de Hopper y su cine radical, de cómo la crítica criticaba y aniquilaba algo que no entendía (o que no quería entender). Nos enseña el simbolismo al que recurre Altman para retratar a la historia norteamericana.

Nos introduce al cine de Coppola con una pequeña mención de The Godfather, para hablarnos del radicalismo de The Conversation: de cómo perderse en los fragmentos de comportamiento de otras personas puede llevarnos al punto en que nuestra propia vida se disuelve. Nos cuenta cómo Coppola y Scorsese se conocieron, en el Festival de Sorrento. Presenta a Scorsese con la frase: “Luchábamos por abrir la forma”, y nos dice que esa frase resume a la generación de los setenta. Luego nos habla de Mean Streets, un retrato de la sociedad y de las calles en las que creció Scorsese. Nos lleva al mundo de Taxi Driver y de cómo la idea era tratar el tema del existencialismo en el contexto norteamericano. A partir de la mesa del restaurante donde De Niro discutió con Scorsese la realización de Raging Bull, realiza una comparación de ciertas escenas con lo que las inspiraron.

De allí pasamos al cine de Schrader y cómo retrata el vacío existencial utilizando a sus protagonistas. Cómo buscan ser rescatados, y cómo una misma escena, con los mismos ángulos de cámara ha servido para decir lo mismo en dos películas de su filmografía (American Gigolo y Light Sleeper). Y entonces, el director nos cuenta por qué la usó dos veces: simplemente porque sintió que en la segunda era donde realmente debería estar.

Habla del cine afroamericano y de los personajes judíos que tanto “éxito” tuvieron en el cine de la época. Se detiene en Annie Hall y la inolvidable escena de la langosta, y nos cuenta cómo es la heredera de la City Lights de Chaplin. Nos dice que Hopper, Altman, Coppola, Scorsese, Schrader, Parks, Burnett y Allen estaban en contra del viejo estilo de Hollywood. Ellos retrataban una realidad una actualidad norteamericana cruda. Pero nos dice que había un grupo más radical: los asimilacionistas. Estaban en contra de la vieja escuela, y retrataban el mundo del viejo Hollywood de la forma más cruda a través de metáforas cinematográficas. Cine claro, pero tenso; con protagonistas masculinos, alejado del idealismo.

Hacia el final de la hora, Cousins nos enseña el asimilacionista más radical: Terrence Malick. Nos dice que su cine es resultado de la influencia de la filosofía (su rama de estudio). Sospecho que quienes no terminan de entender el cine del director podrán entender mucho más viendo cómo Mark Cousins habla de él.

Mark Cousins cierra la novena hora de Story of Film: An Odyssey con Chinatown, quizás porque es la película que mejor resume el cine de esa década. Burla de la sociedad con un estilo descarado, viejo estilo de Hollywood mezclado con las nuevas verdades, eso es el cine norteamericano de los setenta. Por supuesto que afuera de Estados Unidos también se hizo cine en esa década, pero para eso debemos esperar a ver la siguiente hora del documental.

Este repaso se me hizo demasiado superficial, aunque, como siempre, no desilusiona por la cantidad de detalles que nos deja. Quizás sea que el cine de los setenta en los Estados Unidos es de los que más se ha analizado, y por tanto me he quedado con sabor a poco. Pero a la vez, es que hay tanto de lo que hablar, y sólo tiene una hora para cubrir cada década, que es imposible cubrirlo todo. De todas formas, he disfrutado mucho repasando algunas de mis películas favoritas y directores que admiro junto a este maravilloso profesor de Historia del Cine.

10 nov. 2012

Ruby Sparks

Este post contiene spoilers, así que os recomiendo que la veáis antes de seguir leyendo si no queréis saber mucho sobre Ruby Sparks (que es ideal, como siempre os digo).

Creo que nunca os he contado: este blog nace de la suma de dos pasiones: el cine y escribir. Hace unos meses, con mucho tiempo libre encima, comencé a escribir una novela. Como varias cosas, la he dejado aparcada. Creo que este blog es una de las pocas cosas en las que soy medianamente constante. El famoso writer’s block me ataca mucho, pero el cine siempre me despierta la necesidad de comunicarme y compartir, por lo que el blog me permite ejercitar y continuar escribiendo.

Ruby-Sparks

Por eso, cuando supe que Jonathn Dayton y Valerie Faris, los directores de Little Miss Sunshine –una de las películas con las que más me he reído- habían rodado una película sobre un escritor, comencé a sentir curiosidad. Sabía que ellos sabrían mostrar eso que conozco de una forma que disfruto. Y, quién sabe, quizás me inspirasen. Aunque la premisa de Ruby Sparks me pareció algo que ya he visto, quería ver qué hacían con ella. Así que me arriesgué.

- Why do you think you're not writing? (¿Por qué crees que no escribes?)

- I don't know. I get a good idea and then, bam! I start thinking that it's the stupidest thing ever... (No sé. Tengo una buena idea y luego, ¡bam! Empiezo a creer que es la cosa más estúpida)

Adoré la descripción de Ruby. Simple y a la vez llena de detalles curiosos. Mi favorito:

- She can feel a change coming, she’s looking for it. (Siente venir el cambio, lo está buscando)

- Looking for what? (¿Buscando qué?)

- Something new. (Algo nuevo)

Me encantó cómo retrataron las conversaciones con Ruby, cómo las montaron. Me identifiqué con esa sensación que tenemos cuando estamos inspirados y escribimos sonriendo, porque nos gustaría escuchar o vivir lo que escribimos (o porque recordamos claramente un momento similar y lo estamos incorporando a la historia). Se me hizo tan ridícula en ciertos momentos que no podía hacer más que reírme. Tan llena de clichés, que esperaba que en cualquier momento pasara algo que me demostrara que todo era sarcasmo.

Me gustó mucho que el guión tenía líneas “inteligentes”. Que a pesar de que la historia tuviera todos los ingredientes de un cine que ya he visto, se podía leer entre líneas que más adelante había algo por descubrir. Y entonces, cuando empezaba a creer que todo era demasiado perfecto, la realidad golpeó a Calvin. Y a mí. Y comencé a analizar la historia desde la necesidad que tienen algunos de controlar al otro para sentirse menos solos. Y de cómo por más que uno crea que otro es perfecto, ese otro tendrá personalidad propia. Y -eso que esperaba más que nada- cómo lo que a veces deseamos tener se convierte en una pesadilla. Al fin: allí estaba lo que estaba esperando ver desde el minuto uno.

- She wasn’t happy, so I made her happy. And now she’s like this. (No era feliz, así que la hice feliz. Y ahora está así.)

Fue genial ver cómo los seres humanos no nos contentamos con nada, ni siquiera con lo que siempre quisimos. Me reí, como suele ocurrir cuando veo que el cine retrata la realidad de una forma tan simple. Ver cómo somos, cómo nada nos alcanza, y cómo la rabia es capaz de hacernos hacer cosas que pueden herir a otros. Lo egoístas que podemos llegar a ser, y lo poco que nos importa destruir a otros cuando estamos enfadados. Ruby Sparks también habla del poder, y en qué podemos convertirnos cuando lo tenemos.

Cuando me senté a ver Ruby Sparks –sin haber visto el trailer- esperaba reírme. Y esperaba reflexionar, pero no tanto. No esperaba quedarme asombrada con lo dura que puede llegar a ser la interpretación de la película. En el momento más duro de la historia no esperaba que diera el vuelco que dio, realmente no sabía qué esperar. Me sorprendió. Pero creo que en cierto modo ese vuelco acompaña la reacción del espectador que, como yo, está interpretando la historia y reflexionando a partir de ella. A veces la vida nos golpea tan fuerte que en un instante vemos todo, reaccionamos. Eso le ocurre a Calvin, y a mí creo que también me ocurrió viendo la película.

- That’s what you’ve got over any other schmuck with a broken heart, you can write about it. (Tienes esa ventaja sobre cualquier otro tonto con un corazón roto: puedes escribir sobre ello.)

- Who’d want to read it? (¿Quién querría leerlo?)

- A lot of people. (Mucha gente)

¿El final? Quizás demasiado bonito para mi gusto. Quizás la habría terminado antes. Pero cuando ella le dice: “Just don’t tell me how it ends, ok? (No me digas como acaba, ¿vale?)”, y él responde “I won’t. I promise (No lo haré. Lo prometo)”… no pude evitar sonreír. En el fondo creo que soy blandita, y que ese final no me pareció tan malo.

Trailer en VOS

8 nov. 2012

6 segundos y seguro que te asustas

Este es uno de mis cortos favoritos. Lo he compartido antes en Facebook, estoy casi segura, pero tenía que ponerlo aquí también. Es simple, dura seis segundos, combina animación y vampiros –dos cosas que me encantan-, y seguro que a varios os hace saltar de la silla.

¿A que ha sido divertido?

7 nov. 2012

The Amazing Spiderman

Las películas de Spiderman no son lo mío. Vi las primeras dos con Tobey Maguire como protagonista y pensaba que era suficiente. Pero cuando este año se estrenó The Amazing Spiderman tuve ganas de verla. ¿Por qué? Porque sólo con ver el trailer sabía que sería diferente: Spiderman parecía tener personalidad. Y, claro, que Emma Stone, Andrew Garfield y Rhys Ifans fueran cabezas de cartel fueron la guinda.

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No me equivocaba. Si bien la película no es una obra maestra –los efectos especiales me parecieron bastante mediocres-, me gustó mucho la personalidad que le dieron a Peter Parker y cómo lo interpretó Andrew Garfield. Emma Stone me encantó simplemente por su presencia –normal-, aunque el papel no le exigía demasiado más que verse guapa. Rhys Ifans me gustó, quizás me gustó más su versión “mutante” que la humana; pero me pareció un villano interesante (y me encanta verle hacer esos papeles).

The Amazing Spiderman, además, tiene momentos bastante interesantes. Por ejemplo, esa escena cerca del final con las grúas alineadas (no diré nada más para no spoilear). Tiene una banda sonora que me pareció muy buena, incluida cierta canción que esperaba escuchar (aunque esperaba escucharla más). Como he dicho más arriba, quizás lo que menos me gustó fueron los efectos especiales. Aunque algo me dice que, como suele ocurrir, estaban pensados para 3D –y la he visto en 2D-. Pero, en general, me gustó mucho el resultado.

Trailer en VOS

Cierto es que, en su momento, las Spiderman de Tobey Maguire también me habían convencido. Pero luego de ver dos ya estaba más que agotada del personaje. Y también es cierto que no sé si me atraería ver una “secuela” de The Amazing Spiderman. Algo me dice que sólo por los implicados la vería. Es verdad. Habrá que esperar y ver qué ocurre.

2 nov. 2012

Creepy Halloween 2012: Plan 9 From Outer Space

La maratón de este año alcanzó su punto máximo son un grande: Edward D. Wood Jr. y su Plan 9 From Outer Space. ¿Qué mejor que ver “la peor película de la historia”?

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Por supuesto, adoré  ver aquello que Tim Burton homenajeó en su momento con Ed Wood, y por supuesto, me encantó ver cómo Burton había recreado casi exactamente los decorados y las escenas. Me encantó ver a Vampira. Y no pude evitar comprararla con Glen or Glenda, mi primera experiencia viendo “el peor cine de la historia”. Dado que no era mi primera vez viendo cine de Edward D. Wood Jr., supongo que ya sabía qué esperar, pero confieso que me sorprendió ver que Ed mejoró un poco comparado con su primera película. Los efectos, aunque malos, no me parecieron taaaan horribles. Malos, sí, pero esperaba cosas menos elaboradas. Comparado con el desastre que es Glen or Glenda realmente no veo que sea tan mala.

Claro que Plan 9 From Outer Space no es una joya del cine; pero no sé si la calificaría de la peor de la historia. También es verdad que siempre defendí a Edward D. Wood Jr. con el argumento de que hoy se hacen películas casi tan malas, que él no contaba con un equipo de gente que podía realizar un trabajo medianamente bueno para echarle una mano, y que quizás de tener el apoyo de algún estudio decente podría haber llegado a ser otro director más que pasó sin pena ni gloria por Hollywood. Lo que hacía de Edward D. Wood Jr. un director único era que a pesar de tener todo en contra seguía adelante y creía en sí mismo. En cierto modo le admiro por no dejar que nadie le matara su sueño. Y quizás por eso me gusta ver su cine y comprobar que no era tan malo como su fama.

El guión es bastante incoherente, la historia bastante bizarra, los actores bastante malos, el montaje… todo. Sí. Pero, ¿realmente se trata de la peor película de la historia? Quizás no. De todas formas, ha dejado su huella, y eso me alegra (por todos los motivos que listo más arriba defendiendo al director). Miedo no he pasado, me he aburrido y me ha parecido malísima; pero me quité las ganas de verla y siempre me pone de buen humor ver al gran Bela Lugosi.

1 nov. 2012

Creepy Halloween 2012: Abraham Lincoln y los vampiros

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Segunda película de mi maratón de Halloween y, por supuesto, tenía muchas ganas de repetir con Burton. Así que escogí una película que le tienen en los créditos como productor: Abraham Lincoln: Vampire Hunter. No es el tipo de cine que suelo ver: los efectos especiales no son lo que prefiero. Pero si Tim Burton había confiado en esta historia, yo también confiaba. Y porque ya había tenido una buenísima experiencia con 9 (también producida por Burton), estaba claro que Abraham Lincoln: Vampire Hunter tenía que estar entre las elegidas de este año.

¿Qué decir? Sigue sin ser el tipo de película que escogería en otras circunstancias. Los efectos especiales me superaron, no termino de disfrutar de tanto truco. Supongo que en 3D ganan (la he visto en 2D); pero es que no son lo mío. Claramente. Sin embargo, algo me gustó muchísimo: el montaje. Si bien por momentos se llega a abusar de algunos recursos de montaje, me gustaron. La fotografía también me resultó interesante, con los ocres, los grises los azules y los detalles –infaltables- en rojo. La escena de la “cena”, con el cambio de tono en el momento en que la tensión aumenta… muy bueno. Estéticamente me convenció.

Ahora, lo de que sea Lincoln y tal… vale que viene de la novela; pero no termino de verlo. Da igual, podría haber sido cualquiera. A nivel histórico tiene su sentido; sí. Hay un cambio de actitud del protagonista que también permite generar aún más conflicto y hace que la historia continúe; pero es que no me ha logrado conquistar. La historia en sí tiene mucho de lo ya visto –y leído- sobre vampiros en Norteamérica. De novedoso poco, sólo lo de adaptarse a la luz del día (que sigo sin verlo, con lo de la niebla de Twilight quise creerlo, pero es que aquí están bajo el sol con protector solar…).

Trailer en VOS

Confieso que me aburrí. Pero también que sospecho que si este tipo de cine con tantos efectos especiales me gustase más quizás me lo habría pasado mejor. Se me hizo larga. No me atrapó la historia. Me recordó mucho a Sherlock Holmes, y lo poco que me había gustado. Exactamente lo mismo. Me cuestiono qué habrá llevado a Tim Burton a invertir en este tipo de cine, pero supongo que él habrá visto algo que yo no logro encontrar en el producto final, y que quizás otros sí verán/han visto. Los que ya la habéis visto, ¿qué os ha parecido?

31 oct. 2012

Creepy Halloween 2012: Frankenweenie

Ha llegado mi noche favorita del año. Hoy los muertos y los vivos se confunden entre dulces y disfraces, las travesuras están a la orden del día y todo puede pasar. Por eso, he decidido inaugurar mi serie anual de entradas de Halloween con Frankenweenie, una peli que –aunque no es de horror- habla de la vida y la muerte.

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Tenía muchísimas ganas de verla. Compartí hace poco el cortometraje original de Tim Burton, y no veía la hora de compararlo con el largometraje producido por Disney. Esta vez no tenía miedo de lo que me iba a encontrar. Por una vez estaba segura de que Disney iba a dejar a Tim Burton hacer lo suyo. Y no me equivoqué. Maravilla de película.

Los que habéis visto el corto tendréis una idea de lo que es la idea general de la historia, pero os recomiendo que –como yo- intentéis ir a ver Frankenweenie sin saber qué cosas nuevas ha incorporado Burton. ¿Por qué? Porque lo nuevo es muy bueno, y verlo sin saber qué va a ocurrir lo hace mejor. De verdad, os va a encantar.

Frankenweenie me hizo reír. Mucho. Y me hizo llorar. Mucho. Fui acompañada de una amiga que no había visto el corto y me dijo que estaba sorprendida de lo mucho que se emocionó con una animación. Creo que no exagero si os digo que toda la sala estaba conmovida. Y yo, que ya sabía lo que iba a pasar, me emocioné mucho más con la peli que la primera vez que vi el cortometraje. Tim Burton lo hizo otra vez: salí del cine sonriendo y encantadísima con lo que había visto. Al menos esta vez creo que todos estaremos de acuerdo en que Frankenweenie es buenísima.

25 oct. 2012

Twixt

Desde que vi el trailer de Twixt tenía mucha curiosidad en verla. Primero, porque Francis Ford Coppola me encanta. Segundo, porque no entendía muy bien qué iba a ver. Tercero, porque había amado Tetro, y esperaba de algún modo ver algo similar.

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Digamos que me encontré con algo… que me sorprendió. Coppola y los vampiros no era algo nuevo, pero no esperaba encontrarme con algo similar a Secret Window. No esperaba ver lo que vi. Estéticamente me encantó: la fotografía, el vestuario. En cuanto a guión, me pareció muy similar a algo que ya he visto (por ejemplo, la serie American Horror Story). De Tetro, nada. Eso me pasa por mirar cine con expectativas, quizás. No sé, no se me hizo muy Coppola. Se me hizo, quizás, demasiado “sencilla”.

Me cuesta reconocer que una película de un director al que admiro me ha parecido floja; pero debo reconocer que Twixt me dejó un poco fría. Recuerdo cuando fui a ver Tetro y era una de las pocas personas que salió enamorada de la sala. Recuerdo que estuve días pensando en ella, recordando las imágenes que me había regalado. Aún hoy suspiro cuando recuerdo los primeros planos y el brillo en los ojos de Vincent Gallo. ¿Por qué no me regalaste lo mismo, Francis? Visualmente quizás me hiciste un regalo, pero no me dejaste suspirando, y dudo que en un par de años recuerde Twixt y me den muchas ganas de verla…

23 oct. 2012

Elizabethtown

En 2005 vi Elizabethtown. No me gustó. O mejor dicho: no logré conectar con ella. En 2012 volví a verla, porque sé que todo lo que ha hecho Cameron Crowe me ha tocado y estaba segura de que Elizabethtown y yo teníamos que darnos una oportunidad más. Y estaba en lo cierto. No sólo me gustó, sino que logré conectar con el tema de la pérdida y cómo la vida debe continuar. Además, la banda sonora –como en todas las películas de Cameron Crowe- es perfecta.

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Quizás lo que más me gusta es la maravillosa escena del monólogo de Susan Sarandon, que acaba con ese bailecito al son de “Moon River” (y conmigo completamente emocionada). Quizás es que los guiones de Cameron Crowe son excelentes, que disfruto tanto leyéndolo como viendo su cine. Quizás es que adoro a los personajes que crea. Quizás es que simplemente necesitaba ver Elizabethtown porque, como suelo decir: siempre hay una película adecuada para el momento de tu vida por el que estás pasando, y verla en ese momento hace que la vida tenga un toque de magia.

No, no he perdido a nadie. Quizás me he perdido a mí misma, como Drew, porque de alguna forma Elizabethtown esta vez me llegó muchísimo más que en 2005. Lo cierto es que me hizo pensar cuántas veces vamos por la vida diciendo “de este agua no he de beber” y  tiempo después nos encontramos  bebiendo sedientos de ese grifo. La vida da vueltas y muchas cosas cambian. Lo que no cambia es que siempre hay cosas de uno mismo por descubrir, y por eso no debemos negar oportunidades. Ni primeras, ni segundas. En el cine y en la vida. Y hasta aquí mi reflexión.

Trailer en VO

21 oct. 2012

Lumière

David Lynch participó en 1995, junto a otros cuarenta directores, de un proyecto llamado Lumière and Company. ¿De qué se trataba? Simple: armados de un cinematógrafo (la primera cámara, inventada por los Lumière) y un rollo de 52 segundos de cinta, los directores debían realizar un cortometraje. Las reglas: No podían utilizar otra cinta, no habría sonido sincronizado, y sólo podían hacer tres tomas. El resultado del ejercicio de Lynch: Lumière.

18 oct. 2012

Freaks

Freaks es una película que tenía en la lista de pendientes. La razón es simple: las películas que retratan a seres “diferentes” me encantan, pero me emocionan demasiado. Y las guardo para esos momentos en los que creo que puedo apreciarlas mejor. Sin embargo, no me decidí a verla por años, hasta que una conversación me despertó las ganas de tacharla de la lista.

Freaks

El mundo de los circos, las ferias y los freaks siempre me pareció interesante. Me hace pensar que, a pesar de verlos como un espectáculo, de alguna forma estos “fenómenos” supieron encontrar su lugar en un mundo frío y superficial. Vivían fuera de la sociedad, dejaban que les explotasen, sí. Quizás no era lo mejor, pero al menos no estaban solos. O eso quiero creer. Por eso, Freaks como retrato de ese mundo, contándonos la vida que llevaban y las historias detrás de las personas de ese mundo me interesaba mucho.

Por supuesto que me encontré con la clase de película que esperaba, una que habla justamente de todo aquello que me interesaba y que lo hace una forma inocente y dura al mismo tiempo. Una película que, como siempre, retrata a los “normales” como los villanos que podemos llegar a ser. Por supuesto que no todos somos así, y eso también lo deja claro.

Y además, Freaks retrata a un grupo unido, que se acompaña. Algo que no se suele ver en las películas con personajes diferentes, y algo que apoya mi teoría de que la gente que vivía de este modo se sentía menos sola en este mundo. No nos habla de personajes indefensos, sino de un grupo de amigos que se apoya y se defienden unos a otros, y eso me ha encantado. Sobre todo el final (o uno de los finales, hay varios).

Y, sí, he relacionado Freaks con el cine de Tim Burton. Inevitable. Clara influencia, además de tratar el mismo tema que Burton en su cine. Me recordó mucho a Big Fish, obviamente. Pero también a Ed Wood, y por momentos pude ver en sus personajes a algunos de los que aparecen en su cine animado, Beetlejuice… era inevitable.

15 oct. 2012

La Odisea de Cousins: Los 60, el modernismo y la revolución

A Hard Day's Night

Mark Cousins sí que sabe cómo engancharnos desde el comienzo con su Story of Film: An Odyssey. Cada hora comienza con algo que nos atrae, y la octava no se queda atrás: Roman Polanski abre el capítulo. ¿Y con qué sigue? Animación. Si eso no es saber conquistarme, nada lo es.

Cine polaco, húngaro, checo, pakistaní; cine del que se habla poco aún en las clases de Historia del Cine. Ese cine es del que nos habla Cousins en la octava hora. También habla del cine soviético, británico y asiático, sin dejar de nombrar a su adorado Ozu. También nos habla de la relación del cine (y el Cinema Novo) con las revoluciones, cómo el cine retrata los momentos históricos y los cambios sociales. Compara las formas en que se retratan las ideas políticas (Brasil, Cuba y la URSS, Pakistán).

Entre otras cosas, nos habla de A Hard Days Night, y cómo su estilo define lo que hoy conocemos como videoclip. Cómo el retrato de lo que podría ser un fin de semana de amigos podía verse en el trabajo de grandes como Truffaut y Milos Forman. Y luego nos lleva a los Estados Unidos y los documentales de los sesenta. Nos habla de documentales con el estilo de la “mosca en la pared”, esos que no contaban con entrevistas ni escenas preparadas. De cómo su influencia  y la del neorrealismo italiano pueden verse en películas como Shadows, del nuevo cine norteamericano.

Luego nos habla de Psicosis, quizás la obra más famosa de Hitchcock, y nos cuenta acerca del cine de Warhol, ese cine que influyó en el New Queer Cinema de los 90. Nos relata la caída del Old Hollywood Cinema, del nacimiento de la Generación de la Escuela de Cine, con Easy Rider como abanderada.

La octava hora de Story of Film: An Odyssey termina con 2001: A Space Odyssey. Cousins habla de Walter Rutman, de todo lo que la película de Kubrick significa. Cierra explicando cómo el cine, ese lenguaje que habla de la forma en que vemos el mundo, no evolucionaría. No, volvería atrás con la llegada de los setenta. Y cuando lo dice suena una música bastante “aterradora”, pero habrá que esperar a ver la novena hora para comprobar cuán “aterrador” es este retroceso.