28 oct. 2009

Dos veces la misma historia: Alfie en el SXX vs Alfie en el SXXI




La historia es la misma. El personaje principal lleva el mismo nombre, pero no es el mismo hombre. Un mujeriego en 1966 tiene bastante en común con uno en 2004. Pero la historia de Alfie Elkins necesitó algunos retoques para su nueva adaptación. ¿Puede hablarse de remake?

Empecemos por la definición del término (según Wikipedia): "Remake es el término en inglés que identifica las producciones audiovisuales que reproducen fidedignamente la trama, personajes, ambientación y prácticamente cualquier detalle de una obra anterior. El término equivalente en español sería calco o refrito. Sin embargo, la palabra inglesa está ampliamente extendida entre los hispanohablantes, sobre todo en relación a cine y televisión. (...) En el cine, es un nueva versión de una película previamente lanzada. Por ejemplo, la película de 2001 Ocean's Eleven es un remake de la película de 1960 Cuadrilla de los once."

Según esta definición sí estoy hablando de una remake. Sin embargo, Alfie es una de esas remakes que valen la pena. ¿La razón? No es una copia exacta de un film anterior (como lo fue la "remake" de Psicosis de 1998), sino una adaptación de un film llevada a nuestros tiempos. Uno ve ambas películas y ve casi la misma historia, o la misma historia con toques distintos. Y eso me parece genial.

Si bien la Alfie de 2004 fue para muchos una película decepcionante, en mi caso la disfruté mucho. Más allá de que me parece perfecta la elección de Jude Law para el papel principal (Jude es Alfie en muchos sentidos), me parece que respetó mucho la versión original, y eso es algo que de por sí merece destacarse.

Además, por más que uno sepa cómo va a terminar, entre una y otra versión de la historia hay cambios de circunstancias, de sucesos, de personajes, etc., lo que al menos en mi opinión es un punto a favor y hace que merezca la pena ver ambas.

Sí, hay diálogos similares, escenas y hasta planos y secuencias que se repiten; pero al menos en el caso de los diálogos las líneas no son siempre repetidas por los mismos personajes. Y en realidad tampoco se repiten exactamente los personajes.

Y ahora que digo ésto me entran las dudas. Porque si bien ambas tienen muchísimas cosas similares, no se reproduce "prácticamente cualquier detalle" de la obra anterior.

Para empezar, la localización de la historia. El Alfie de 1966 es un Michael Cane con acento cockney. Vive en un pequeño piso que adivino de clase media en Londres (me apoyo en el dato del acento y en lo poco que vemos del barrio, aunque obviamente el dato de ser cockney nos indica a qué barrio pertenece), y trabaja en una agencia de alquiler de coches como chofer (supongo que en los '60 alquilar un Rolls Royce era como alquilar una limusina... no habrá mucha diferencia).

El Alfie de 2004 también es británico, aunque su acento es más, digamos, "londinense" que cockney, supongo que este cambio de debe a la imagen que el Alfie moderno quiere transmitir.

Además, el Alfie 2.0 vive en New York (dato que además justifica explicando que eligió la ciudad por sus mujeres, cosa que no me sorprende dado que en Estados Unidos se tiene la idea de que las mujeres británicas son poco agraciadas), en un piso que por dentro tiene una imagen un poco más lujosa que por fuera (y que difiere mucho del del Alfie 1.0).

Y como el nuevo Alfie parece que es un poco más glamouroso, trabaja también como chófer; pero de limusinas. Lo simpático de su trabajo es que, si bien su compañero es un amigo, no tiene el mismo rol en la historia. De hecho hay un intercambio de roles entre el compañero de trabajo y el hombre que conoce cuando va a la consulta médica.

Esto me lleva a los personajes:

En la segunda versión de la peli, Alfie tiene una vecina que le ayuda con la limpieza de su piso; personaje que en la primera versión no existe. Si acaso, sería la casera que se nombra en una escena, pero nunca aparece.

La "novia" del primer Alfie -de hecho, el personaje la define como un segundo plato-, Gilda (Julia Foster) queda embarazada y le da un hijo a Alfie. Sin embargo, en 2004 Alfie tiene una especie de novia formal, Julie (Marisa Tomei), que tiene un hijo de otro hombre con el que Alfie se encariña. Las razones de ruptura de Alfie con estos personajes también son distintas: Gilda es abandonada y jamás fue querida, mientras que Julie abandona al descubrir una infidelidad y en cierto modo fue un poco más respetada por Alfie.

El hombre con el que Julie rehace su vida no tiene un papel relevante en la historia; sin embargo, el hombre con el que la rehace Gilda -Humphrey (Graham Stark)- no sólo es una "amenaza" constante para el protagonista, sino que adopta al niño de Alfie como suyo y le da una hermana.

Luego están Annie y Nikki. Annie (Jane Asher) es la chica que el Alfie de Michael Cane le quita a un "amigo" conductor de camiones, la conoce haciendo auto-stop en la carretera hacia Londres. La relación entre ambos personajes se desgasta porque Annie no logra olvidar a un tal Tony, y se convierte en una especie de ama de casa frígida a la que Alfie termina pidiendo que se vaya.

Nikki (Sienna Miller) y el Alfie de Jude Law se conocen en circunstancias muy diferentes. Alfie la descubre el día de Noche Vieja entre un grupo de chicos haciendo auto-stop camino a una fiesta. A diferencia de Annie, el problema con Nikki es que es completamente desequilibrada y más que una ama de casa dependiente, lo que hace es revolucionar la "tranquila" vida del protagonista. Luego de una discusión abandona el piso, y en este caso Alfie no corre detrás de ella arrepentido.

Por último, tenemos los personajes traicionados de la historia. En el caso de la primera versión, Alfie comparte habitación con él durante su hospitalización en el campo; y se enrolla con su mujer un poco con lástima por ella. La deja embarazada, y Lily (Vivien Merchant) aborta en el piso del Alfie. No hay clínicas, no hay arrepentimientos (o sí los hay). Es un secreto y como secreto queda.

Sin  embargo, Alfie 2.0 se enrolla con Lonette (Nia Long), la novia de su mejor amigo Marlon (Omar Epps). También la deja embarazada, y la acompaña a una clínica para que se haga el aborto. Sin embargo, Lonette se arrepiente y decide tener al bebé; lo que desemboca en la mudanza fuera de la ciudad y el descubrimiento de Alfie de que es padre, y que además a perdido a su mejor amigo. En este caso, el secreto resulta mucho más importante en la vida de los demás personajes.

Esto último ocurre porque, en ambos casos, Alfie se enfrenta a sí mismo y sufre una crisis que al parecer puede cambiar su vida (aunque en realidad, y como insinúa la canción cantada por Mick Jagger para la nueva versión de la peli, los viejos hábitos nunca mueren y Alfie siempre será un mujeriego).

Todo esto, por supuesto, va unido al romance con una mujer mayor, que discutiré más adelante. Alfie llora, no por el bebé que pudo tener (en ambos casos se queda sin el bebé, obviamente), sino por él mismo y en lo que se convierte su vida. Y eso lo discute con la única persona que le queda: en la primera versión, su amigo, compañero de trabajo y vecino; en la segunda, el hombre que conoce en la consulta médica.

Luego están las dos mujeres con las que el personaje tiene affairs. La primera, una mujer casada, tiene el mismo rol en ambas versiones: introducir al personaje, y ser quizás la única opción que le queda cuando todas las demás mujeres que tocaron su vida salen de ella.

La segunda, una mujer mayor e igual de promiscua que el protagonista, a quien Alfie considera como la merecedora de su "amor y fidelidad"; que le hace pasar lo que él a sus mujeres al enrollarse con un chico más joven. En cierto modo veo a este personaje como un elemento que influye en el protagonista y lo lleva a cuestionarse su rol en la vida.

Si bien es un poco obvio el mensaje que se quiere transmitir, y cito las líneas finales de ambos films:
  • 1966- "You know what? When I look back on my little life and the birds I've known, and think of all the things they've done for me and the little I've done for them, you'd think I've had the best of it along the line. But what have I got out of it? I've got a bob or two, some decent clothes, a car, I've got me health back and I ain't attached. But I ain't got me peace of mind - and if you ain't got that, you ain't got nothing. I dunno. It seems to me if they ain't got you one way they've got you another. So what's the answer? That's what I keep asking myself - what's it all about? Know what I mean?" (¿Sabes qué? Cuando miro atrás en mi pequeña vida y las chicas que he conocido, y pienso en todas las cosas que han hecho por mí y lo poco que he hecho por ellas, pensarías que he obtenido lo mejor de ello. ¿Pero qué he obtenido de ello? Tengo una moneda o dos, algunas ropas decentes, un coche, y estoy bien de salud otra vez y no tengo compromisos. Pero mi mente no está tranquila - y si no tienes eso, no tienes nada. No lo sé. Me parece que si no te agarran por un lado lo hacen por otro. ¿Entonces cuál es la respuesta? Eso es lo que me sigo preguntando - ¿de qué se trata todo esto? ¿Entiendes?)
  • 2004- "What have I got? Really? Some money in my pocket, some nice threads, fancy car at my disposal, and I'm single. Yeah... unattached, free as a bird... I don't depend on nobody and nobody depends on me... My life's my own. But I don't have peace of mind. And if you don't have that, you've got nothing. So... what's the answer? That's what I keep asking myself. What's it all about? You know what I mean?" (¿Qué es lo que tengo? ¿De verdad? Un poco de dinero en mi bolsillo, algunos trajes buenos, un coche lujoso a mi disposición, y estoy soltero. Sí... sin compromisos, libre como un pájaro... No dependo de nadie y nadie depende de mí... Mi vida es sólo mía. Pero mi mente no está tranquila. Y si no tienes eso, no tienes nada. Así que... ¿cuál es la respuesta? Eso es lo que me sigo preguntando. ¿De qué se trata todo esto? ¿Entiendes?)

En el final de la película concluimos que el personaje sigue sin comprender su rol en la vida, que no es feliz. Como él mismo dice -palabras más, palabras menos-, tiene todo lo que siempre quiso, pero no se siente completo.

Ésto justamente es lo que me hace defender la película ante cualquiera que la quiera defenestrar: el mensaje es que aunque tengamos todo lo que siempre hemos querido, o lo que siempre creímos que queríamos, jamás estaremos satisfechos.

Alfie es todos nosotros en algún aspecto de nuestras vidas: somos un poco egoístas, todos lastimamos. Las personas que pasan por nuestras vidas nos dejan huellas, y a veces nos enseñan dónde nos equivocamos dándonos un poco de nuestra propia medicina.

Personalmente, no veo a Alfie como un mujeriego incurable que dedica su vida a herir a las mujeres con las que se lía. Él ama a las mujeres y trata de darles lo que ellas quieren, o lo que él cree que ellas quieren. Sólo que su modo de actuar no es el correcto. Y las mujeres también sabemos herir. Alfie es un ser humano, que va por la vida tratando de vivirla a su modo, y que aún así no es feliz. Como todos.

Volviendo a la comparación de ambas versiones, sólo me queda destacar los elementos que en mi opinión las hacen únicas. En la primera versión diría que hay dos: la enfermedad de Alfie y la pelea en el bar.

La enfermedad es un elemento que se repite en las dos, pero de modo distinto. En 1966 Alfie se enfrenta a una revisión que parece rutinaria, donde su médico le encuentra una mancha en un pulmón.

Durante la consulta Alfie se comienza a cuestionar sobre la ruptura con Gina, más que nada por su hijo. La mancha en el pulmón le asusta, pero en este caso es sólo un elemento que permite introducir a Lily en su vida.

Luego tenemos la pelea en el bar, que merece destacar porque aunque poco aporta a la historia es muy típica del cine de la época (por el absurdo al que recurre).

En 2004, la enfermedad de Alfie lo lleva a cuestionarse más que nada su virilidad. Creo que esto funciona perfectamente con la película, ya que si Alfie pierde su virilidad en cierto modo pierde su personalidad, y ésto es quizá más influyente a la hora de cuestionarse ciertas cosas para el protagonista.

Otra cosa que me resultó atractiva fueron los carteles que iban apareciendo en distintas escenas, palabras que definían en cierto modo el estado de ánimo del personaje (la primera vez me entretuve descubriéndolos, aunque son bastante obvios).

En ambas me resultó grato ver las caras de quienes estaban detrás de las cámaras durante los créditos. Creo que es un detalle muy bonito, que denota respeto al trabajador invisible de un film (muchas veces olvidado).

Y por último, el tema del aborto está tratado de un modo bastante interesante en ambas. Si bien se habla de él como una circunstancia, no deja de ser algo que influye en la vida de los personajes. Hoy el tema sigue siendo tabú, y verlo me despierta las mismas sensaciones en ambas versiones.

Habiendo establecido coincidencias y diferencias en ambas versiones, aún me queda la duda de si podemos hablar de remake. He leído por ahí que se la puede clasificar más como una reconcepción, y concuerdo con ello. Quizás realizar exactamente la misma historia no hubiera funcionado, quizás sí. Todo depende de los ojos con los que se la mire. En mi caso, ambas me conquistaron.

La Môme Piaf y la actriz que emociona: la vida de la Edith no fue color rosa



Me quito el sombrero ante Marion Cotillard. ¡Sublime! No por haberse afeado para el papel, sino porque sencillamente fue capaz de interpretar a Edith de modo que no se veía a Marion en pantalla. Un trabajo excelente. Por lo demás, es otra biopic más, que poco se diferencia de, por ejemplo, Coco avant Chanel (aunque ésta es más próxima en el tiempo, por supuesto).

Después de ver esta película me quedo con la idea de que las francesas que han triunfado han tenido una vida muy triste (¿o debería decir la mayoría de las mujeres exitosas?). Edith tuvo una vida horrible, marcada por la muerte y el abandono. Perdió a todo aquél que quiso. El mensaje que se da al final, sobre el hecho de que ella no se arrepintió de nada de lo que vivió, creo que es una de las pocas cosas positivas que nos quieren comunicar. 

Sabiendo muy poco sobre la Piaf se aprende mucho con la peli, y lo que hoy me queda es tristeza por ella, y su voz. Y la idea que para todo lo que vivió fue una mujer bastante fuerte. Se merecía su biopic, y ésta le hace un gran honor.

Eso sí, si bien hay muchas escenas que me gustaron muchísimo, el trabajo de Marion es tan imponente que eclipsa a lo demás. Este film hay que verlo aunque sea sólo para ver un ejemplo de lo que es una buena actriz. ¡Y qué bonito ver a mi adorado Gerard Depardieu, aunque fuera un papel tan pequeño!

Eso sí, muy mal lo de renombrar el film con el título de una de sus canciones, porque si algo tenía el título es que era perfecto: en el fondo Edith era una niña, y nada en su vida fue color rosa...

26 oct. 2009

Si existen dudas razonables es posible cambiar de opinión


Hace unos años me encontré perdidamente enamorada de una tv movie que protagonizaba Jack Lemmon. Se trataba de 12 Angry Men, adaptación de una película de los '50. Y decidí compararla con la original.

Si bien no me fascinó tanto como la versión de los '90, la verdad es que me parece una película excelente. Si no hubiera visto primero la versión con Lemmon, seguramente me hubiera impactado muchísimo más.

Esta película es -para mí- la prueba de que no hacen falta efectos especiales, ni localizaciones pensadísimas. Con tan sólo cuatro o cinco escenarios (el juicio, la sala donde se discute el veredicto, el baño, y los exteriores del juzgado) y doce actores capaces de interpretar sus papeles a la perfección, un guión capaz de engancharnos y de ir llevándonos al clímax del final, de ir introduciéndonos en la historia cada vez más, ésta película me parece un clásico ineludible del cine. Además, claro, está protagonizada por Henry Fonda.

Creo que esto es lo que se debería mostrar a los estudiantes de cine, para que sepan que no hace falta una megaproducción para hacer algo genial. Se la recomiendo a cualquiera, y recomiendo que se vean ambas versiones, porque las dos son excelentes.

20 oct. 2009

Joyita perdida de Scorsese



Bringing out the dead (1999) no es una de las películas más conocidas de Martin Scorsese. Sin embargo, creo que define el trabajo del director de un modo maravilloso. Además, no sólo destaca su talento, sino también el de Robert Richardson (mi director de fotografía favorito); y las grandes actuaciones de Tom Sizemore y Nicholas Cage.

¿Por dónde empezar, sobre todo si en este caso la objetividad me resulta imposible? El trabajo de Scorsese día a día me apasiona más. Sus elecciones, sus planos, los temas que trata; todo su cine me resulta fascinante. Y si encima lo asociamos con la perfección del trabajo de Richardson -responsable de mi obsesión por la fotografía en el cine, y un hombre cuyo trabajo me despierta emociones y sensaciones que ningún otro ha conseguido-, realmente me resulta imposible encontrar algo que criticar de modo negativo.

Encuentro cierto paralelismo del personaje protagonista con Travis Bickle -el protagonista de Taxi Driver-, algo que se debe no sólo a sus ocupaciones nocturnas, sino también al hecho de que fueron escritos por el mismo guionista -Paul Schrader- y Scorsese les dio vida con su gran estilo. Considero que tanto el director como el guionista deben sentirse atraídos por personajes nocturnos con traumas que los persiguen, que dedican sus vidas al servicio de personas que se suponen verán por poco tiempo, y que suelen sentirse atraídos por mujeres con sus propios problemas. Y tanto Schrader como Scorsese saben retratarlos de un modo fantástico.

Lástima que cuando se habla del cine de Scorsese es raro que se nombre esta joya de película. Es una de mis favoritas, y odio saber que no es valorada como se lo merece.

19 oct. 2009

Las reglas de la vida son tan relativas como las de la casa sidra

Voy a dejar de lado la discusión sobre si la cadena española Cuatro tuvo o no la intención de emitir esta película el mismo día que los manifestantes españoles en contra del aborto (o a favor de la vida, como prefieren definirse ellos) decidieron movilizarse en contra de la famosa ampliación de la ley del aborto. Sólo voy a decir que si lo hicieron con intención, estoy más que a favor de su decisión.

The Cider House Rules no habla sólo del aborto, sino que trata temas como la traición, el abuso sexual y la mentira. Y lo hace de un modo tan despojado de subjetividad que permite que veamos las posiciones y circunstancias de los personajes; que de algún modo "comprendamos" las razones que los llevan a tomar determinadas decisiones.

El mensaje de la película está claro cuando Arthur Rose dice: "(...) someone who don't live here made those rules. Those rules ain't for us. We are supposed to make our own rules. And we do. Every single day (alguien que no vive aquí hizo esas reglas. Esas reglas no son para nosotros. Se supone que nuestro deber es hacer nuestras propias reglas. Y lo hacemos. Cada día.)." Eso justifica las acciones de los personajes, y hasta me animo a decir que resume a la sociedad actual.

El tema del aborto es más un hilo conductor de la historia, un elemento que comparado a los otros permite que podamos analizarlo y comprenderlo. La forma en que vemos la traición de los protagonistas al iniciar un romance puede compararse claramente con el aborto. Es relativo. Dejo de lado el tema del abuso porque a ese sí que no le encuentro justificaciones válidas.

Creo que la idea central de la película es esa, mostrarnos cómo hay situaciones en la vida en las que no debemos de seguir las reglas establecidas, y quizá debamos tomar decisiones con las que en otra situación no estaríamos de acuerdo. Por eso, si Cuatro decidió emitir la peli en respuesta a los manifestantes, desde aquí mi aplauso.

En cuanto a las actuaciones, tanto Charlize Theron como Michael Cane están tan bien como siempre. Tobey Maguire es un actor que me interesa discutir. ¿Soy yo o el personaje es sospechosamente similar a Peter Parker? Aunque si lo pienso mejor, creo que la actuación de Tobey para ambos personajes es la misma.

Me gustaría verlo demostrar que su rango actoral no se limita al chico más tonto que bueno, verlo en un papel completamente distinto y refrescante. Debo reconocer que no he visto muchos films con él, así que si alguien conoce más de su trabajo y cree que me equivoco con estas afirmaciones, por favor que me indique lo que me estoy perdiendo.

14 oct. 2009

Luchar por la verdad y la justicia


Si no es un clásico, debería serlo. Si no la habéis visto, deberíais verla ya. El director de My left foot (Jim Sheridan) volvió a confiar en Daniel Day-Lewis, y no se equivocó.

La historia de Gerry Conlon es una historia sobre la injusticia contada en primera persona. Y el retrato de 15 años en la cárcel por un crimen que no cometió toca el corazón del más insensible. ¿Quién no siente emoción al ver caer papeles encendidos desde las ventanas de las celdas de la prisión cuando el padre de Gerry muere? ¿Quién no siente impotencia durante las escenas del juicio, cuando ve el esfuerzo que el personaje de Emma Thompson realiza por sacar la verdad a relucir, y cómo se intenta acallar esa realidad?

La primera vez que vi esta película no tenía idea de que estas cosas ocurrían, no tenía idea de la existencia del terrorismo, ni sabía qué era la IRA. A partir de la historia de Gerry empecé a interesarme sobre esta parte de la historia que nadie antes me había contado, y sobre todo, empecé a seguir el trabajo de los dos actores que más me habían impresionado: Daniel y Emma.

También vale destacar el trabajo de Pete Postlethwaite como Giuseppe Conlon, el padre encarcelado injustamente, que muere sin conocer la justicia. En su nombre fue que Gerry decidió luchar por la verdad.

Personalmente me gusta mucho ver películas basadas en hechos reales, porque siento que me acercan más  a esa parte de la historia. En el caso de esta historia, me tocó de tal forma el alma que hoy sigue siendo una de mis películas favoritas, y jamás dudo en volver a verla.

Películas sobre el conflicto Irlanda-Reino Unido puede haber varias, pero ésta, que nos cuenta la historia de una familia que en cierto modo no estaba de ningún lado, es desde mi punto de vista la mejor.

13 oct. 2009

Dos Oscars bien entregados


Sean Penn es Harvey Milk. Lo es. No hay otro modo de resumir lo que es esta película. El trabajo de este actor interpretando al primer político abiertamente gay de los Estados Unidos es perfecto. Estoy empezando a creer que nada es imposible para este gran actor. ¡Qué grande que es!

Pero no sólo el magistral trabajo de Sean es la razón por la que esta película me parece genial. La dirección de Gus Van Sant es un trabajo excelente, el guión está muy bien, y el trabajo de los actores muy bueno. Como siempre, Van Sant no desilusiona. Su modo de contar una historia siempre cuenta con un toque de originalidad.

Otra de las razones por la que creo que se trata de una buena película es el hecho de que no se posiciona en ningún lado de la historia, de forma que cuenta los hechos sin juzgar a los personajes. Uno siente y comprende la emoción de Harvey y sus amigos, la bronca que genera la injusticia, los prejuicios que aún hoy existen.

Y por otro lado tenemos planteado al asesino de Harvey y su extraña relación, sus reacciones; pero nunca sabemos qué lo llevó a hacer lo que hizo. En cierto modo esto último me recuerda un poco a Elephant, donde el director nos muestra los hechos de un modo muy objetivo, sin buscar razones ni explicaciones.

Me gusta mucho que sea así; permite que el espectador saque sus propias conclusiones. ¡Y la música! En esta película la música juega un papel importantísimo, y el trabajo de Danny Elfman es inimitable.

Si aún no la habéis visto deberíais hacerlo. Cada Oscar que se le otorgó a esta peli fue más que merecido.

7 oct. 2009

Dos películas diferentes

Durante el fin de semana ví dos films completamente distintos. Sin embargo, encontré en ellos algún que otro punto en común:


Love in the Afternoon: Billy Wilder fue el primer director elegido, tenía ganas de olvidarme un poquito del mundo y sus películas buscan justamente eso. Si bien la peli me parece interesante y bastante divertida, no pude evitar sentir rechazo frente a la idea de una joven Audrey Hepburn teniendo un romance con Gary Cooper... debo ser la única persona que realmente no quería que acabaran juntos. 

Pero más allá de ese pequeño detalle, la verdad disfruté mucho viéndola. Sobre todo porque el vestuario de Audrey me fascinó de tal manera que me he empeñado en conseguir al menos una prenda similar. Siempre adoré el estilo de esta mujer, pero en esta película realmente quedé encantada con el vestuario.


La flor de mi Secreto: Al día siguiente opté por uno de mis directores favoritos: Pedro Almodóvar. Y la eleccíón de la película fue más que nada porque siento una adoración bastante grande por el trabajo de Marisa Paredes.

Y fue una elección acertada: me compenetré tanto en la historia que pasé casi toda la noche en vela pensando en los personajes. ¿Qué decir de esta película que no se haya dicho ya? Que en una parte de sus diálogos se plantea como una novela la idea que luego se convirtió en Volver; que es de lo mejor del cine de Almodóvar -en mi opinión al menos-, que Marisa está excelente como siempre.

Y claro, infaltable, que amé ver tanto rojo y verde. Desde que veo el cine de Pedro estos colores se han convertido en dos de mis favoritos; se ven hermosos en pantalla, y por más que ocupen el 98% de la escenografía y el vestuario, jamás me canso de ellos...

Se preguntarán, entonces, cuáles son las cosas en común que encontré en estas dos pequeñas joyas. No se trata de que ambos son ejemplos de películas de dos grandes directores protagonizadas por mujeres. Simplemente que ambas mujeres tienen un secreto.

Audrey se enamora perdidamente de un hombre mayor que no quiere relaciones serias, mientras que Marisa está tratando de reconstruir un matrimonio roto. Las dos tratan de esconder sus realidades al mundo, las dos tratan de conquistar a un hombre.

Con sus estilos particulares, ambos directores retratan el mundo de la mujer, y cómo vive el amor y el mal de amores. Los dos hablan de secretos. Los dos hablan de las relaciones padre/madre-hija, y de cómo la generación mayor puede ser de ayuda a la hora de dar un sentido a las cosas, cómo pueden ayudarnos a resolver la historia. 

Los dos contaron con actrices capaces de despertar emociones y empatía en el espectador, capaces de arrancar lágrimas con un sólo gesto. Los dos mantuvieron mi cabeza alejada de este mundo por un par de horas, contándome historias similares.

2 oct. 2009

La clásica fórmula "chico conoce chica" desde otro enfoque: más de lo mismo

Me pregunto, ¿por qué Hollywood insiste tanto en que siempre haya un final feliz y lleno de esperanza?


La frase de gancho de (500) Days of Summer nos promete que veremos la archiconocida chick flick, pero que esta vez tendrá un giro distinto. Yo no lo ví. De hecho, la peli me recuerda mucho a A lot like love (2005). Y a unas cuantas más.

El super gran giro original es que en este caso los protagonistas digamos que intercambian sexos. Que no, que no es una peli de esas. Intercambian sexos porque el chico se comporta como la clásica heroína del cine americano, y la chica... bueno, la chica es una extraña cruza entre Holly Golightly y un chico.

No quiero decir que no me ha gustado; sino que no es lo que prometen ni de lejos. Sobre todo porque cuando lo tenían todo para ganarme, lo arruinaron agregando una escena al final. ¿TAN MALO ES QUE EL PROTAGONISTA SE QUEDE SOLO? No lo entiendo.

Tenían un final fantástico, y sin embargo van y le echan una mano y un montón de alegría al final. Todo lo opuesto de lo que espero del cine independiente americano. ¡ERA LA OPORTUNIDAD DE DAR UN GIRO AL GÉNERO! ¡LA TENÍAN FRENTE A SUS NARICES! Pero bueno, supongo que ese final no le gustaría a la mayoría de los espectadores...

Más allá de eso, la película está bastante bien. Con un toque reminiscente a Juno aquí y allá, pero por sobre todo con una calidad muy buena (cosa que me gusta mucho del cine independiente actual). Verla asegura un par de risas y algo de empatía. Eso sí, por más que tu chica te prometa que no es la típica peli dechicas ¡no le creas! En el fondo es más de lo mismo.