30 dic. 2011

Resumen 2011

¡Se nos termina el año una vez más! Como hice en 2010, os dejo un trailer con algunas de las películas estrenadas este año. ¿Cuántas de ellas habéis visto? ¿Cuáles fueron las mejores? ¿Cuáles desilusionaron? ¿Cuántas quedan por ver?

 

2011 pasó demasiado rápido. No he tenido tiempo de reflexionar, y aún no sé si ha sido un buen o mal año a nivel personal. Como siempre intento que cada año haya una experiencia memorable; y como suelo llevarme sorpresas agradables, normalmente no me puedo quejar. Podría haber sido mejor, sí; pero creo que no fue tan malo. Al menos para mí. ¿Qué tal vuestros 2011?

A nivel cinematográfico debo confesar que vi más de lo que escribí por aquí, y que estuve viendo muchísima ficción para televisión. Creo que ha sido positivo, aunque también sospecho que la mayoría de las veces escribí sobre películas que me inspiraron y me gustaron. ¿Lo comprobamos?

Lo positivo:

 

Lo negativo:

 

Aquello que no puedo clasificar:

Parece que sí, que me ha gustado la mayoría de lo que he visto. Y también que he visto varios de los títulos que están apareciendo en los premios, cosa que no suele ocurrir (siempre estoy apurando unos cuantos títulos antes de los Oscars). Queda bastante por ver, y alguna que otra cosilla ya está esperando ser publicada. Por lo pronto os dejo, deseando que el 2012 llegue lleno de cosas buenas para todos, con muchas oportunidades y experiencias nuevas; y con mucho cine del bueno. ¡Nos leemos!

27 dic. 2011

The Tree of Life: cuando el cine nos hace pensar

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La cantidad de opiniones completamente opuestas acerca de The Tree of Life despertó mi curiosidad al punto en que moría por verla. Apenas empezó, me pasó que –contrario a lo que me habían dicho- me enganché muchísimo y adoré las imágenes que veía. Me gustó el contraste que se planteó entre los personajes y también la forma en que son presentados.

Brad Pitt está maravilloso en su papel de padre/guía. Siempre dije que me parecía que era un buen actor, pero cuando hace papeles como éste es cuando lo confirmo.

Jessica Chastain definitivamente me ha ganado (¡con sólo dos películas!). Luego de verla hacer un papel que poco tenía en común con este en The Help, y viendo lo que es capaz de hacer bajo las órdenes de Terrence Malick, compro. Me encanta esta mujer y quiero ver más de ella. Y creo que ha sido una elección correcta para el papel de Lady Di, lo va a bordar.

Y Sean Penn, ¿qué decir de un ACTORAZO que a mis ojos es incapaz de hacer algo mal? Puede aparecer en pantalla medio segundo y mirar fijo a la nada, que para mí ya se merece un Oscar. Bueno, no tanto, pero casi. Verlo ya es para mí un placer, y lo que hizo lo hizo muy bien.

En cuanto a la película en sí, tanto a nivel banda sonora, como fotografía y montaje, es maravilloso. Las imágenes del espacio acompañadas de música coral me dejaron sin aliento. Me costó bastante relacionarlas al principio con la historia, al igual que me costó captar en un principio qué tenían que ver los diálogos con las imágenes en algunas escenas. Realmente es de esas películas en las que hay que prestar atención (o rebobinar cada dos minutos si estamos viendo el DVD).

Entiendo a la gente que se cabreó al ver la película, básicamente porque hay momentos en los que uno piensa “¿pero qué estoy viendo?”. Pero por otro lado, me recuerda de algún modo a cuando vi Hiroshima Mon Amour por primera vez. Me costó entender la relación entre algunas imágenes y seguramente habrá gente que se aburrió al verla. The Tree of Life es una película difícil de ver, más para un público que está acostumbrado a que se le de todo masticado y no tener que pensar mucho.

Personalmente, disfruto viendo y reflexionando, así que por cada imagen que aparecía en pantalla me preguntaba qué era lo que quería decir con ella, y la relacionaba con la anterior. Me gustó mucho hacer este tipo de conexiones y de algún modo “jugar” con las imágenes que veía. Pero entiendo que el espectador que va al cine a divertirse se sienta estafado. Normal, está frente a una película diferente. Y maravillosa.

Me lo pasé genial viendo The Tree of Life. Además de parecerme una belleza a nivel visual, la película me despertó sensaciones, me hizo recordar cosas de mi propia infancia, y me hizo reflexionar acerca de la vida, los amigos, la familia, el bien y el mal, la pérdida de la inocencia. Y creo que mis sensaciones no estuvieron muy lejos de la intención de Terrence Malick con esta película.

Un dato interesante: Las imágenes del universo, esas que digo que intenté conectar… el dato es que la intención no era más que conceptual. No eran parte de la narración, simplemente conceptos relacionados. Son opciones, de esas que a mí me gustan mucho. Y me atrevo a decir que si esas personas que salieron de las salas de cine se hubiesen quedado un poco más, habrían visto una película magnífica. A veces hay que abrir un poco la mente y no reaccionar negativamente ante algo nuevo. O quizás se trataba de una treta del propio Malick, una forma de hacer pasar al espectador por una prueba visual antes de entregarles la película. Sea como sea, para mí es un trabajo excelente.

Por último, os recomiendo que visitéis la web creada para la peli, que está diseñada a partir de los dos caminos que se pueden tomar: el del padre y el de la madre.

24 dic. 2011

Curiosidades navideñas: ¡Qué bello es vivir!

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Se trata de la única película que Frank Capra produjo, financió, dirigió y coescribió; quien confesó más de una vez que It’s a wonderful Life es una de sus películas favoritas. Originalmente, It’s a Wonderful Life iba a ser estrenada en 1947; pero Technicolor no pudo entregar copias de Simbad the Sailor para el estreno navideño de la RKO de 1946, y se decidió que se estrenase la película de Frank Capra. Los títulos no se corrigieron, y por ello podréis ver que la película tiene un copyright de 1947.

It’s a Wonderful Life debutó una semana después de The Best Years of Our Lives (William Wyler). Fue un desastre de taquilla – recaudó 3,3 millones y costó 3,7- y no fue exitosa en los premios de la Academia ese año. Sin embargo, ha obtenido varios reconocimientos:

  • Fue votada la número 1 en la lista de películas “100 Years, 100 Cheers” del American Film Institute (2006)
  • Elegida la Película más poderosa de todos los tiempos por el American Film Institute (2006)
  • Es el número 20 en la lista de las Mejores películas de todos los tiempos (2007)
  • Ocupa el tercer puesto en a listo de las 10 mejores películas fantásticas (2008)
  • Fue segunda en la votación de la Mejor película que no obtuvo Oscars de la BBC (2004)

 

Algunos datos técnicos y secretos de rodaje

It’s a Wonderful Life fue rodada durante una ola de calor. Tanto calor hacía, que Frank Capra decidió suspender el rodaje durante un día pata que el equipo se recuperase. Se utilizó un total de 350.000 pies de cinta. La película terminaba con “Oda a la Alegría” sonando, no “Auld Lang Syne”. Cuando la composición original de Dimitri Tiomkin fue eliminada, se decidió recurrir a las composiciones de Alfred Newman para The Hunchback of Notre Dame. De ahí sale el “Aleluya” del coro.

Antes de It’s a Wonderful Life, los copos de nieve que se utilizaban para las películas eran copos de maíz pintados de blanco. Como los copos de maíz causaban demasiado ruido el diálogo debía doblarse posteriormente. Capra quería grabar el sonido directamente; por lo que se desarrolló un nuevo efecto para la nieve con la espuma química que se utiliza para apagar fuego, agua y jabón. La mezcla se expulsaba a alta presión a través de un ventilador para recrear la nieve cayendo, sin sonidos molestos. En total, se utilizaron 6.000 galones de “nieve”. El departamentos de efectos de la RKO recibió un premio de la Academia por el nuevo invento.

 

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El nombre “Bedford Falls” es una combinación de Bedford Hills (en Westchester County New York), y Seneca Falls, un pequeño pueblo a medio camino de Rochester y Syracuse. El pueblo que menciona el empleado del banco, Elmira, es un pueblo real, cercano a Seneca Falls. El set de “Bedford Falls” se construyó en dos meses, y fue uno de los sets más largos construidos para una película norteamericana: cubría un total de 4 acres del rancho de Encino de la RKO. Además, incluía 75 tiendas y edificios, un distrito industrial y un área residencial. La calle principal cubría un total de 300 yardas. Las escenas de Bailey Park fueron rodadas en La Crescenta, California. El suelo del gimnasio -que se abre para revelar una  piscina- era real: era el del gimnasio de la Beverly Hills High School en Los Angeles.

Frank Capra quería que las escenas resultasen reales hasta para los actores, por lo que decidió rodar el primer beso entre Stewart y Reed al mismo tiempo que rodaba la conversación telefónica, con Sam Wainwright (Frank Albertson) en otro set (la oficina de Wainwright en New York) en el estudio Pathe de la RKO. James Stewart  estaba nervioso de rodar esta escena: era su regreso a Hollywood después de la guerra. La escena se rodó en una toma, sin ensayo, y funcionó tan bien que parte del abrazo tuvo que ser cortado porque resultó demasiado apasionado para los censores.

Cuando el tío Billy abandona borracho la casa de George, se escucha cuando se choca contra unos cubos de basura en la acera. La realidad es que, durante el rodaje, un miembro del equipo dejó caer parte de su material de trabajo en ese preciso momento. Los actores continuaron con la escena  -se escucha “¡Estoy bien, estoy bien!”-. Capra  decidió utilizarlo en el corte final, y dio al utilero diez dólares como premio “por mejorar el sonido”.

Para la escena en la que Donna Reed lanzaba una roca a la ventana de Granville House, Capra contrató a alguien para que lo hiciese por ella. Para sorpresa de todos, Donna Reed lanzó tan bien que rompió la ventana.

Mientras se rodaba la escena en que George reza en el bar, James Stewart estaba tan emocionado que comenzó a llorar. Frank Capra editó la toma para que el plano fuese más cercano que el original, ya que quería captar la expresión facial del actor.

En la escena del puente, en la que Clarence salva a George, fue rodada en un lote trasero durante un día caluroso (aproximadamente 30ºC). Si observáis atentamente, veréis a un sudoroso James Stewart.

De carteles: 1) En el momento en que el oficial Bert dispara a George, la S, la V y la I del cartel de “Pottersville” se apagan, 2) Aunque en los créditos se llama “Mr. Potter”, sabemos -por la escena en su oficina- que el personaje se llama “Henry F. Potter”.

Dalton Trumbo, Dorothy Parker, y Clifford Odets no recibieron crédito por su trabajo en el guión. Además, hubo un cambio en el guiópn original: Clarence debía confrontar a Potter sobre lo que hizo a George, y tenía que ocurrir justo después de que Potter gritase "And Happy New Year to you, in jail!" (¡Y feliz año nuevo para ti, en la cárcel!).

El guión tiene dos líneas de “diálogo secreto” que se dicen a través de una puerta (podréis oírlas si subís mucho el volumen). Son dichas al final de la escena en la oficina de Bailey, en la que aparecen Bailey, George y Potter. Después de que George dice a Potter “no puedes decir eso de mi padre”, su padre le saca de la habitación, entonces se ve a George fuera de la oficina. En ese momento, George escucha: POTTER: ¿Cuál es la respuesta? BAILEY: Potter, acabas de humillarme frente a mi hijo.

 

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Sobre el casting

  • Jean Arthur fue la primera elección de Frank Capra para el rol de Mary. Lo rechazó, porque ya tenía un compromiso en Broadway.
  • Sheldon Leonard aceptó interpretar a Nick (el bartender) para poder comprar entradas para un partido de los Dodgers.
  • Lionel Barrymore convenció a James Stewart de que interpretase a George.
  • El rol de George Bailey fue desarrollado por otro estudio para ser interpretado por Cary Grant. Cuando Frank Capra heredó el proyecto, lo reescribió para James Stewart.
  • Era el primer papel protagónico de Donna Reed.
  • Se consideró a Vincent Price para el papel de Mr. Potter.
  • Se ofreció a Ginger Rogers el papel de Mary, pero ella no aceptó. También se ofreció este papel a Laraine Day, pero tuvo que rechazarlo porque estaba ocupada con “The Locket”.

James Stewart volvió a interpretar a su personaje en una versión para la radio de una hora, emitida por la NBC en 1949; y en otra de media hora adaptada por la “Screen Director’s Playhouse”. Stewart y Donna Reed ya lo habían hecho juntos en 1947, en el primer “Lux Radio Theatre” (marzo) y en “Camel Screen Guild Theatre” (diciembre). En la versión de Lux, en lugar de ponerse los pétalos de Zuzu en el bolsillo, George tiene una campana con la que Zuzu suele jugar.

22 dic. 2011

Una navidad en stop-motion

Os dejo un pequeño regalo navideño adelantado. Este cortometraje navideño, Winter Tale, me parece de lo más tierno. ¡Espero que os guste!

 

18 dic. 2011

Melancholia

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“The Earth is evil. We don’t need to grieve for it.”

(La Tierra es malvada. No debemos lamentarnos por ella)

Estoy enamorada de las secuencias iniciales del cine de Lars von Trier. Me pasó con Antichrist y se repitió con Melancholia: es empezar la película y quedo de boca abierta, completamente enamorada de lo que veo. Genio máximo, la combinación de imágenes y música que consigue este hombre me quita el sueño. Melancholia comienza con una mezcla de imágenes que resumen el tema de la película, un poco siguiendo la línea estética de Antichrist.

Y no sólo en la estética coincide con Antichrist, sino que utiliza una forma de narrar la historia similar, a partir de capítulos. Cada capítulo se centra en una de las hermanas. Al principio y al final de la película, la fotografía continúa en la línea estética de su trabajo anterior. Luego parece irse más por el camino de Dogville, con alguna cosilla que me recordó a Dancer in the Dark. La música es maravillosa a lo largo de toda la película, me gustó muchísimo.

Tanto Kirsten Dunst como Charlotte Gainsbourg hacen un trabajo correcto en la película. A Charlotte Gainsbourg la he visto hacer cosas mejores, pero me ha gustado como interpretó a su personaje. Kirsten Dunst también me gustó, aunque creo que de por sí este tipo de personaje pega con ella y su cara.

El final es, como todo lo que hace Lars von Trier, una mezcla de preciosidad con incomodidad. Pero fue uno de los pocos momentos perturbadores de la película. De hecho, sufrí mucho menos viendo Melancholia de lo que sufrí con, por ejemplo, Antichrist. Lo que me desilusionó un poco es que esperaba que -como en Antichrist- la película tuviese alguna especie de mensaje, de idea, algo. Creo que aquí no lo hay. Sí se observa el comportamiento del ser humano frente a determinadas situaciones; pero poco más. Quizás el tema es ese, cómo cada una de las hermanas se enfrenta al final de algo. Y a la melancolía, claro.

Debo decir que comparada con lo que he visto antes de Lars Von Trier, Melancholia es un trabajo flojo. No me gustó tanto, no me removió por dentro como lo han hecho las otras. Es una pena, porque esperaba enamorarme perdidamente de ella. Eso sí, visualmente no falla, una belleza. Quizás es que, en el fondo, disfruto cuando las películas de Von Trier me hacen sufrir.

15 dic. 2011

Sleeping Beauty: lejos del cuento de hadas

Quise ver Sleeping Beauty incluso antes de saber de qué se trataba. Luego de ver el trailer, estaba obsesionada con verla.

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“Rise up and walk. None of your bones are broken”

(Levantate y anda. No tienes huesos rotos)

Con Sleeping Beauty me angustié desde la primera escena. Sabía que no era una película “fácil”; pero la escena del comienzo me puso los pelos de punta. Me gustó. Me gusta que las películas me hagan sentir cosas, y más me gusta que empiecen fuerte.

Emily Browning me gustó mucho, no esperaba que lograse interpretar un personaje con tantos matices de un modo tan creíble. Lucy es bastante fría y cínica, pero tiene algo que hace que a uno le caiga simpática. Me gustó la relación de Lucy con Birdman (Ewen Leslie), porque es quizás el momento en que se la ve más humana. Después, durante el resto de la película, el personaje es tan extraño y enigmático como la historia. Y las escenas junto a él son quizás las más bonitas y metafóricas.

A medida que pasaban los minutos, la película comenzó a hacerse más incómoda, cosa que esperaba. Y no sólo eso, sino que también Lucy empezó a ser algo más que un personaje frío con algunos momentos de humanidad. La única escena que no me resultó creíble fue la que se supone que es la más desgarradora. En ella Emily Browning parece demasiado forzada. Me sorprendió, porque en el resto de la película hizo un trabajo muy bueno.

Una cosa que no noté hasta cerca del final es que la película no tiene banda sonora. Sólo sonido ambiente salvo en alguna escena específica. Siempre digo que la música, como todos los demás elementos de una película, es esencial para contar una historia. Y sin embargo, las películas que he visto sin banda sonora me han demostrado que no hace falta musicalizar la historia para que funcione. Y Sleeping Beauty es un ejemplo perfecto de ello: funciona genial sin música, y cuando recurre a ella consigue el efecto buscado naturalmente.

Trailer en V.O. sin subtítulos

No sé si recomendarla. A mí me pareció interesante. Incómoda, pero interesante. Y no es incómoda al nivel Von Trier, aunque tampoco tan fascinante como el material del director. Quizás un poco. Creo que sí, que puede definirse como una versión más light del cine de Lars Von Trier. Al menos yo lo veo así.

12 dic. 2011

One Day

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Anne Hathaway es razón suficiente para querer ver cualquier película. Al menos para mí. Así que no había duda de que veria One Day. Y más cuando la forma de contar la historia es tan atractiva como la que ofrece: el mismo día a través de los años. Me gustó mucho el montaje, y cómo se presentó cada día. Me gustó el antagonismo de los personajes y cómo está contado. La banda sonora de cada año está bien representada. Lo mismo hay que decir de los peinados, cortes de pelo y el vestuario.

El acento de Anne Hathaway merece un punto aparte. Creo que está inspiradísimo en Emma Thompson. Y no sólo el acento, sino el personaje completo. Quizás un poco de Helena Bonham Carter, pero en su mayoría, es Emma. Fue raro verla, pero una vez me acostumbré al acento, todo me resultó más natural. Es gracioso como cuando un actor inglés cambia su acento al americano no me choca tanto como cuando es el americano que imita al inglés.

De Jim Sturgess, a pesar de haberle visto en otras ocasiones, me había quedado la imagen de Across the Universe. El personaje es bastante detestable, y lo hace bastante bien. Me gusta que su personaje, pese a ser detestable, tiene algo que hace que ni Em ni nosotros queramos dejar de verlo y saber qué pasa con su vida.

 

Trailer subtitulado

Podría decirse que la película es predecible; pero al menos yo no esperaba que pasase lo que pasa. Al menos no al principio. Las reflexiones finales me parecieron muy bonitas. El final, las escenas finales: maravillosas.

2 dic. 2011

You better buckle up, adventure calls!*

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Este año no he tenido unas verdaderas vacaciones. Me hace falta desconectar y tachar algunas cosillas de la bucket list, así que me iré de aventura unos días. Espero regresar con las pilas cargadas y alguna experiencia que compartir, que mi destino tiene muchos rincones cinematográficos.

¡Hasta pronto y que veáis muchas buenas pelis en mi ausencia!

*Cita del piloto de una de mis series favoritas esta temporada, Pan Am.

1 dic. 2011

The Help: calentando motores para los Oscars

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La sociedad americana desde los ojos del “servicio”, las encargadas de hacer aquello que las norteamericanas sureñas de clase alta  no hacían: limpiar, cocinar, criar hijos. En realidad, creo que prácticamente lo mismo que hoy en día: las mujeres de clase alta, al menos algunas, siguen dependiendo del servicio de otras personas para hacer lo que ellas no hacen.

Tenía muchas ganas de ver a Emma Stone en un papel dramático. Me encantó verla hacer algo que le exige más que hacerme reír (para lo que es buenísima). Su papel es el de una mujer avanzada para su época, que tiene que soportar que la juzguen y critiquen por ser diferente.

Me ha gustado Bryce Dallas Howard en el papel de una racista, que logra escandalizar hasta a sus amigas con las cosas que es capaz de decir sin que se le mueva un pelo. No resultó nada difícil detestar al personaje. Aunque no es difícil, considerando las cosas que hace.

Jessica Chastain me conquistó desde la primera escena. El personaje es adorable, amigable y su relación con Minny me hizo sonreir  constantemente. La decisión de elegirla como antagónico del personaje de Bryce Dallas Howard es perfecta: ambas son relativamente similares físicamente y sus personajes tienen el mismo comportamiento, sólo que opuesto. Excelente.

Viola Davis y Octavia Spencer hacen un trabajo excelente. Si bien les ha tocado trabajar con personajes que tienen mucho en común con otros personajes de este tipo de películas, están muy bien ambas en los papeles que les tocan y resultan creíbles.

Me gustó la forma en que está contada la historia, cómo se enfoca en las criadas a través de la historia que cuenta Aibileen.Y cómo lo combina Tate Taylor con la relación entre Aibileen y Skeeter; sin dejar de lado lo que pasa en la vida de Skeeter. Me gustó que no se enfoque solamente en la historia de Aibileen, sino que nos cuenta a través de ella lo que vivían todas las mujeres de la época.

Trailer subtitulado

The Help cubre una cantidad de temas que aún siguen siendo actuales. Habla de cosas que no sólo ocurrían en el sur de los Estados Unidos, habla de cosas que hoy en día siguen ocurriendo, y habla de un modo que consigue que reflexionemos sobre ellos. The Help grita Oscar. Y espero que se lleve varias nominaciones, especialmente por los trabajos de las actrices (aunque espero que Meryl Streep se lleve el suyo por su trabajo como Margaret Thatcher). Se las merece, todas y cada una de las mujeres que trabajaron en The Help han hecho un trabajo maravilloso.

28 nov. 2011

Wristcutters, una historia de amor

Una especie de mundo paralelo/purgatorio, donde los suicidas viven vidas semi-normales? ¡Tenía que ver Wristcutters!

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Lo interesante de la película es cómo los personajes asumen esta nueva vida rápidamente, y cómo interactúan en este mundo alternativo que carece de reglas; pero funciona casi como el mundo real, incluida la existencia de policías. Por otro lado, eso es completamente normal, considerando que los personajes viven en un mundo similar y van a comportarse de modo similar a como lo hacían en vida.

No voy a contar más de la trama porque vale la pena que la veáis sin saber mucho más. ¿Por qué? Porque al menos yo no me esperaba el final (o no quise esperarlo), y espero que vosotros tampoco. Porque así la película conseguirá lo que consiguió en mí. ¿Qué? ¡Pues a verla y a comentar qué os pareció el final!

Trailer en inglés, sin subtítulos

25 nov. 2011

This is where we live: libros y stop-motion

Hace un tiempo compartí un corto de Spike Jonze que estaba ambientado en una librería. Hoy quiero compartir uno que también está inspirado y creado a partir de libros. De sus hojas, para ser más exacta.

Los creadores del corto se presentan así:

Bienvenidos a nuestra ciudad –nuestro mundo- de libros. Aquí es donde vivimos.

This is where we live fue rodado para el 25º aniversario de 4th Estate Publishers y producido por Apt Studio y Asylum Films. Se rodó en 2008, con un dolly casero, y tardaron tres semanas.

20 nov. 2011

The Darjeeling Limited: Un viaje por la India con Wes Anderson y sus personajes

Tres hermanos. Un viaje por la India. Owen Wilson, Jason Schwartzman y Adrien Brody dirigidos por Wes Anderson. La película es la continuación de un cortometraje que había visto hace un tiempo y que me había gustado mucho, Hotel Chevalier, así que había que verla.

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Lo primero que me gustó fue el colorido. La fotografía capta perfectamente el ambiente y le da vida a los colores. El tren y su decoración son excelentes. No sé suficiente sobre la India como para saber si los trenes son como el Darjeeling Limited; pero al ser un elemento que combina perfectamente con lo demás que se ve en la película, me creo que sean así.

Otra cosa que me llamó la atención es que los “secretos” entre los hermanos no son el elemento principal del guión, sino que son simplemente una forma de presentar a los personajes y el tipo de relación que hay entre ellos. También que haya elementos del cortometraje, como la música y algunos datos que continúan la historia; pero que en general no sea una continuación per se de la historia (simplemente es lo que ocurrió con uno de los personajes después del encuentro). Y me gustó mucho, pero mucho, el final.

Trailer subtitulado

Ahora tengo algo que confesar: por más que veo con muchas ganas todo lo que puedo de Wes Anderson, no termino de entenderlo. Todo comenzó con los Tennenbaum, que vi después de cansarme de escuchar que era una obra maestra. A mí no me movió un pelo. No capté el mensaje. Lo mismo me pasó con Life Aquatic, a la que tampoco le encontré la gracia.

Hotel Chevalier sí me gustó, y por ello quise ver The Darjeeling Limited. Y en este caso, si bien no capturé todo lo que supongo que se pretendía decir, mi forma de ver la historia fue diferente. Quizás eso signifique que deba volver a ver las otras películas, puede que sea ahora que termine de entenderlas.

Porque, si bien no es exactamente igual, en The Darjeeling Limited encontré varios puntos en común con The Royal Tennenbaums. Son una huella de estilo de Anderson como guionista, sí; pero si esta vez me resultó más interesante, por algo es.

16 nov. 2011

Le gamin au vélo

Había leído que se trataba de una película especial. La recomendaban mucho, así que tenía muchas ganas de verla. Sin embargo, debido al tema de la historia, nunca estaba de ánimo para verla. Y una noche fría y ociosa, decidí que era hora de encontrarme con la historia del niño y su bicicleta.

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Le gamin au vélo es la historia de un niño abandonado. Su padre le ha dejado en un orfanato, y Cyril (Thomas Doret) decide encontrarle. Cuando va a buscarle, descubre que en el piso donde vivían ya no hay nadie; pero el destino le tiene una sorpresa: alguien tiene su bicicleta. Con su bicicleta y la ayuda de la mujer que se la devuelve, Cyril comienza la búsqueda de su padre.

La relación de Cyril con Samantha (Cécile de France) es extraña, por decir algo. Me cuesta entender cómo una persona que no le conoce decide asumir su cuidado de la nada. Pero claro, sin este elemento la historia no podría haber funcionado (y tampoco es que sea algo extraño, muchas historias en la ficción comienzan así). De hecho, la relación resulta muy bonita, a pesar de que al principio no logre comprender cómo puede formarse de la nada.

En cuanto a la bicicleta, Cyril tiene una relación muy particular con ella. Todos, de pequeños, hemos tenido un juguete o una bicicleta a la que le tuvimos mucho cariño. La de Cyril no sólo es eso, sino que es lo único que le queda del padre. Y gracias a ella, comienza a relacionarse con gente que influye en su historia personal. No quiero entrar mucho más en el análisis de la historia para no soltar spoilers; pero ya sabréis por el título que la bicicleta es especial.

 

Trailer en V.O., sin subtítulos

 

La sensación que me dejó es también un tanto extraña. Una especie de amargura, tristeza y pena. Pero como digo siempre, cuando una película nos despierta algo, es porque es buena. Así que confirmo que vale la pena verla.

13 nov. 2011

Beginners: Cómo empezar a vivir en cualquier momento de tu vida

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Imagina que tu padre te confiese, con setenta años, que es gay. Así comienza Beginners. Con un Ewan McGregor comedido, triste, haciendo el papel de un hijo que tiene que superar la muerte de su padre (Christopher Plummer). Un hijo que vivió la muerte de su madre por culpa del cáncer, que asumió la noticia de la sexualidad de su padre y su nueva vida (incluida su nueva pareja, interpretada por Goran Visnjic). Un hijo que luego de perder a su padre -también como consecuencia del cáncer- asume el cuidado de su mascota, un simpático Jack Russell que es completamente dependiente de su nuevo dueño. Y entonces, un día, conoce a una chica en una fiesta de disfraces (Mélanie Laurent). El resto, bueno, para saber el resto tendréis que ver la peli.

Me gustó que la película está contada desde una especie de paralelismo entre lo que vivió el protagonista con sus padres y su propia historia, con algunos detalles (imágenes que podrían ser pensamientos, símbolos, pistas para comprender mejor al personaje). Además, el personaje de Ewan McGregor es diseñador gráfico, y a través de sus dibujos conocemos más de sus pensamientos, emociones y sentimientos.

Adoré la relación del personaje de Ewan McGregor tanto con su padre como con Anna (Mélanie Laurent). Adoré la comparación de su historia con la de sus padres, la forma en que enumera los elementos y detalles de su vida y la historia –que me recuerda mucho al estilo de Jean-Pierre Jeunet-. La música y el piano, que por momentos sonaba tan similar al piano que musicalizaba la historia de Amélie Poulain… maravilloso.

 

Trailer subtitulado

 

Os dejo un detalle: la película es en parte autobiográfica. El padre del director (Mike Mills) salió del clóset luego de la muerte de su esposa. Quizás por esto, la película resulta cercana y casi como si fuese un amigo el que no está contando su historia.

6 nov. 2011

Lars y la chica real

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Lars and The Real Girl es una película curiosa. La historia en sí parte de algo que podría resultarnos un poco inverosímil, aunque en realidad no lo es tanto. Sí sería extraño que nos encontrásemos un caso de estos; pero que los hay, los hay.

 

 

La historia de Lars es una historia interesante. La historia de un hombre solitario, que “sufre un trastorno” o simplemente es incapaz de relacionarse de un modo “normal”. Hasta que Bianca aparece en su vida. Entonces, Lars empieza a comportarse como la sociedad exige, y sin embargo todos piensan que está loco. Y lo que es aún más curioso, todos le siguen el juego: familia, compañeros de trabajo, su médico…

Me pregunto si en la vida real esto ocurriría. Sí, le seguimos el juego en algunas fantasías a la gente; ¿pero al punto que se lo siguen en la película? ¿Sería bueno aceptar y alentar las fantasías de las personas? En cierto modo, las personas del pueblo ayudan a Lars al seguirle el juego. Él marca las reglas, ellos sólo reaccionan naturalmente. Bianca se transforma en una parte de la comunidad, lo que lleva a Lars a interactuar con ellos de un modo más “natural”. De alguna forma, la entrada de Bianca en las vidas de todos fue positiva. Aún para Lars (la razón no la diré, que os contaría toda la peli).

El trabajo de Ryan Gosling es, como siempre, buenísimo. Lo mejor de la película. Empiezo a creer que no hay nada que este muchacho pueda hacer mal. El resto del cast está muy bien, también. Esta es una de esas películas en las que la historia es más importante que cualquiera de los aspectos técnicos. No hay planos maravillosos, no hay una fotografía que enamore, ni un guión que sorprenda demasiado. Sin embargo, la película me resulta buena, sencilla, tierna. Me ha hecho reflexionar un poco sobre algunas cosas, que creo que es lo que se pretendía. Y me quedo con esas preguntas que despertó en mí.

31 oct. 2011

Spooky Halloween 2011

 

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Si mi memoria no me falla, Suspiria es la primera película de terror en habla italiana que veo. Tenía ganas de ver algo de este estilo desde hace tiempo, y qué mejor que verla para Halloween.

En lugar de hacer un comentario destacaré los aspectos que más me llamaron la atención:

  • La música. Típica del cine de terror, muy clásica. Me daba la sensación de que Freddy Krueger aparecería en plano en cualquier momento.
  • El doblaje. Normalmente me choca ver que la boca de los actores se mueve diferente de las palabras que escucho; pero en este caso –aunque sí me resultaba incómoda- le daba un toque especial, que hacía la experiencia aún más bizarra.
  • Los efectos. Malísimos. Digamos que para la época no se puede pedir mucho. La “sangre” más que sangre era pintura, el gore más que dar asco daba risa. Algunos de los efectos del final están muy bien logrados, son los mejores de la peli.
  • La escenografía. Tanto los exteriores como los interiores, maravillosos. Los colores, los decorados, los ambientes. Excelentes.
  • El vestuario. Simple, neutro y sobrio. El contraste perfecto con los colores elegidos para las escenografías.
  • La fotografía. Los planos son buenísimos, me recordaron un poco a The Shining.

 

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Elegí ver Priest por dos razones: Paul Bettany y los vampiros. Me resultó curioso, además, ver a Stephen Moyer interpretar a un hombre “normal”, cuando estoy acostumbrada a verlo como vampiro en True Blood. No soy muy de ver este tipo de cine, películas como Underworld y otras de ese estilo, no me atraen. Sin embargo, quise darle una oportunidad, porque me llamó la atención que se la catalogase de película de terror cuando suelo asociarlas con un género diferente, mezcla de ciencia ficción y acción.

La verdad es que me aburrí muchísimo viéndola. No pensaba ponerla siquiera en este post, pero ya tenía las notas. Y si no lo hacía ahora, no lo haría jamás. Voy a hablar simplemente de un par de cosillas que creo que son criticables:

  • El ambiente retrofuturista. Está bastante quemado en el cine actual y se repite constantemente en las películas de este estilo. Está bien logrado a nivel técnico, con una fotografía acorde. Normalmente me suele gustar la mezcla de lo retro y los ambientes futuristas, de las costumbres de siglos pasados con máquinas que ni siquiera existen en la época actual. Aún así, siento que se está abusando de ello, y que no sólo por ponerlo en el guión se consigue hacerlo bien. En este caso, me resultó forzado.
  • El guión en su totalidad me pareció bastante forzado e incomprensible. Creo que se escribió pensando en hacer una secuela, que dudo se haga. Realmente me aburrí mucho, y soy una persona que disfruta mucho de las tramas de vampiros. No logró engancharme la historia, ni llegué a conocer mucho de los personajes. Creo que se preocuparon demasiado por la estética que querían dar a la película, y poco en crear una historia capaz de entretener y enganchar al público.

Por último, os dejo un párrafo de mis notas, en el que creo que se resume bastante bien lo que me pasó por la cabeza viendo la película. Si no la habéis visto y tenéis intención de hacerlo no leáis, porque digamos que son SPOILERS:

¿Esos son vampiros inspirados en Nosferatu, que caminan bajo la luz del día? Esto, ¿al principio no se dijo que la luz del día pertenecía a los humanos? ¿Son vampiros? Ah, no, que son sólo comida/infectados. Ahora salen los vampiros… ¡Y son una mezcla extraña entre Gollum y Alien! ¿Y por qué el malo malísimo, que se supone que también es vampiro, se ve como el resto de los humanos?

Pues eso. Que me pasé la peli tratando de entender y de asociar lo que sé de los vampiros. Luego me cansé y dejé que la película siguiese su curso, sin prestarle demasiada atención. Una pena, porque cuando elegí verla esperaba ver una película que me llevase a ver más de ese género.

28 oct. 2011

Stay, un corto de terror

Este fin de semana es uno de los que más disfruto: ¡Halloween! Así que os dejo un corto de terror, para empezar a entrar en ambiente.

Se trata de Stay, un corto que ha recibido varios premios y seleccionado para varios festivales, de Producciones las Justas. Espero que os guste. El final es quizás lo mejor, al menos a mí fue lo que más me gustó.

 

Una pareja se halla en medio del monte en busca de un poco de intimidad. Pero sus planes pronto se verán alterados...

 

Aún no sé cuáles serán las elegidas para ver este fin de semana. Vosotros, ¿veréis alguna peli de terror? ¡Me encantaría que me recomendaseis alguna!

25 oct. 2011

BFI London Film Festival

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El BFI London Film Festival o Festival de Cine de Londres (LFF) es el mayor festival de cine del Reino Unido. Durante el festival (que dura aproximadamente 15 días, la segunda quincena de octubre), se proyectan 300 películas (largometrajes, documentales y cortometrajes). El festival se divide en temas que cubren diferentes áreas de interés. Además, se programan eventos de la industria, foros, eventos educativos, lecturas, conferencias y encuentros con realizadores en los que el público puede hacer preguntas.

En 1956, a partir del hecho de que Cannes, Venecia y Edimburgo tenían sus festivales, un grupo de críticos decidió que era hora de que Londres tuviese un festival de cine propio. La idea era organizar un “festival de festivales”, en el que se proyectase una selección de títulos de otros festivales europeos; y dar a los espectadores británicos la oportunidad de ver películas que no encontrarían en los cines. El primer Festival de Cine de Londres se realizó entre el 16 y el 26 de octubre de ese año, en el National Film Theatre (hoy el BFI Southbank). Se proyectaron aproximadamente 20 películas de directores como Kurosawa y Visconti.

Premios

  • Trofeo Sutherland: a la ópera prima más original e innovativa.
  • Best British Newcomer Award: premia a los nuevos talentos del cine británico: guionista, productor y director debutantes.
  • The Times BFI London Film Festival Grierson Award: al mejor largometraje documental.
  • Mejor película
  • 2 x BFI Fellowships: premia al talento consagrado.

21 oct. 2011

Mourir Après de Toi, un corto de Spike Jonze

La historia de este cortometraje es simple: un intercambio. Spike Jonze conoció a la diseñadora de bolsos Olympia Le-Tan, y le pidió que le hiciese una “carátula” bordada de El guardián entre el centeno (The Catcher in the Rye) para adornar una de las paredes de su casa. La diseñadora aceptó, con la condición de que Jonze hiciese una película a cambio. El resultado, Mourir Après de Toi (Morir a tu lado):

(Veo que han quitado el corto de Vimeo, pero podeis verlo aquí)

Y el detrás de cámaras:
¡Buen fin de semana para todos!

16 oct. 2011

Festival de Sitges

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Fundado en 1968, el Festival de Sitges o Festival Internacional de Cinema de Catalunya se destaca por ser un festival especializado en cine fantástico. Desde 1967 se celebra cada año a principios de octubre en la villa costera de Sitges, al sur de Barcelona. La historia del festival está llena de grandes títulos del genéro, incluyendo directores como Dario Argento, Godard, Cronnenberg, Cameron, Carpenter y varios más. Además de las proyecciones, se puede asistir a homenajes, retrospectivas, sesiones especiales, exposiciones y conferencias.

Premios

Premios del Jurado

  • Mejor Película
  • Premio Especial del Jurado
  • Mejor Director
  • Mejor Actor
  • Mejor Actriz
  • Mejor Guión
  • Mejor Fotografía
  • Mejor Diseño de Producción
  • Mejores Efectos de Maquillaje
  • Mejores Efectos Especiales
  • Mejor Banda Sonora Original
  • Mejor Cortometraje
  • Mención Especial del Jurado al Cortometraje

Premio de la Crítica José Luis Guarnier

Premio Citizen Kane al director/a revelación

Gran Premio del Público de El Periódico de Cataluña

Méliès

  • Méliès de Oro a la mejor película europea
  • Méliès de Plata a la mejor película europea

Premios de cine de animación

  • Mejor Largometraje de Animación
  • Mejor Cortometraje de Animación

Premios nuevos autores de la Sociedad General de Autores de España

  • Mejor Dirección
  • Mejor Guion
  • Mejor Música Original

14 oct. 2011

Festival de Cine de Nueva York (NYFF)

NYFF

El Festival de Cine de Nueva York (NYFF) fue creado con la idea de poner en pantalla cine independiente. El festival se inauguró en 1963. Dura 17 días, en los que se proyectan tanto largometrajes como cortometrajes. En este festival no se entregan premios; pero se realiza un homenaje a un director durante la gala de clausura.

Lo bueno del NYFF es que acepta a todo el mundo: cualquier persona puede presentar su película para ser proyectada en el festival. Los miembros de la Film Society of Lincoln Center eligen cuáles serán los que finalmente se proyectarán: normalmente el número de largometrajes no llega a 30, y el de cortometrajes a 15.

Toda la información sobre el festival, con sus galas, programa, etc. puede encontrarse en la web oficial del NYFF.

12 oct. 2011

Bad Teacher

Bad Teacher Poster

Tenía ganas de comedia americana, de esas que uno ve para echarse unas risas y no pensar mucho. La verdad es que Bad Teacher no fue una mala decisión. A pesar de que me pasé la mayoría de la peli intentando descifrar qué se hizo Cameron Diaz en la cara; la película me resultó entretenida. Justin Timberlake sigue demostrando que es un buen actor, me resultó de lo más gracioso. La relación entre Cameron Diaz y Jason Segel es bastante divertida.

No es una película súper graciosa o que destaque demasiado; pero es una buena opción para cuando no hay ganas de pensar. La recomiendo. Además, estoy segura de que logrará que otros rían más que yo (mi humor es un poco particular).

28 sept. 2011

Alphaville: ciencia ficción de Godard

Alphaville

Aunque adoro leer ciencia ficción, cuando se trata de verla en el cine no me emociona demasiado. Es un género que si bien tiene obras interesantes, no me atrae para nada. Aún así, cada tanto hago el esfuerzo y veo alguna peli del género. Así que ahora que estoy en una etapa en la que estoy viendo mucho Godard, decidí que era hora de ver Alphaville.

¿Qué decir? Es una de las películas más extrañas que he visto. Pero no sé si llega al nivel de Hiroshima mon amour en cuanto a lo de “extraño pero maravilloso”. Aún no logro identificar si no entiendo qué vi, o si me fascinó. Es extraño, con Hiroshima mon amour automáticamente supe que estaba enamorada de la película; pero con Alphaville pasé la mayoría de la película intentando entender, para que al final me quedase con una sensación bonita. Es como si supiese que no logré captar el mensaje, siento que hay algo que me perdí. Aunque quizás no sea así, y no haga falta intentar interpretarlo todo.

Cosas que me gustaron: lo bizarro de estar hablando de una galaxia distinta; pero que el exterior fuese exactamente igual a la tierra, que las cosas no fuesen para nada diferentes a la Francia de la época. Me gustó que a pesar de ser ciencia ficción, no tenía todos esos elementos fantásticos de la típica película del género. Me gustaron los escenarios, me gustó el vestuario. Creo que me gustó el final.

Creo que tendré que volver a verla otra vez, y prestar aún más atención. Y aún si en ese segundo visionado sigo sin comprender; al menos sé que veré algo que no es típico de la ciencia ficción.

23 sept. 2011

Le dîner de cons (La cena de los idiotas)

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Adoro ver cómo se llevan al cine las obras de teatro. Adoro ver cómo cambian, cómo se resuelven las escenas que en el teatro muchas veces ni vemos, y los cambios que pueden hacerse a partir del original. Aún no he visto La cena de los idiotas en teatro, debo confesarlo; pero tenía ganas de ver esta versión en cine, dado que el director es quien escribió la obra de teatro (Francis Veber). Me interesaba descubrir la visión del director, las ideas que seguramente guardaba desde que escribió la obra.

Pasé toda la película entre risas y nerviosismo. Me enganché muchísimo. Me encantaron los giros, la forma de contar la historia, y cómo no se preocuparon por variar demasiado los escenarios. Me gustó mucho.

Una vez terminé de verla, me pregunté si valdría la pena ver la remake americana. Verla en teatro, no lo dudo, muero por verla; pero ver la versión americana… tengo miedo. Porque los americanos suelen arruinar todo aquello que se ha hecho muy bien en otros países, porque tienen la costumbre de eliminar las mejores cosas de los guiones originales con adaptaciones en las que se pierde la magia del original.

Me encanta Paul Rudd, y sí que lo veo haciendo el papel; pero tengo miedo de que la película no sea ni la cuarta parte de divertida que la francesa. Aún así, me da mucha curiosidad ver qué cambios hicieron a ciertas partes del guión, que obviamente no coinciden para nada con las costumbres americanas (por ejemplo, el tema del fútbol).

La verdad es que estoy en una encrucijada, así que os pregunto: ¿Habéis visto Dinner with schmucks? ¿Vale la pena hacer el esfuerzo e intentar verla? En comparación con la versión francesa, ¿cuál os parece mejor?

21 sept. 2011

Festival de San Sebastián

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El Donostia Zinemaldia se celebra cada año, a finales del mes de septiembre; desde su inauguración el día 21 de septiembre de 1953. Es el único festival de máxima categoría de España (acreditada por la Federación Internacional de Asociaciones de Productores Cinematográficos, PIAPF). Está organizado por una asociación anónima de cuyas acciones participan el Instituto de Cinematografía y Artes Audiovisuales del Ministerio de Cultura, el Gobierno Vasco, la Diputación Foral de Guipúzcoa y el Ayuntamiento de San Sebastián.

Durante el festival, las salas de la ciudad se llenan de espectadores ansiosos de ver las películas del festival a precios reducidos. Además, cuenta con el récord de asistencia de público, mayor a la todos los festivales internacionales de primera categoría.

San Sebastián se caracteriza por enfocarse al público hispano, aunque también presta atención a las producciones en otros idiomas. Además, combina cine independiente con producciones de mayor presupuesto.

Un poco de historia

La primera edición del festival (1953) se conoció como la Semana Internacional del Cine. A partir de 1954 se denomina Festival Internacional del Cine, edición en la que se categorizó como un festival no competitivo. Los premios se empezaron a entregar en 1955, cuando se otorgó la Concha de Plata a una película extranjera: Giorni d’amore, de Giussepe de Santis.

En 1956 la FIAPF no reconoció al festival; pero eso no logró que dejase de celebrarse. Por el contrario, en 1957 obtuvo la categoría de festival competitivo; y la Concha de Oro se convirtió en el mayor galardón. En 1963, el festival perdió su categoría, pero la recuperó al año siguiente. Después de la crisis del festival entre 1980 y 1984, Diego Galán asumió la dirección del festival (1986) y se introdujo el Premio Donostia.

Las diferentes secciones del festival

Secciones a concurso

  • Sección Oficial – Es la mayor categoría a concurso. En ella participan películas de alto presupuesto que no han sido estrenadas en otros festivales. Normalmente concursan aproximadamente quince películas en esta categoría.

  • Zabaltegi – En esta categoría participan películas que ya han sido estrenadas en otros festivales (las denominadas “Perlas”), películas de nuevos cineastas y las obras de algunos miembros del jurado oficial. Es la sección “alternativa” del festival, un espacio abierto a todos los estilos, duraciones y temáticas. Las proyecciones son informales, con la presencia de los directores, que responden a las preguntas del público luego de las proyecciones.

  • Horizontes latinos – Es la sección de los directores latinos, y la de películas inspiradas por latinos, financiadas –en parte o totalmente- en América Latina. Dentro de ella está la sección Cine en Construcción, en la que se proyectan películas independientes –tanto latinas como españolas- en fase de post-producción.

  • Made in Spain – Sección que presenta lo mejor del cine español.

  • Zinemira – La sección se inauguró en 2009, sustituyendo al Día del Cine Vasco. Proyecta películas producidas en el País Vasco (en español y en euskera).

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Secciones fuera de concurso

  • Retrospectivas – En esta sección se homenajean diferentes figuras del cine. Cada edición del festival tiene dos o tres retrospectivas, sobre las cuales luego edita libros:

- Clásica: homenaje a un actor o director del cine clásico.

- Temática: trata un tema social determinado.

- Contemporánea: homenaje a figura cinematográfica en activo.

  • Velódromo – Esta sección va dirigida a un público principalmente infantil. Las proyecciones de películas “aptas para todo público” se realiza en el velódromo de Anoeta.

Eventos paralelos

  • Encuentros Internacionales de Escuelas de Cine – Se trata de un encuentro entre estudiantes de cine de Europa y América Latina, en la que también se proyectan los trabajos de los estudiantes.

  • The Industry Club – Es una oficina pensada para cerrar acuerdos de financiación o producción.

  • Fiestas – Se realizan fiestas cada noche en el Hotel María Cristina, en las discotecas de la bahía de la Concha, en el Palacio de Ayete o en el Palacio Miramar. A ellas asisten actores, productores, directores y críticos.

Los premios

Oficiales

  • Concha de Oro
  • Concha de Plata al mejor director
  • Concha de Plata a la mejor actiz
  • Concha de Plata al mejor actor
  • Premio del Jurado a la mejor fotografía
  • Premio del Jurado al mejor guión

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No Oficiales

  • Premio Nuevos Directores: premio de 90.000 euros a uno de los directores de la sección Zabaltegi (otorgado por un jurado internacional distinto al oficial).
  • Premio del Público: se otorga a una de las “Perlas” de Zabaltegi, y son 30.000 euros de ayuda a la promoción.
  • Premio de la Juventud: un jurado de 350 jóvenes de entre 17 y 21 años, tanto españoles como extranjeros, elegidos en centros escolares o mediante inscripción en su centro de estudios; evalúa a las películas de la sección de Nuevos Directores de Zabaltegi y de la Sección Oficial.
  • Premio Horizontes: premio de 18.000 euros a la sección Horizontes.
  • Premios Cine en Construcción: financiación definitiva de una película en proceso de post-producción.
  • Premios Cine en Movimiento: Selección de varias películas, para participar en una gira mundial organizada por el Festival.
  • Premio Encuentro Internacional de Escuelas de Cine: premio de un crédito de 10.000 euros para el alquilar material, o el equipamiento completo de una cámara profesional para cuatro semanas de rodaje; al director de uno de los trabajos presentados por alumnos. Además, se elijen tres directores noveles que podrán presentar sus obras a la sección de cortometrajes (Short Film Corner) de la siguiente edición del Festival de Cannes.
  • Premio Otra Mirada: premio de Televisión Española a la película que mejor refleje el universo femenino, desde una óptica comprometida con la igualdad y la no discriminación.

Premio Donostia (homenaje a la trayectoria profesional)

Otros premios

  • Premios FIPRESCI: premio de la crítica internacional
  • Premio Nacional de Cinematografía: concedido por el Ministerio de Cultura
  • Premio Sebastiane: premio a la película o documental que mejor refleje los valores y la realidad de gays, lesbianas, transexuales y bisexuales.

16 sept. 2011

L’Animateur: un corto en stopmotion

L'animateur es una cortometraje en stopmotion de Nick Hilligoss. Con él, el autraliano ganó el primer premio de cortometrajes en el Festival de Berlín (2008).